La zona de interés: una vida con vistas al campo (de Auschwitz)

La zona de interés dirigida por Jonathan Glazer fue la cinta galardonada con el Oscar a la Mejor Película Internacional en este año 2024. Tras su paso por los cines el próximo día 10 de mayo llega a Filmin.

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La historia: El comandante del campo de Auschwitz, Rudolf Höss, y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca de la instalación militar. El filme retrata el día a día de esa familia alemana cuya casa colinda con el campo de exterminio.

La crítica: Una de las cosas más asombrosas del filme es cómo muestra que las personas pueden llegar a interiorizar y naturalizar el horror. Y no hablo solo de los mandos militares, sino más bien de sus familias y allegados que veían en ellos a simples funcionarios del exterminio. También llama la atención como el cineasta retrata de manera perfecta la liturgia nazi aunque pienso que se equivoca en el epílogo. Se muestran ciertas tareas cotidianas en los trabajos que actualmente se realizan en Auschwitz que podrían asociarse a la indiferencia de manera injusta o equivoca. 

La zona de interés toma su titulo de la denominación utilizada por las SS durante el régimen nazi para referirse a la zona de cuarenta kilómetros cuadrados que rodeaba el complejo del campo de Auschwitz, a las afueras de Oświęcim, en Polonia. En 2014, Martin Amis usó la frase para el título de una original novela picaresca en la que el punto de vista entre colaboradores, verdugos y presos se intercambia. En el libro, uno de los personajes describe la 'zona' como algo parecido a un espejo que revela la verdadera identidad de cada uno. El filme también pudiera verse como una reflexión en la que los personajes rehúsan a verse a sí mismos; ya que el reconocimiento y la identificación podría llevarles a la locura.

Jonathan Glazer es uno de los cineastas más originales del cine actual, y alejándose de la perspectiva de Amis, mantiene el relato en la parte civil dentro de la división de Auschwitz, sumergiendo al espectador en la soleada negación de la próspera y trepadora familia Höss. Viven como si al otro lado de la valla del jardín no ocurriera nada. Tampoco hay mucha diferencia a lo que hace la sociedad de hoy. Estamos viviendo un genocidio en directo en la franja de Gaza y nadie mueve un dedo. Y si se mueve es para ayudar al verdugo que de manera paradójica pasa de pueblo oprimido a pueblo opresor como el que cambia de zapatos. 

Christian Friedel interpreta con corrección al comandante Rudolf Höss. Un personaje bien construido que vive obsesionado por mantener su puesto y asimismo cuidar con mimo su casa con jardín. Hedwig (Sandra Hüller), la odiosa esposa de Rudolf, le enseña a su madre -que ha venido de visita- el espléndido jardín y le explica que va a plantar yedra para tapar la horrible tapia que la separa del otro lado. "Los judíos están al otro lado del muro", añade. Una verdad basada en la negación más monstruosa. En ese edén artificial, los Höss se esfuerzan en llevar una vida normal mientras las nubes de humo de muerte se elevan por encima del campo.

En la parte técnica destaca la asombrosa dirección de arte y el sonido que ha sido premiado con el Oscar. Los gritos, disparos y órdenes del campo de exterminio se escuchan en segundo plano mientras la familia hace su vida normal. Baños en la piscina incluidos. Puede parecer paradójico, pero la absoluta calma y los tranquilos movimientos de la cámara bajo una luz natural son testigos de lo extremo que llega a ser el guion.

La zona de interés es en el orden cinematografico la prueba palpable de que no todo está inventado en el cine. Por otro lado y en el orden moral es una llamada de auxilio ante la indiferencia global hacia los pueblos oprimidos. Hablamos de una película pequeña, original y perturbadora que ha ido creciendo gracias a los premios obtenidos. Por una vez los galardones tienen sentido si el objetivo real de éstos fuera el de ampliar las audiencias. Sea como fuere, y a pesar de la poca emotividad de la narración, el conjunto de la obra propuesta es ya historia viva del cine. 

Nota: 7'5/10.

Nacionalidad: Reino Unido, Polonia 

Género: Drama, Bélica 

Título original: The Zone of Interest

Dirección: Jonathan Glazer

Guion: Jonathan Glazer

Música: Mica Levi

Fotografía: Lukasz Zal

Duración: 106 minutos

Reparto: Sandra Hüller,

Christian Friedel, Ralph Herforth,

Max Beck, Marie Rosa Tietjen,

Sascha Maaz, Stephanie Petrowitz.

El mal no existe: un final mal explicado derrumba la eco parábola de Hamaguchi

El mal no existe dirigida por Ryûsuke Hamaguchi se estrena en cines españoles el próximo día 1 de mayo de 2024. La cinta japonesa ganó el León de Plata -Gran Premio del Jurado- en la última edición del Festival Internacional de Cine de Venecia. 

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La historia: Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokio. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza.

La crítica: Una de las funciones que tiene la crítica de cine es el poder de influencia para intentar controlar los desmanes de cineastas. Y es que a pesar de ganar el Oscar por Drive my Car a Hamaguchi se le criticó por llevar la citada película a los 180 minutos. Y como es de sabios rectificar solo cabe felicitar al director por dejar la cinta hoy reseñada en 109 minutos que es un metraje mucho más lógico para otorgar el ritmo narrativo adecuado al relato. Es de sentido común y mucho más cuando hablamos de cine de autor.

