Un monstruo viene a verme

Y por fin llegó el día. Tras una espectacular, "monstruosa", pretenciosa, desproporcionada y hasta cierto punto agobiante campaña promocional en España, es ahora el espectador el que tendrá la última palabra sobre la nueva producción de Mr. Bayona. 

Universal Pictures y Mediaset van a por todas y no solo a nivel local. Para ello, han retrasado el estreno en Estados Unidos hasta el mes de diciembre. El objetivo es que los académicos de Hollywood tengan la cinta fresca en la memoria para tratar de obtener alguna nominación en la carrera de los Oscars. Apuesta fuerte y ojalá obtengan recompensa porque su director se lo merece. Quizás no por esta película pero si por su honestidad y sus anteriores obras. Ahora analicemos sin desvelar detalles clave la propuesta presentada.

Conor es un joven muchacho de 13 años que esta atravesando una difícil situación familiar. Después de la separación de sus padres, su madre cae gravemente enferma de cáncer y esto dificulta aún más su transición de la niñez hacia la adolescencia. Para superar esta situación, agravada también por el acoso escolar que viene padeciendo, se refugia en su imaginación. A partir de ahí, los seres imaginarios que esta creando como método de autodefensa cobrarán una insospechada fuerza en la trama. Esto le deparará situaciones que serán solo el principio de su propio auto-conocimiento.

La película esta basada en la novela homónima del escritor Patrick Ness con la que obtuvo un gran reconocimiento. Fue galardonado con el premio anual 'Medalla Carnegie' otorgado por la asociación de bibliotecarios británicos. El autor es también el encargado de adaptar el guión para el largometraje. Por lo tanto, el cineasta Juan Antonio Bayona se nutre en esta ocasión del talento del novelista para desarrollar aún más el suyo propio. Con ello, cumple con la acertada "filosofía" de rodearse de los mejores para multiplicar el talento innato del que es poseedor por méritos propios.

En esta ocasión y como ya hiciera en sus aclamados anteriores trabajos 'El orfanato' y 'Lo imposible' vuelve a explorar las relaciones maternofiliales. Utiliza en esta ocasión la clásica premisa de niño conoce a monstruo y entablan amistad. Recuerdos y aromas a Steven Spielberg en su gusto por estas historias. Pero enfoca la historia desde una perspectiva muy característica en él. Bayona es ante todo personalidad y firmeza en sus ideales cinematográficos. Coloquialmente diría "que no pasa por el aro".

Especialmente doloroso para mí es en esta ocasión, (por la admiración que tengo al cineasta) resaltar que el pinchazo artístico en la propuesta presentada es colosal (en taquilla será un éxito). Calificarlo de fiasco sería demasiado, pero de profunda decepción sería lo justo. Y además voy muy a contracorriente de la crítica especializada, de la que se oían maravillas tras su paso por los festivales de Toronto y San Sebastián.

¿Están los críticos profesionales comprados? Pues no todos claro, pero el cine tiene un lado oscuro y sucio en la que los intereses mercantiles están por encima de la libertad. No me creo nada de algunos y poco de otros. También es cierto que cuando se inflan las expectativas de tal manera la decepción esta más cerca. A mí también me pasa. A veces inflo una película y luego decepciona, pero yo soy independiente y marciano. Es decir soy libre. Quedaría muy bien decir eso de que es un poema visual e interior sobre nuestros miedos, pero me niego a buscar una justificación ante algo que no es más que un sueño onírico de segunda categoría. 

La cinta es demasiado premiosa, lenta hasta decir basta y sobre todo carente de la emocionalidad que trata de conseguir el cineasta. Dramón de categoría especial, que sin embargo no hace llorar aunque lo pretenda. Pocos pañuelos en el cine, y sin embargo detecté cierto abandono de la sala de algunos espectadores. Yo mismo me podría haber marchado pues es tan previsible que no pocos sabíamos el desenlace esperado. Demasiada intelectualidad forzada en una narración que siendo simple, juega a ser pedante y pretenciosa.

Cine de pérdida y de duelo preventivo en la que el monstruo imaginario juega a ser la conciencia del joven que puede perder a su madre. Ante un dolor así, la metáfora monstruosa suena incluso fuera de lugar. Además, es una premisa muy reiterativa, vista ya y con mucha mejor calidad. Cine imposible para personas en duelo, con enfermedades graves o con melancolía y tristeza. La diferencia entre un buen melodrama y uno malo es una línea muy delgada y fácil de atravesar. El cine es otra cosa, nunca sufrimiento, menos aún aburrimiento. 