Aún así hay cosas que no tienen cura y para muestra un botón: los primeros 8 o 9 minutos de metraje consisten en un plano en movimiento sobre árboles de un bosque por lo que el "efecto melatonina" no tarda en llegar. Superada esa fase inicial, comienza El mal no existe. Título, por cierto, que corresponde a una supuesta genialidad y que es en tono irónico. Porque el mal claro que existe y en cine se podría traducir cuando una película es lenta, soporifera e impostada en su mensaje. Como esta. 

El mal no existe se asienta sobre un conflicto narrativo menor que el cineasta trata de convertir en algo universal o grandioso sin conseguirlo. Asistimos a un mero dilema municipal sobre la instalación de un camping con 50 plazas turísticas. El debate consiste en mover del plano una fosa séptica y dar vigilancia al camping como medida contra incendios. El empresario se muestra reacio y algo tan sencillo como sería denegar una licencia municipal, Hamaguchi lo trata de convertir en el fin del mundo natural. El mensaje ultra ecologista del filme está vacío y perjudica por ende a los que amamos a la Naturaleza. La cuestión principal es la siguiente: el pequeño camping podría vertir aguas residuales y contaminar el río que llega hasta el pueblo. Pero como decía antes con unas leves modificaciones en el proyecto esos vertidos no se producirían. El mensaje ecologista se hubiera entendido mucho mejor si habláramos de un macro-camping de 5000 personas que si alteraría el medio natural o de la construcción de un macro complejo hotelero. Es por eso que equiparar la construcción de un pequeño camping a los grandes proyectos urbanísticos en el medio natural es además de una exageración una premisa con una construcción narrativa muy débil.

Nada que achacar, ni alabar en las interpretaciones así que repasemos a los personajes. Takumi es el protagonista y principal opositor a la construcción del camping. Es por tanto un amante de la Naturaleza, le encantan los animales salvajes y sin embargo olvida a menudo que tiene que recoger a su hija menor del colegio. Tanto es así que la obliga a que vuelva sola por bosques peligrosos y al final como es natural la niña se pierde. Eso sí, lo importante es que el micro-camping no se haga porque romperá el mundo natural. A la niña ya si eso que la cuide la madre. Bueno en realidad la madre no existe y tampoco se explica. ¿Murió, dejó a Takumi y a su hija, o simplemente el cineasta no quiso escribir al personaje? Ya saben, cosas de los genios. Los demás personajes son Ryuji y Ayaka que son los comerciales del camping y que se van contagiando del espíritu naturalista de los vecinos del pueblo. Dos personajes sin aristas.  

Lo mejor de la película pasa por las localizaciones del rodaje: se rueda en las montañas de Nagano. Hablamos de una reserva natural cercana a Tokio. Las bellas imágenes se complementan con la bonita música de la compositora Eiko Ishibashi. La fotografía en tonos azulados hacen que la experiencia visual y sensorial sea óptima. Lástima que guion en forma de eco parábola y personajes aparezcan en pantalla. 

El mal no existe es una película lenta, engañosa y aburrida. Dicho lo cual, a la crítica generalista le ha parecido una obra magna. Magna para dormir digo yo. Además, la película cuenta con un hándicap que va a molestar a muchos espectadores. Hablamos de un final mal explicado y peor resuelto en un giro de guion cuando la niña se pierde en el bosque. En definitiva, la nueva cinta de Hamaguchi es positiva como un inductor del sueño por eso que dicen que hay que quedarse con las cosas positivas de la vida. 

Nota: 3/10.

P.D. ALERTA SPOILER.

Final explicado de El mal no existe: 

Si has llegado desde la búsqueda de Google tratando de encontrar una explicación al final de la película voy a tratar de aclarar lo que pueda. Tras perderse Hana (la niña) esta aparece sola, sin daños y frente a un ciervo que la mira de manera desafiante. El padre ve la escena y está acompañado por el comercial del proyecto. El comercial trata de reaccionar, pero el padre trata de hacerlo callar para no asustar al ciervo y que éste alterado pudiera atacar a la niña. En el forcejeo mata al hombre. La niña, no obstante, parece ser atacada por el ciervo y se ve una imagen suya con algo de sangre saliendo por la boca. No sabemos si está muerta o inconsciente. Se escucha a una persona corriendo que pudiera ser el padre cargando a la niña y tratando de pedir ayuda. También pudiera estar huyendo por el delito cometido. Al ser un final abierto e inconcluso otras resoluciones podrían estar sobre las mesa. El cineasta juega a qué cada espectador elabore su final.

Nacionalidad: Japón

Título original: Aku Wa Sonzai Shinai

Género: Drama 

Dirección: Ryûsuke Hamaguchi

Guion: Ryûsuke Hamaguchi

Música: Eiko Ishibashi

Fotografía: Yoshio Kitagawa

Duración: 109 minutos

Reparto: Hitoshi Omika,

Ryo Nishikawa, Ryuji Kosaka,

Ayaka Shibutani.

Civil War: ¿profecía autocumplida?

Civil War dirigida por Alex Garland se ha estrenado en cines españoles el día 19 de abril de 2024. El nuevo filme del cineasta británico nos sitúa en un futuro cercano dónde los Estados Unidos se encuentran completamente fragmentados.