El reparto esta encabezado por el niño Lewis MacDougall en un trabajo de una frialdad desoladora. La gran actriz Sigourney Weaver (Alien) interpreta a la abuela de Conor con corrección y buenos matices. Pero lo mejor de la cinta nos llega de la mano de la madre del joven que está interpretada por una magnífica Felicity Jones (La teoría del todo). Ella es un oasis de una dulzura exquisita y que brilla entre tanta oscuridad.

En los aspectos técnicos habría que destacar los impactantes y bien conseguidos efectos especiales. La fotografía es correcta y la música que sin emocionar, está bien diseñada para hacer aún más dramática la situación. Pero estos últimos aspectos positivos no consiguen salvar la historia. En un lenguaje sencillo y popular Un monstruo viene a verme es un autentico "tostón".

La película es oscura, triste, aburrida, previsible, elitista y simplista. Tanto es así que la cinta 'Blood Father' en comparación con esta, es una autentica obra cumbre de la cinematografía. En mi opinión nos encontramos ante un film muy decepcionante y que no cumple con las expectativas generadas.

Nota: 3/10.

P.D. La crítica de cine es una opinión puramente subjetiva. Aquel que piense que una reseña se debe regir por unos valores de neutralidad puramente objetivos no esta en lo cierto. Hay aspectos técnicos que si son claramente y objetivamente calificables. Pero si nos referimos a cuestiones puramente artísticas y dentro de unos mínimos conocimientos cinematográficos, es la opinión personal y en base a lo que has visto a lo largo de tu vida, la única que debe ser tenida en cuenta por uno mismo. Si no estos textos los harían logaritmos informáticos. Tampoco es la función de la critica la recomendación o no de una cinta. Lo que se trata de hacer es analizar una propuesta, para que aquel que tenga interés saque sus propias conclusiones. Y sobre todo, es un ejercicio de análisis informativo que puede servir tanto para su lectura anterior o posterior al visionado de la película. Es más, no es necesario ver una película para leer una critica de cine. 

Nacionalidad: Estados unidos, España.

Director: Juan Antonio Bayona.

Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver,

Fellicity Jones, Liam Nesson (voz),

Toby Kebbel, Geraldine Chaplin, Joe Curtis.

Guion adaptado: Patrick Ness.

Música: Fernando Velazquez.

Fotografía: Oscar Faura.

Estreno España: 7 de octubre.

Estreno EEUU: 23 de diciembre.

Películas curiosas: El viaje del emperador

El punto de partida de todo logro es el deseo (de conseguirlo). 

-Napoleón Hill.

Espectáculo visual interior y exterior que hace del cine documental una verdadera obra de arte. La cinta francesa es un documento para guardar en la memoria y en el corazón. El cineasta galo Luc Jacquet impartió una verdadera lección de cine con mayúsculas. Los apellidos cinematográficos suenan fuera de lugar. Excelencia es la palabra exacta, es la palabra justa.

¿Quién es el pingüino emperador? Aptenodytes forsteri es su nombre científico y es el más grande de toda su especie. Señalar también, que es una especie endémica de la Antártida en peligro de extinción. El calentamiento global y la industria pesquera son sus mayores amenaza. Es decir, la acción del ser humano sobre el planeta es lo que puede acabar con el mismo. 

La película, estrenada en el año 2005, nos cuenta de una manera didáctica el proceso reproductivo de esta especie tan entrañable para los amantes de los animales. Y lo hace relatándonos el viaje epopéyico de lo pingüinos desde el mar hasta tierra firme. El recorrido es siempre circular como forma natural de supervivencia en un viaje único con premio final.

En fila y con orden

Su historia es la siguiente: los pingüinos salen del mar y buscan una zona de apareamiento a unas 70 millas tierra adentro. Su primer objetivo es un buscar un lugar alejado de sus depredadores y a la vez relativamente resguardado de los fuertes vientos que azotan el vasto territorio. Después de un durísimo viaje empieza el cortejo. Los machos al ser un número inferior de miembros siempre encontrarán pareja. En esta ocasión serán las hembras las que incluso peleen por encontrar a los solicitados machos (¡quien fuera pingüino, con tantas pingüinas!).

Una vez producido el feliz acontecimiento de la puesta del huevo, será el padre el que se hará cargo del proceso de incubación durante los dos meses siguientes. Mientras, la madre que ha perdido buena parte de la masa corporal en la fase reproductiva, vuelve al mar a buscar su alimento y supervivencia. Traerá de vuelta reservas para alimentar al polluelo. El padre debe aguantar más de dos meses sin más alimentación que un poco de nieve para sobrevivir. Además, mantendrá el huevo entre sus patas y su piel (sin que toque el hielo), proporcionando el calor suficiente para la supervivencia del futuro vástago. Cuando llegue la hembra, él iniciará el camino de vuelta hacia el mar. Exhaustos y debilitados, no pocos se quedarán en el camino. De ahí que la población de machos sea inferior al de sus compañeras.

Pero volviendo a los aspectos artísticos y visuales, el conjunto de la obra es de una belleza extraordinaria. Mezcla de géneros dentro del documental; por momentos una de aventuras con aromas al heroísmo del western, en otras ocasiones un melodrama con toques épicos. Un conjunto que pretende y consigue emocionar a través de una narración en off un tanto embaucadora, pero terriblemente eficaz. Morgan Freman, en la versión de habla inglesa, es el narrador que nos acompaña en la lucha por la supervivencia de una especie inigualable.

Espectacular "teatro de operaciones"

La música es otro actor importante en la producción. Nos encontramos ante una banda sonora muy potente realizada por la compositora e interprete francesa Èmilie Simon. Música y cine una vez más unidos de la mano con un sonido de raíces evocadoras. La fotografía también brilla con luz propia. Aunque buena parte del mérito se lo llevan los impresionantes paisajes de la Antártida.

National Geographic se encargó de parte de la producción de la cinta. Por lo tanto no es de extrañar el cuidadoso detalle de la fotografía y de otros aspectos técnicos de la filmación.

La película no hubiera sido posible sin la presencia en la Antártida de la estación francesa para la investigación 'Dumont d'Urville y que se encuentra en la región de Tierra Adelia. La filmación transcurrió a lo largo de un año y tuvo que superar innumerables problemas de producción. Pero sin duda, el resultado final valió la pena. 120 horas de grabación para una hora y media de película; en un proceloso y gran montaje final. Si os interesa el montaje en el cine este es el ejemplo perfecto.

La producción se desarrolló con un presupuesto inferior a 10 millones de dolares, llegando a recaudar casi 130 millones en un éxito masivo de público. La critica se unió de una manera bastante unánime. "Un documental impresionante" escribio G. Allen Johnson en 'San Francisco Chronicle' y en 'New York Times', Stephen Holden se refirió a ella como "sentimental pero fascinante, no tiene reparos en jugar con nuestras emociones". Es cierto que la narración utiliza alguna trampa para conmover al espectador, pero aún así no es engañosa. 

En conclusión, la pretensión de la 'La marche de l'empereur' que es su título original (en Hispanoamérica, 'La marcha de los pingüinos') es hacer un ejercicio de lucha por la preservación de la naturaleza.

Para ello, trata de buscar similitudes amorosas entre la especie humana y el mundo animal en un entorno de poesía visual. Se puede dar por bueno si la conciencia social sube algunos grados mientras que el calentamiento global hace lo propio, pero en sentido inverso.

¡Qué maravilloso es el cine! El lado bueno de las cosas

Titulo original: Silver linings playbook. Año: 2012. David O. Rusell.

El alma que puede hablar con los ojos, también puede besar con la mirada. -Gustavo Adolfo Bécquer.

¿Es el amor la palanca que mueve el mundo? 'El lado bueno de las cosas' es un buen ejemplo de que la fuerza del amor es el torrente más poderoso para cambiar nuestras vidas. 

Pat (Bradley Cooper) después de estar ocho meses encerrado en una institución mental por agredir al amante de su mujer, vuelve a casa de sus padres a reiniciar una nueva vida. Él sigue enamorado de su ex-pareja a pesar de haber sido engañado. Mientras que traza un plan para recuperar a su amor, se cruza en su vida Tiffany (Jennifer Lawrence) en una cita que les preparan unos amigos. Ella es una joven atractiva que ha perdido a su marido en un accidente y también con diversos problemas mentales. La primera cita será un desastre. Sin embargo, el futuro les deparará una nueva oportunidad de rehacer sus vidas y curar sus múltiples heridas.