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La historia: En un futuro cercano donde Estados Unidos está sumido en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos (DeAPlaneta).

La crítica: Si una película no puede explicarse a sí misma a través de su libreto hablamos de un error de narrativa fundamental. No hablo de finales abiertos, personajes con doble cara o de que se ofrezca un filme masticado por completo. Más bien estaríamos hablando de una premisa con cierto atractivo que nunca llega a desarrollarse. Se renuncia a una explicación del contexto para crear un suspense vacuo. 

Civil War resulta una especie de profecía autocumplida que bebería del insólito asalto al Capitolio de Estados Unidos. Es cierto que la realidad suele superar a la ficción y para muestra la pandemia, la fallida invasión rusa a Ucrania o la boda del alcalde de Madrid. Por tanto, una supuesta guerra civil en USA nunca puede ser descartada, pero necesita un contexto en el que el cineasta ni se moja, ni lo explica, ni lo intenta. Sucede porque sí y nos tenemos que limitar a observar secuencias bélicas deshilvanadas entre la insurrección, civiles y cameos del ejercito regular. 

De manera independiente a las razones, el conflicto en sí, según va avanzando y llegando a los diferentes estados, se siente bien realizado en la técnica de rodaje. No se trata de una distopía aunque lo parezca: es un retrato visceral de los acontecimientos y los sonidos de la guerra. Un grupo de reporteros es el único hilo narrativo al que acogerse para tratar de tener una visión de conjunto. 

Lee es una experimentada reportera gráfica que ha retratado atrocidades y conflictos en todo el mundo, que viaja a la Casa Blanca con la esperanza de captar una última instantánea del presidente. En la caravana de periodistas coincide con una joven aspirante a fotógrafa llamada Jessie, con quien acaba compartiendo sus conocimientos, si bien de primeras lo hace a regañadientes. Quizás la mejor parte sucede cuando el grupo atraviesa el país, -ahí el filme se muestra tan road movie como película bélica- y nos enseña una realidad alternativa que progresa de manera caótica.

El reparto está encabezado por una avinagrada Kirsten Dunst en un error de casting colosal. Wagner Moura, que interpreta a Joel, compañero de la reportera cumple con su papel y para casa. Lo mejor del reparto pasa por la joven Cailee Spaeny. Ya en Priscilla se mostraba como una promesa y ahora se consolida como una de las mejores actrices de su generación. Con respecto a los personajes que interpretan todos están cortados por el mismo rasero: son torpes, toman decisiones incorrectas o absurdas y te da igual si viven, mueren o se quedan a vivir en un camping. 

La técnica, fotografía y el sonido bien. Quizás no está demás llevar tapones a la sala de cine. Las palomitas ya son opcionales porque ver matanzas y estar comiendo puede parecer de mal gusto. 

Civil War es un blockbuster sustentado por las expectativas creadas que pueden verse defraudadas como suele pasar en cualquier aspecto de la vida. La película es entretenida, pero inane. La alianza presentada por el cineasta entre Texas y California para formar las llamadas Western Forces y derrocar a un eventual gobierno pudo salir de una noche de borrachera. Ahora bien, según está el mundo ya no podríamos descartar ningún escenario. Yo mismo tuve un sueño mientras dormía: Trump volvía a gobernar, se teñía el pelo de color negro y decidía invadir México. ¿Lo del tinte suena muy loco?

Nota: 4/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Acción, Bélica

Dirección: Alex Garland

Guion: Alex Garland

Música: Geoff Barrow

Fotografía: Rob Hardy

Duración: 110 minutos

Reparto: Kirsten Dunst,

Cailee Spaeny, Wagner Moura, 

Stephen MCKinley Henderson,

Nick Offerman, Jesse Plemons.

Fallen Leaves: un amor de cine

Fallen Leaves dirigida por Aki Kaurismäki se estrena en Filmin el día 19 de abril de 2024. El legendario director finlandés dedica su nueva película a una humana historia de amor premiada en Cannes.

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La historia: Ansa es soltera y vive en Helsinki. Trabaja con un contrato precario en un supermercado, abasteciendo los estantes; luego clasifica el plástico reciclable. Una noche se encuentra con un solitario trabajador llamado Holappa, un alcohólico. Contra todo pronóstico y malentendidos, intentan construir una relación. 

La crítica: Woody Allen, y de paso todos los amantes del cine clásico, se sentirá pletórico al comprobar que en apenas 80 minutos Fallen Leaves consigue todos los propósitos de su sencillo y emotivo libreto. Nos hallamos ante un filme de autor que sin embargo ha conseguido ampliar su audiencia a amplias capas de público en diferentes partes del mundo. 

Hablamos de dos personas solitarias que se encuentran por casualidad en una salida nocturna e intentan encontrar el primer, único y último amor de sus vidas. Su camino hacia esta honrosa meta se ve empañado por el alcoholismo de Holappa, números de teléfono perdidos y la tendencia general de las trampas del destino de quienes buscan su felicidad.

Fallen Leaves gira sobre los temas a través de los cuales la humanidad podría tener un futuro: el anhelo de amor, la solidaridad, la esperanza y el respeto por las demás personas. La agresión de Rusia a Ucrania está muy presente a través de la radio de la protagonista. Cabe recordar que Finlandia es zona fronteriza con la Federación Rusa y el miedo a una agresión bélica está presente en la población. 

Otra de las cosas que ha enamorado de la película a los cinéfilos es que la sala de cine está muy presente. Una de las primeras citas de la pareja, como en La La Land, ocurre en el cine. Otras escenas también están rodadas en la puerta de la sala donde podemos ver algunos carteles de cine clásico. También aparece sin censura el consumo de cigarrillos, de alcohol y pequeños hurtos que hacen a la película políticamente incorrecta lo que se agradece en grado sumo. 

Alma Pöysti se graduó en la Academia de Teatro en la Universidad de Helsinki con una Maestría en Arte. Una actriz que sorprende con su interpretación de Ansa. Su personaje es el de una mujer que se gana la vida en trabajos precarios. No habla mucho, se muestra amable y sigue esperando al amor de su vida. Buen papel también de Jussi Vatanen que interpreta Holappa. Su personaje también es muy reservado, adicto al alcohol y de igual manera se busca la vida en trabajos donde suele ser despedido por la citada adicción. En el fondo hablamos de dos seres solitarios necesitados de amar y ser amados. 

Las canciones elegidas elevan el clímax de una manera notable. Una vez más se demuestra que el cine sin la música sería mucho menos cine. Las localizaciones son otra parte destacada en la técnica. Se complementan zonas industriales con la calidez del hogar de Ansa. 

Fallen Leaves es un bello cuento urbano que narra una bonita historia de amor de dos corazones solitarios destinados a encontrase. Las miradas pesan más que los diálogos. En definitiva, son dos personas que se conocen en la madurez y que han vivido algunas desilusiones por lo que deben armarse de un gran valor para arriesgarse a enamorarse a medida que van cumpliendo años. El final es tan hermoso y tierno que nos reconcilia una vez más con el séptimo arte.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Finlandia

Título original: Kuolleet Lehdet

Género: Romántico 

Dirección: Aki Kaurismäki

Guion: Aki Kaurismäki

Fotografía: Timo Salminen

Duración: 80 minutos

Reparto: Alma Pöysti, 

Jussi Vatanen, Anna Karjalainen, 

Kaisa Karjalainen, Janne Hyytiäinen.

Menudas piezas: notable comedia española con Alexandra Jiménez como reina del tablero

Menudas piezas dirigida por Nacho G. Velilla se estrena en cines españoles el próximo día 12 de abril de 2024. La cinta española se presentó en la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección oficial, fuera de concurso. 

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La historia: Candela cometió el error de pensar que el ascensor social solo funciona en una dirección, la de subida. Y ahora, tras un traumático e inesperado divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Por eso Candela tiene que volver al barrio del que salió y pedir ayuda a su hermana y su padre, esos a los que lleva años mirando por encima del hombro.

La crítica: Algunas claves para que una comedia funcione deben pasar por la transgresión, también por una cierta amabilidad, por tocar algunos temas de actualidad, contener un guion con diálogos divertidos, confrontar clases sociales y sobre todo por convertir una situación dramática en algo ameno o hilarante para el espectador. En ese aspecto podríamos decir que Nacho G, Velilla supera de manera notable las claves de la buena comedia y por tanto consigue el objetivo del género. 

Menudas piezas está basada en una historia real ocurrida en 2018. Enrique Sánchez, un profesor de Instituto, apasionado del ajedrez, que aprendió a jugar con los huéspedes que se alojaban en su casa, transformada en pensión de estudiantes, consiguió una hazaña impensable: convertir a cinco alumnos de un colegio humilde, de un barrio obrero de Zaragoza, en jugadores de ajedrez que competían con la élite de otros colegios.

En la cinta reseñada se introducen los lógicos cambios para exagerar a los personajes. El profesor jubilado, pasa a ser el personaje de Candela que es una joven maestra que solo ha dado a clase en colegios de élite. En el grupo de muchachos nos encontramos de todo un poco. Se conjuga a un grupo de chicos excluidos y con problemas de integración escolar. Es decir a unas buenas piezas que encontrarán en el ajedrez su tabla de salvación. 

La superación personal, tanto de maestros como de alumnos, es el leitmotiv de una historia que además de risueña consigue ser conmovedora. La objeción principal del filme son los ciertos clichés que se ofrecen en la comparativa entre la educación pública y la privada. Sobre todo en el desarrollo de los personajes más por sus formas que por su fondo. Sin embargo se abordan con acierto temas como la integración racial, la sexualidad en los jóvenes o la propia precariedad social.

Alexandra Jiménez vuelve a reinar en la comedia española y sustenta con su interpretación la base cómica del relato. Una actriz que desde la aclamada "Toc-toc" no deja de superarse situándose como la reina del tablero nacional. Su personaje, Candela, ha sido siempre una luchadora. Su padre le enseñó a no rendirse y ella se esforzó en salir del barrio humilde donde creció. Y cuando creía haberlo conseguido -un buen trabajo, una casa de ensueño, una familia y una posición- su mundo se viene abajo al descubrir que su marido le es infiel. Tras años de sacrificio, pierde los nervios y le monta a su marido una escena con la que solo consigue perder el trabajo y la reputación que tanto esfuerzo le ha costado construirse. Se siente derrotada y su única opción es buscar refugio en la casa de su padre interpretado por un buen Francesc Orella, para descubrir que todos estos años ha estado huyendo del recuerdo de una infancia humilde y un entorno social degradado. Ahora llega el momento de redimirse a través de la enseñanza en la escuela pública e intentar sacar adelante a unos jóvenes con el mundo cuesta arriba. 