Aunque a primera vista vista pueda parecer una comedia romántica al uso, no lo es. Las cargas de profundidad que mezclan los problemas mentales con el inicio de un incipiente romance elevan el contenido de la historia. Deja de ser una cinta de género, para convertirse en una historia que nos lleva a plantearnos que siempre hay una esperanza para cualquier persona por difícil que pueda ser su situación. 

Pero sobre todo esta historia habla del amor inesperado. Por eso, si añadimos el factor casualidad y la sorpresa en la vida de los personajes representados, el sentimiento se puede multiplicar de una manera exponencial.

El huracán del amor removiendo a Pat y Tiffany. La conjunción de dos personas tocando el cielo con las manos hacen que el mundo se pare, y que nada importe. Esto nos hace recordar que el ser humano es pura circunstancia de este sentimiento. En el fondo, todo el sacrificio que hace Pat en la historia no se entendería sin la esperanza de recuperar un amor que ya no le es correspondido. Lo sugerente es la evolución del protagonista es un proceso de deconstrucción personal.

Después de reencontrarme por una casualidad con 'El lado bueno de las cosas' me vinieron recuerdos a un reciente estreno de este año 2016 que consiguió revolver parte de mi ser. Se trataba del drama 'Demolition' que reseñé el pasado mes de julio. Allí nos hablaban de superar el duelo por la muerte de un ser amado y yo lo definía en aquella ocasión con la siguiente frase: romper para empezar, llorar para seguir. Pues en parte, el protagonista de esta película se encuentra en esta misma situación. Es decir, transitando por un duelo pero sin haber fallecimiento de por medio. Simplemente su amor se desprendió de él, y ahora le toca superar el duelo en vida de su ex-mujer. Es decir. superar el desamor.

¿Os suena de algo esta historia verdad? Seguro que alguno de vosotros os habéis enfrentado a un amor desigual o no correspondido. El largometraje nos habla de todo esto desde un tono muy vitalista y con ciertos toques de humor que en alguna secuencia son brillantes. Pero por encima de eso, nos habla de esperanza en el amor, de esperanza en una nueva ilusión que pueda estar esperando a la vuelta de la esquina sin saber ni como ni cuando acudirá a nuestro encuentro.

Bradley Cooper (Resacón en Las Vegas) es considerado actualmente el novio de América y en esta película dio el salto definitivo con su mejor actuación hasta la fecha. Jennifer Lawrence (Joy) es casi ya la nueva novia de América, con permiso de Julia Roberts. Su papel es absolutamente encantador. Actriz de verdadera altura. El Oscar por esta interpretación esta enmarcado en las cuatro nominaciones a dichos premios que ya tiene a fecha de hoy que por cierto son récord absoluto de todos los tiempos a los 25 años para una actriz. Imprescindible verla actuar en versión original. Robert de Niro tiene un papel secundario como padre de Pat. Él es un jugador compulsivo de apuestas deportivas y que tendrá una importancia vital en el desarrollo del romance de su hijo y Tiffany.

La película obtuvo 8 nominaciones a los Oscars aunque finalmente solo obtuvo el de Mejor Actriz que fue para Jennifer Lawrence. La lista de premios que cosechó la cinta es muy extensa. Citaré solo algunos. Fue galardonada en el Festival de Toronto con el gran premio del público. Jennifer Lawrence ademas del Oscar de la Academia, se llevo el Globo de oro, el MTV Award o el Premio de la Crítica Cinematográfica por poner solo algunos ejemplos. El director David O. Rusell fue premiado por su guión y dirección con los Independent Spirit Award. Bradley Cooper y Robert de Niro también fueron nominados al Oscar y se llevaron sendos premios de la crítica independiente.

Pero hablando del reparto, hay una escena que es una auténtica delicia. Casi un cortometraje dentro de la cinta. Es la secuencia de la primera cita en un restaurante. Diálogos, gestos y miradas que valen por 100 películas. Imprescindible verla en versión original. Lo digo porqué circulan versiones de la escena por la red que destruyen la misma con un doblaje al español que es un insulto a la inteligencia.