Otro personaje importante es Lope que está interpretado con solera por Luis Callejo. Su papel es el del director del Instituto Luís Buñuel en Zaragoza, aquel en el que estudió y al que ahora le intenta devolver todo lo que le dio. En esa labor se ha implicado veinticuatro horas al día desde hace años y se ha dejado la vida, las ganas y la vocación. Lope es de los que siempre ha visto la enseñanza como un servicio público y un ascensor social para los más desfavorecidos. Aunque él no lo sabe, quizás Candela sea el empujón que necesita para recuperar su motivación. O quizás sea el empujón que necesita para dejar la enseñanza. Completan el reparto de los adultos, María Adanez como hermana de Candela y Alain Hernández como la expareja de Candela que deja buenos momentos.

Los chicos y chicas hacen un buen trabajo en sus respectivos papeles. Destacaría a Pablo Louazel como el joven que con 16 años está a punto de cruzar esa delgada línea que separa al gamberro del delincuente. Si la enseñanza es un lastre para él, él también es un lastre para la enseñanza aunque también encontrará la redención a través del ajedrez. Y en la parte de las chicas destaca el papel interpretado con desparpajo por Rocío Velayos. Ella es una de las alumnas más populares del instituto. Viste, actúa y habla de forma provocativa. Se la puede reconocer fácilmente porque el botellón es su hábitat natural, la cachimba un complemento más y porque es la única del instituto que luce su embarazo como una prueba de que no es de las que piensa mucho las cosas.

En la parte técnica destaca la luminosa fotografía y las localizaciones que se sitúan en Zaragoza. La ciudad tendrá su pequeña recompensa en forma de recuerdo, ya que ha quedado hermosamente retratada en la película. También destaca la música y canciones elegidas. Entre ellas destacan temas de Ginebras, Amaral, Afro Juice, Luna Ki o el gran Serrat. 

Menudas piezas vuelve a situar a la comedia española en un buen nivel. La cinta es divertida, emotiva y con un ritmo adecuado. Con un buen reparto y una historia basada en la superación saldremos más que satisfechos de la sala de cine. El libreto está pensado para enfrentar de buen rollo a varias generaciones y que se vean retratadas ante el espejo. Nos hallamos, por tanto, ante una historia muy abierta, con grandes dosis de comedia y de emoción, que retrata muy bien el duelo generacional y la diferencia de clases sociales de sus divertidos personajes.

Nota: 7'5/10.

Nacionalidad: España

Género: Comedia

Dirección: Nacho G. Velilla

Guion: Nacho G. Velilla

Música: Juanjo Javierre

Fotografía: Andreu Ortoll

Duración: 100 minutos

Reparto: Alexandra Jiménez,

María Adánez, Francesc Orella,

Miguel Rellán, Alain Hernández, 

José Manuel Poga, Luis Callejo. 

Mayday Club: alocada comedia nórdica sobre el miedo a volar

Mayday Club dirigida por Hafsteinn Gunnar Siurðsgson se estrena en cines españoles el día 5 de abril de 2024. Sigurðsson es el realizador de las ingeniosas 'Under the tree' (Buenos vecinos), que pasó por Venecia o Toronto, 'Paris Of The North' o 'Either Way' (ganadora del Festival de Turín 2011).

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La historia: Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en el remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas y volar.

La crítica: La aerofobia es un miedo irracional a realizar un desplazamiento en un avión. Según el INE entre el 5% y el 6% de la población española, más de 2,5 millones de personas, padece ansiedad antes de tomar un avión. Con esta premisa, ideal para realizar comedia, Siurðsgson nos deja un alocado retrato que resulta inverosímil y por momentos fallido. 

Mayday Club trata sobre como superar el miedo a volar a través del humor. Ahí se encuentra el reto. Para ello, un grupo heterogéneo de pasajeros fóbicos está a punto de completar un curso terapéutico de alto nivel para superar su particular pánico a volar. El objetivo final del curso es realizar un vuelo de exposición de corta distancia en el que se enfrentarán a su fobia y, en teoría, vencerán su miedo de una vez por todas.

Los miembros del grupo, desconocidos entre sí, no sólo tendrán que enfrentarse a sus propios miedos, sino también a los comportamientos, a veces chocantes, de sus compañeros de viaje. A medida que las tensiones aumentan y los conflictos se intensifican, la trama que en teoría debería tener gracia, se va desinflando a medida que avanza la acción. Va pasando el tiempo y la cinta se limita a ser una sucesión de gags que en el mejor de los casos pueden levantar una ligera sonrisa. 

Los personajes y el reparto están encabezados por Sarah, buen papel de Lydia Leonard, que es una exitosa promotora inmobiliaria de 40 años. Necesita tenerlo todo bajo control, pero una nueva variable ha entrado en su vida y está aterrorizada por cómo podría alterar el frágil equilibrio que tanto se esfuerza por mantener: está enamorada y los vuelos en avión son necesarios para su vida laboral y amorosa. 

Edward (que es protagonizado por Timothy Spall) es un veterano de guerra traumatizado. El miedo a volar es, en cierto modo, la menor de sus preocupaciones, pero actúa como una lente a través de la cual los horrores de su pasado pueden verse con mayor claridad. Sara y Edward son los personajes mejor construidos ya que el resto se limitan a ser estereotipos: una pareja de “influencers” y el instructor del grupo. 

Nada que destacar en la técnica de rodaje. Si acaso, y en negativo, una oscura e insólita fotografía para ser una comedia. Los parajes nevados de Islandia, adonde se traslada el grupo desde Londres, tampoco son aprovechados y se limitan a algunos planos generales. 

Mayday Club me ha parecido un filme discreto que intenta quitar hierro a la aerofobia y supongo que ayudar a las personas que la padecen. Otra cosa es que lo consiga. Con un ritmo trepidante y un metraje muy ajustado, el cineasta trata de hilar una aventura divertida y excéntrica consiguiendo solo lo segundo que no parece mucho bagaje. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Islandia

Título original: Northern Comfort

Género: Comedia

Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Fotografía: Niels Thastum

Duración: 95 minutos

Reparto: Timothy Spall, Lydia Leonard,

Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, 

Gina Bramhill, Sverrir Gudnason.

Los niños de Winton (One Life): pasaporte a la vida

Los niños de Winton dirigida por James Hawes se ha estrenado en cines españoles el día 22 de marzo de 2024. Protagonizada por el dos veces ganador del Oscar® Anthony Hopkins (El Padre, Los dos Papas) la cinta está basada en la increíble historia real de cómo un hombre corriente logró algo extraordinario. 

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La historia: Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.

La crítica: Al igual que en La lista de Schindler la cinta hoy reseñada trata de poner en valor a aquellas personas que desde lo individual hicieron lo posible para el bien del prójimo durante o en los momentos previos a la Segunda Guerra Mundial. En este caso viajamos a la Checoslovaquia ocupada en la que otra lista ideada por Nicholas Winton trataba de salvar a niños judíos del exterminio nazi. El traslado de Praga a Inglaterra guarda semejanzas a lo que se hizo con Los niños de Rusia en su traslado desde España durante el conflicto civil ibérico. 

Los niños de Winton está narrada en dos lineas temporales separadas por 50 años (1938-1988). El caso de los niños refugiados pasó desapercibido hasta los años 80 hasta que un programa de la televisión inglesa dio voz al impulsor de este movimiento. Con un buen pulso narrativo el cineasta cuenta la historia de cuando el joven Winton llega a Checoslovaquia donde existía una ONG muy pequeña, el Comité Británico para Refugiados en Checoslovaquia. Un pequeño grupo de personas con muy poco dinero, tratando de ayudar a refugiados que huían de la persecución nazi que comenzó con la apropiación de los Sudetes en Checoslovaquia.

Winton y su equipo decidieron centrar sus esfuerzos en los niños que estaban en riesgo. Tal vez el caso más fácil de presentar tanto en el extranjero como en el propio Reino Unido: rescatar a personas que estaban en inminente riesgo de persecución y posible asesinato. Hoy en día solo se puede sentir vergüenza ajena ante la aplastante matanza de niños en Gaza provocada primero por Hamas y luego por Israel con la Comunidad Internacional mirando para otro lado. Es por eso que Los niños de Winton resulta una película muy actual con la que observamos como la historia se repite cambiado los roles del pueblo oprimido que pasa a ser opresor. En la Checoslovaquia ocupada por los nazis murieron más de 15.000 niños judíos. Este dato puede quedar pequeño cuando salgan los datos definitivos de los niños de Gaza. Paradojas de la humanidad. 

Anthony Hopkins interpreta a Nicholas Winton y vuelve a dar un recital interpretativo. Completan este buen reparto, la dos veces nominada al Oscar Helena Bonham Carter (El discurso del rey), el nominado al Oscar Jonathan Pryce (La buena esposa), la nominada al Bafta Romola Garai (Mas allá de la pasión) y Johnny Flynn quien interpreta al joven Winton en sus viajes a Praga. 

Un rodaje de 33 días, en dos países y dos períodos de tiempo, trabajando con dos equipos en dos idiomas es el desafío técnico que ha afrontado James Hawes. Las ambientación, música y fotografía son notables de manera especial en la recreación de la Praga de 1938. Era importante para Hawes y los productores filmar en Praga, utilizando las ubicaciones auténticas de la ciudad, incluso filmando en la plataforma real de la estación en la que los niños se despidieron de sus familias y partieron hacia Inglaterra. Una estatua de bronce de Winton con dos niños y una maleta marcan el lugar histórico real. 

Los niños de Winton me ha parecido un buen ejercicio de memoria histórica y un aceptable retrato cinematográfico que descubre un hecho quizás solo conocido por los historiadores. Citado en la película hay un proverbio en hebreo, traducido como: "Salvar una vida, salvar el mundo". Y ese es el mensaje que trata de dejarnos el cineasta. Se estima que hay más de 6.000 descendientes a día de hoy debido al rescate de los niños de Praga. Desde luego no se me ocurre mejor legado que el de ayudar a salvar una vida y en eso Winton dejó su sello más preciado. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Título Original: One Life

Género: Drama, Historia.