Mi conclusión final es que esta película es una celebración del amor no convencional entre dos personas inadaptadas al tipo de sociedad actual. No suele caer en los tópicos demasiado edulcorados hasta su parte final. Pero si de lo que hablamos es de la felicidad que proporciona el encuentro del amor esto es disculpable. Las segundas oportunidades sobrevuelan en todo momento en el mensaje de la historia. Segundas oportunidades en la vida, en el trabajo, en la familia y en el amor. 

A continuación y para concluir, os voy a dejar con el enlace a un video en el que se muestra un extracto de la escena de la primera cita en el restaurante.

Tarde para la ira

En la venganza, el débil siempre es el más feroz. - Maurice Barrès.

Cine de impacto en el que la frialdad y la manera sobria de utilizar la narrativa no solo no menoscaban la historia, sino que por el contrario la realzan. La potencia de la trama argumental se situa por encima de los detalles accesorios que no aportarían nada a la cinta. ¡Buen Thriller!

La historia: José (Antonio de la Torre) hace 8 años que ha perdido a su novia y han dejado en coma a su padre tras un violento asalto a una joyería propiedad de su familia. Curro (Luis Callejo) implicado en el atraco, está a punto de salir de prisión y encontrarse con su mujer para tratar de reiniciar una nueva vida. Lo que no sabe es que José lleva ocho años esperando para darle una respuesta. Para ello, utilizará todos los recursos necesarios e incluso tratará de seducir a la mujer del reo interpretando un papel de Mata-Hari en versión masculina. Esto solo es el comienzo....

La crítica: El prestigioso actor español Raul Arevalo debuta en la dirección y coescribe el guión de este buen thriller en el que demuestra unas capacidades impropias de un debutante en las tareas de escribir y dirigir una película. Candidato firme para estar nominado al Premio Goya a la mejor dirección novel. El mensaje que él mismo detalla en los títulos de crédito de la producción, demuestra que en los muchos rodajes que ha estado presente no se limitó a realizar su trabajo como interprete, sino que escogió el cine como contexto general para desarrollar su talento.

¿Año 1986 o 2016?

En el comienzo del film alguien podría albergar alguna duda si la historia se está desarrollando en la actualidad o estamos teniendo un "déjà vu" hacia la década de los 80 en España. Pues confirmo que desgraciadamente esta es la España que nos encontramos en 2016 con unas barriadas de algunas grandes ciudades asoladas por la crisis económica. El cineasta baja a la calle a través de unas localizaciones perfectamente elegidas por la dirección de arte de la producción. El bar del barrio donde se desarrolla parte de la acción puede parecer algo exagerado por deprimente, claustrofóbico y alejado de los bonitos centros comerciales que existen en las grandes ciudades. Pero no es más que una metáfora de la cruda realidad que aún se vive en el país. A los políticos que por lo visto tienen previsto llevarnos a elecciones generales cada seis meses les invitaría a darse un paseito por algunos barrios de Sevilla o Madrid para que vieran que lo que se cuece en el trasfondo de la historia.



Evidentemente nos encontramos con un tipo de cine antiglamouroso por elección propia. Hablamos de cine social como telón de fondo, pero cine totalmente necesario que nos cuenta una historia interesante y bien narrada. Como fondo: la venganza, la ira, y la espera paciente para lograr tal fin.

Para ello se utiliza al personaje de Curro que sale "quemado" de la cárcel y sin muchas ganas de revertir sus violentas conductas. La idea del director con este personaje es hablarnos de la redención y de su antítesis. Quizás a mi juicio el único error de la cinta es la incoherencia de este personaje que queda reflejada en un cambio de actitud violenta por una más servil rozando el patetismo. El cambio de rol es demasiado acelerado. En cambio, el personaje de José y sin desvelar ningún detalle importante de la cinta, es el de perfecto antihéroe. Representa un arquetipo no muy exprimido en el cine actual y desconocido en los blockbusters estadounidenses. Presupongo que también personaje de "cine extraterrestre" para los que solo ven exclusivamente este tipo de cine.

José no es ningún matón. Es un ciudadano corriente con sus miedos, con sus debilidades, pero dispuesto a todo para tratar de hacer justicia por su cuenta en nombre del amor de su vida y del hombre que junto con su madre le dio la vida.