Dirección: James Hawes

Guion: Lucinda Coxon

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Zac Nicholson

Duración: 110 minutos

Reparto: Anthony Hopkins, 

Helena Bonham Carter, Jonathan Pryce,

Lena Olin, Romola Garai, Johnny Flynn.

Teresa: preciosista retrato de la Santa de Ávila

Tras su paso por cines, Teresa dirigida por Paula Ortiz llega a Filmin el día 22 de marzo de 2024. La directora nos acerca a la historia de esta mujer del siglo XVI y a su enfrentamiento con la Inquisición Española hacia el final de su vida.

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La historia: Teresa, monja de clausura, espera paciente a ser entrevistada por el Inquisidor que llegará en breve. Sabe que ha llegado el momento. De su visita dependerá lo que pase con el Monasterio de San José que tanto le costó e incluso su propia vida por acusaciones de herejía. 

La crítica: El nuevo film de Paula Ortiz (La novia), es una versión de la obra teatral de Juan Mayorga, “La lengua en pedazos”, basada a su vez en el “Libro de la Vida”, de Santa Teresa de Jesús. En la cocina del convento -un espacio importante para Teresa, a quien se atribuye la cita de: “Entre pucheros también anda Dios”– tiene lugar el duelo entre la mujer reformadora con un hombre de la Iglesia, un Inquisidor cuyo propósito es el cierre de San José y el regreso de Teresa a la ortodoxia del Carmelo. Se trata de un combate teológico, pero también personal. A los argumentos y amenazas del Inquisidor, Teresa opone su fe y su carácter. Si ella afirma que Dios se le aparece y le habla, su oponente intenta desacreditar como ilusión esas visiones y la misión que sobre ellas sostiene.

Teresa tiene un aire preciosista en los recurrentes flashbacks a los que nos somete la cineasta. A mi juicio esta manera de narrar corta en demasiadas ocasiones el combate dialéctico entre los dos protagonistas del relato. En cualquier caso la manera de rodar, los encuadres y la visualidad de la película rozan la perfección apoyados en una gran iluminación. 

La cinta española tiene más aciertos que errores en todo caso. El metraje se ajusta a los 100 minutos, no hablamos de una biografía al uso, sino más bien de un retrato parcial sobre los ideales y visiones de esta mujer y sobre todo es un filme que se puede ver como una historia de ficción sin tener que tener conocimientos sobre Teresa de Jesús.

La película, por tanto, no pretende ceñirse a su biografía histórica, sino explorar su condición humana y reflexiones. Se centra en su lucha interna, no en sus hitos históricos. Existen cientos de libros sobre ella, películas, obras de teatro, pero lo más interesante aquí son las dudas expresadas, las contradicciones o la controversia sobre las visiones sobre las que hay teorías para todos los gustos: desde la locura, pasando por alucinaciones debido a sus ayunos o que estuviera diciendo la verdad. 

Teresa, es interpretada por Blanca Portillo de manera muy sólida. Ha sido la gran olvidada de la temporada de premios de manera inexplicable. Asimismo nos hallamos ante una gran papel de Asier Etxeandia como el Inquisidor que determinará cuál será la sentencia del juicio a la Santa de Ávila: libertad, cárcel u hoguera. Greta Fernández interpreta a Teresa en su versión joven y Ainet Jounou en la etapa de la niñez. 

En la parte técnica destaca el sonido y las localizaciones realizadas en Aragón que simulan ser las de la Ávila natal del personaje retratado. Jaca y sobre todo el Monasterio Viejo de San Juan de la Peña nos transportan hasta épocas pretéritas envueltas en un halo de realismo mágico. 

Teresa me ha parecido una película magnética, intensa y que afronta de manera inteligente la mirada a una figura histórica controvertida. Con un reparto sobresaliente y un ritmo irregular nos hallamos ante un viaje por la vida de una de las mujeres más abismales de la cultura occidental. Su mundo se movía entre lo real y lo imaginado, subiendo hasta el cielo o bajando hasta el peor de sus infiernos. En ese tránsito y en su obra literaria nos ofrece las palabras más hermosas, los paisajes más intensos, y un reflejo actual, crudo y singular sobre el poder de la fe. 

Nota: 6'5/10. 

Nacionalidad: España.

Género: Religioso, Histórica.

Duración: 100 minutos.

Dirección: Paula Ortiz.

Guion: P. Ortiz, Javier G Arreondo.

Fotografía: Rafael García.

Música: Juanma Latorre.

Reparto: Blanca Portillo, 

Asier Etxeandia,Greta Fernández, 

Ainet Jounou. 

¡10 interpretaciones femeninas para el recuerdo!

Si en la publicación anterior echábamos una mirada a 10 de las mejores interpretaciones masculinas hoy hacemos un ranking con 10 grandes interpretaciones femeninas en la historia del cine. Por supuesto, faltarán muchas intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación. 

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10. Jodie Foster en Acusados de 1988.

Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Martin Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con 'Acusados' con la que conseguiría su primer Oscar como actriz principal. Barbara Valera dijo lo siguiente: "Lo más destacable de la cinta es la gran actuación de una joven Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos".