Antonio de la Torre y Ruth Diaz

Antonio de la Torre (La isla minima, Los amantes pasajeros) interpreta a mi juicio el mejor papel de su dilatada carrera ya. Si quisiera definir a partir de hoy una actuación contenida, este seria el mejor ejemplo para ello. Luis Callejo está en su año de gloria, tras 'Risen' y 'Kiki, el amor se hace'. Huelen a candidatura a los Premios Goya a pesar de que este año la cuestión está más complicada pues la producción española ha tenido muy buenas interpretaciones.

Por cierto, cabe decir que el cine español está de enhorabuena. Según los datos de la asociación de productores Fapae, la recaudación ha aumentado casi un 27% con respecto al mismo periodo del pasado año 2015. Los datos son hasta mediados del mes de septiembre con casi 57 millones de euros recaudados y son debidos a la buena acogida en taquilla de 'Cien Años de perdón', 'Palmeras en la nieve' o 'Zipi y Zape' entre otras.

Pero no quisiera terminar sin acordarme de la actriz cántabra Ruth Diaz que aunque tiene un papel secundario, cobrará vital importancia en la trama del largometraje y será el centro de un triangulo amoroso. Actuación cabal, carnal y de actriz consolidada que no ha de extrañar por su gran formación teatral que también demuestra en la gran pantalla.

En conclusión, nos encontramos con una de las apuestas más atractivas presentadas este año por la cinematografía española. Tampoco hemos de olvidar que nos encontramos ante una propuesta de cine interior que busca en el medio exterior su forma de expresión. Un cine de una rara belleza antiplastica que puede resultar contradictorio pues en lo oscuro, en lo sucio y en los escombros del comportamiento humano, logra extraer una amarga belleza que visualmente es muy notable. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España.

Direccion: Raul Arevalo.

Reparto: Antonio de la Torre, Luis Callejo,
Ruth Diaz, Alicia Rubio, Manolo Solo.

Duración: 92 minutos.

Fotografía: Arnau Valls Colomer.

Música: Lucio Godoy.

Estreno España: 9 de septiembre.

Blood Father

Una joven entra en un establecimiento comercial del sur de Estados Unidos y le pide a la dependienta un paquete de tabaco. Esta le responde que sino le enseña la documentación no le puede vender los cigarrillos. Entonces, la joven mujer le dice: "Ok, entonces deme un paquete de balas para mi arma", la comerciante se las vende sin pega alguna. Pura ironía y un golpe genial para comenzar una película. Si hay hubiera acabado el film es lo mejor que podría haber ocurrido. El problema es que continúa cuesta abajo y sin frenos en un fallido thriller de acción que tras un inicio prometedor cae en un bucle de clichés visitados ya en miles de historias. Pero analicemos el porqué de la decepcionante narrativa.

La historia: John (Mel Gibson) es un expresidiario separado de su familia por su mala vida y en proceso de rehabilitación por sus problemas con el alcohol. Él está en libertad condicional y tratando de rehacer su vida. Un día, recibe una llamada de su hija Lydia de 16 años. Ella es una joven rebelde que estaba desaparecida de su hogar por voluntad propia y que había huido con su novio que es un delincuente involucrado en actividades relacionadas con el tráfico de drogas. La joven alerta a su padre de que se ha visto involucrada en un tiroteo y que no tiene a quien acudir. John tendrá que abandonar su proceso de rehabilitación y volver a mover todos sus resortes para intentar ayudar a su hija a salvar su vida.

La crítica: Producción independiente de nacionalidad francesa con apoyo estadounidense. Está basada en la novela homónima del escritor californiano Peter Craig. Este autor que se caracteriza por explorar las relaciones paterno-filiales en su producción literaria. El rodaje se produjo en Estados Unidos, y concretamente en la zona de Puebla de Laguna en el estado de Nuevo México. Este es uno de los puntos fuertes de la producción. Una buena ambientación en un tipo de cine fronterizo con paisajes áridos de una belleza inhóspita, no logran salvar la historia pero al menos la hacen visualmente bella. Pero no hablamos de un videoclip, hablamos de cine y este es algo más que unos espacios geográficos bien elegidos o una buena fotografía que también la tiene. El cine es emoción ante todo y por supuesto una buena historia bien contada y aquí es donde surge el problema con 'Blood Father'.

Clichés para parar un tren de mercancías. Un padre exconvicto, exborracho, exdelincuente, exmarido, y todos los ex que os podáis imaginar. En principio, no parece que sea un exadicto a las redes sociales porque ya sería pasarse de la rosca, pero vamos no es descartable. Pues con todos estos antecedentes, el creador del libreto que a su vez es el novelista, nos presenta incongruentemente a un tipo bondadoso, con cierta educación, colaborativo, en fin que hubiera sido un delicuente sería un detalle menor. Ahora como el papel es para Mel Gibson pues es un tío entrañable y que mola, ja.

Y si de clichés hablamos, el del papel de la hija pues doble ración. ¿Os suena esto? Lydia niña acomodada con todo para triunfar en sus estudios, Lydia es rebelde, Lydia se escapa de casa de sus papás, Lydia se busca a un novio malote, Lydia llama a papá porque está en apuros, papá orgulloso acude a por Lydia aunque viole la condicional. ¡Ay Lydia, mira que esa rebeldía! ¿Llevará tatuaje? En el ombligo quizás...

El director francés Jean-Francois Richet (del que recuerdo 'Asalto al distrito 13) es el encargado de llevar a cabo la historia. Tampoco se le puede achacar demasiado en el debe de la película ya el error parte de un guión archiconocido y sin emoción. Él centra más su trabajo en la dirección de actores y ahí lo hace con corrección. Por lo tanto, el problema es la previsibilidad escena tras escena, un espectador que vea poco cine sabrá lo que va a pasar a continuación. Ahí es donde la producción se torna en un trámite para los aficionados a la acción y se limita a cumplir con las persecuciones, peleas y naturalmente coches que no arrancan cuando es necesario.

Pero los tipos que están buscando a Lydia no son de peleas, son muy malos, pero malos de verdad, con unos tatuajes y unas pistolas muy grandes. Sicarios, delincuentes y para colmo el novio de la joven que de los malos es el peor. Como resulta que Lydia su novia, en el tiroteo que se produjo al asaltar una casa al comienzo del film, disparó al novio malote, ahora él la busca para darle unas palmaditas en el culete. ¡Vaya gentuza! Como os podéis imaginar esta panda de buenos vecinos son todos hispanos. Es decir los buenos son los yankees y los malos nosotros los chicanos, hispanos o como mierda quieran llamarnos desde la frontera de México con Estados Unidos para abajo.

¿De que nos quiere hablar la película? Pues de redención del padre ante una vida incorrecta, de sacrificio por los hijos en situaciones límites y por supuesto de la rebeldía de nuestros jóvenes y como encauzarlos. Mensaje comprendido, gracias por las buenas intenciones, pero esto es una película no un sermón religioso. Por supuesto: no fumes, no te drogues, no te diviertas, no folles, y muchos más nos para que seamos tan buenos que vayamos al cielo y bailemos un vals. Por favor señor guionista, ¿me podría dejar usted al menos tomarme un vino a la hora de la cena sin que me sienta sucio por ello?

Pero equilibremos un poco la crítica pues para ser justos también tiene cosas buenas. Un ejemplo es la gran actuación de Mel Gibson que lleva todo el peso de la historia y esta extraordinario. Actor duro, de una pieza y ya con los años marcados en el rostro. Pero la arruga es bella y sobre todo natural, le da la expresividad que requiere un buen actor (¿que se ha hecho Ben Afleck en la cara?). Por lo tanto ahí es donde se medio sustenta la película, por verle a él. Otro actor que está bien es el mexicano Diego Luna en el papel de villano y novio de la hija de John. Buen papel y buena interpretación, esperemos verle más a menudo. En el papel de la joven hija, nos encontramos con Erin Moriarty de la serie Jessica Jones de Netflix. Ella tiene 22 años e interpreta a una niña de 16, tampoco se nota mucho, ni la diferencia de edad ni su presencia. Demasiada frialdad, así que Erin a seguir trabajando.

Mi conclusión final y por empezar por lo positivo es el placer de ver a Mel Gibson en pantalla. También es destacable el entorno fronterizo donde está rodada la película. Pero si hablamos exclusivamente de resultados artísticos, la propuesta es fallida por ser muy previsible, por unos estereotipos mil veces vistos y en definitiva por ser cine antivanguardista y plano. Inspiración y emoción brillan por su ausencia. Con ello se demuestra que un gran actor puede hacer una buena taquilla pero no puede salvar un guión plano y sin brillo. El cine es una historia y ella te debe producir sensaciones, miedo, aventura, amor, risa, rabia, lo que sea pero nunca indiferencia. Solo para los muy amantes de Mel Gibson y las películas de acción.