9. Vivien Leigh en Un tranvía llamado deseo de 1951.

Pablo Kurk de FilmAffinity encontró las palabras adecuadas para definir la cinta y las interpretaciones: "Elia Kazan bucea en las relaciones de pareja, según la obra de Tennessee Williams, para mostrar -sin ningún tipo de anestesia- un tenso y apasionante ejercicio de sinsabores y verdades escupidas a la cara. Magistrales interpretaciones (de Leigh, Malden y Hunter) que se llevaron el Oscar mientras Brando, que revolucionó el mundo de la interpretación pero se quedó sin la estatuilla (se la dieron a Bogart por "La reina de África"), sudaba una camiseta que le encumbró en el olimpo de los mitos. Imprescindible.

8. Nicole Kidman en Dogville de 2003.

Impactante actuación en una película con una decoración no menos impactante. Daniel Andreas lo explicó de manera perfecta: "Abrumadora y perversa inteligencia de Lars Von Trier que hace que la forma y fondo sean una unidad inseparable, y uno no sabe qué admirar más: si la coherencia del relato, el juego metafílmico entre el personaje del intelectual y el propio director, la mezcla y renovación de los géneros fílmicos, el decorado-escenario, el conjunto como alegoría, la fuerza de las escenas individuales, la magistral interpretación de Nicole Kidman, la fugaz pero deslumbrante presencia de James Cann o ese final operístico y demoledor. Nadie hace cine ni remotamente parecido".

7. Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc en 1958. 

Peter Bradshaw en The Guardian hizo una gran revisión de la película. Maggie (Elizabeth Taylor), es crucificada por su desesperación por lograr que Brick la desee: se la interpreta con una intensidad hipnóticamente felina, irradiando desde ese rostro ovalado perfecto, el vestido blanco prístino sobre su combinación opaca ceñida para acentuar una cintura notablemente delgada y la absoluta imposibilidad de estar embarazada. Y un placer cómico negro muy real de la película es lo odiosos que somos de niños. El propio WC Fields asentía sombríamente ante el comportamiento de estas espantosas pequeñas bestias, sumergiendo sus manos sucias en tarros de helado o disparando seis tiros de juguete que destrozan los nervios a los adultos"

6. Bette Davis por Eva al desnudo en 1950.

Una interpretación memorable que marcó su gran carrera. Luis Martínez en el Diario El País revisó la película con esta perla: "Bette Davis está genial. Aunque la pregunta es quién no lo está en esta inmarcesible película sobre la ambición, la capacidad de envenenar y, al margen de lecturas, sobre el placer de escuchar un guión perfectamente hilvanado". 

5. Marilyn Monroe por Vidas Rebeldes en 1961.

En mi opinión la mejor interpretación de Marilyn en toda su carrera. En su mirada melancólica se podía deducir que el final de la estrella y del mito se acercaba. Tara Brady en Irish Times encontró las palabras adecuadas: "Reforzada por las increíbles actuaciones de Monroe y Gable y la meticulosa fotografía de Russell Metty, es una experiencia visual poderosa y emotiva".

4. Katharine Hepburn por Historias de Filadelfia en 1940.  

Una diva y una actriz portentosa. Con 4 Oscars de la Academia aún sigue liderando esa marca que ninguna otra actriz ha logrado igualar. Jake Hamilton en Empire dijo lo siguiente: "Un reparto excelente, un gran argumento y un guion inteligente hacen de ella un clásico del género, con uno de los mejores papeles de Katherine Hepburn".

3. Audrey Hepburn por Desayuno con Diamantes en 1961.

Esta vez tomaré mis propias palabras de la retro reseña de la película: "El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad".

2. Meryl Streep por Los puentes de Madison en 1995.

La secuencia final del melodrama filmado por el maestro Eastwood es una obra maestra en sí misma. Meryl Streep supo transmitir mejor que nadie el significado de dilema. Pablo Kurt en FilmAffinity se expresó así: "Su grandeza es que algunos la ven como una historia sobre el amor, la aventura o el adulterio, mientras otros atienden al trasfondo de la vida sacrificada, los sueños no cumplidos y el dilema del ser frente al querer ser. Algunos la ven y empatizan desde el personaje de ella, y otros reclaman atención hacia el hecho de que el verdadero drama quizá esté en él. Abierto sigue el debate. En cualquier caso nadie discute que ambos se embarcan en un viaje emocional pocas veces visto en el cine reciente. La ceguera de Hollywood la nominó a solo un Oscar -mejor actriz-. El final, siempre recordado, en la que el duro Clint llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Streep duda entre abrir o no la puerta a una nueva vida..."

1. Rita Hayworth por Gilda en 1946.

Para concluir era imposible olvidarse de Rita Hayworth en una película considerada una obra maestra. Extraigo un extracto de mi retro reseña sobre el filme: "Gilda dirigida en el año 1946 por el cineasta húngaro Charles Vidor es un icono en la historia de la cinematografía. Hay películas que marcan un antes y un después para algunas estrellas de cine. Y de lo que no cabe duda es que con este filme Rita Hayworth consiguió la universalidad en la memoria colectiva del espectador"

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P.D. Os animo, como en la publicación anterior, a enriquecer la entrada dejando algún comentario sobre alguna interpretación femenina que os impactara o que recordéis con cariño.