Nota: 4/10.

Nacionalidad: Francia-Estados Unidos.

Director: Jean-François Richet.

Reparto: Mel Gibson, Erin Moriarty,
Diego Luna, William H. Macy.

Guión adaptado: Peter Craig, Andrea Berloff.

Música: Sven Faulconer.

Fotografía: Robert Gantz.

Duración: 88 minutos.

Premiere Cannes: 21/05/16

Estreno EEUU: 12/08/16

Estreno Francia: 31/8/16

Estreno España: 9/9/16

Café Society

La emoción y la sensación de estar asistiendo a un momento histórico me embargan cuando empieza la proyección del último estreno del maestro en vida Woody Allen. La seguridad de que dentro de 50 años se seguirá hablando de su cinematografía, como hoy lo hacemos de otros grandes cineastas como pueden ser Orson Welles o Billy Wilder, hacen que todos los sentidos se desplieguen mirando hacia esa gran pantalla donde los sueños se hacen realidad. Con sus partidarios y detractores, lo que no cabe duda es que desde su particular visión del séptimo arte, el director de Manhattan dejará un legado y una huella difícil de olvidar.

La historia: Bobby (Jesse Eisenberg) es el sobrino de Phill (Steve Carrel) un representante y productor de máxima importancia en el Hollywood de los años 30. El joven Bobby decide trasladarse de Nueva York a Los Ángeles para probar fortuna y hacerse un hueco en la meca del cine a través de los contactos de su tío Phill. La situación se complicará cuando el recién llegado se enamore de Vonnie (Kristen Stewart) que es la secretaria de su tío y a la vez su amante. El triángulo amoroso formado por los tres protagonistas esta servido; las complicaciones, los celos y las ambiciones personales del trío protagonista, servirán como vehículo para asistir a las vivencias de la época dorada de Hollywood.

La crítica: En mí humilde opinión, nos encontramos con la mejor película del guionista y director en los últimos diez años. No obstante, no hemos de olvidar que factura una película todos los años y ese ritmo tan elevado tiene sus costes en la irregularidad de su carrera. Pero en 'Café Society' demuestra delicadeza, belleza y ante todo naturalidad en el cine. Nada es forzado, y todo se siente con intensidad pero desde la tranquilidad de una fluidez narrativa que no recurre a giros bruscos o situaciones forzadas. Hay algún plano secuencia que sencillamente nos hacen volar a través de la cámara.

La película nos habla de amor y de la otra cara de la moneda. Es decir, del desamor. Y ahí es donde se hace fuerte el filme ya que enfrenta a los distintos personajes a dilemas existenciales y nos habla de oportunidades perdidas para unos y ganadas para otros. También de ambiciones económicas y de sacrificios amorosos por estas últimas. Otro de los puntos desarrollados en la historia y quizás el más importante, nos habla del conformismo a veces inevitable de un amor que ya dejo de existir o se transformo en algo con la llama de la pasión bajo mínimos. ¿Amor familiar o amor en conserva?

Personajes perfectamente estructurados y muy bien presentados que nos enfrentan a la tesitura de mirarnos en el duro espejo de la realidad. De esta manera Allen nos lleven a hacernos preguntas personales pero desde una mirada sutil y sin prejuzgar actitudes. En ningún momento la cinta trata de profundizar demasiado dentro de los sentimientos personales, si no que lo hace desde un aspecto más sugerente que descarado. Pero si algo define a 'Café Society' es la belleza en el rodaje, y la belleza en la imágenes integradas en la historia.

Y este capítulo es en el que mí opinión se está convirtiendo en una revolución silenciosa en el cine. Estamos ante la consagración del cine digital y de la asombrosa nitidez de sus imágenes. Tan bellas que "superan" al ojo humano. Woody Allen es el último gran director que se pasa al cine digital en detrimento del celuloide tradicional. Con este paso demuestra su inteligencia y sobre todo la capacidad de adaptación a las nuevas formas de hacer cine. Vittorio Storaro ganador de tres Óscars (Apocalipsis Now, Rojos, El último emperador) es el director de fotografía elegido por Allen para llevar a cabo su transición hacia la fotografía digital. Quizás la mejor fotografía que un servidor haya visto en una sala de cine. Y no hablo solo por su nitidez, sino que durante casi toda la película las imágenes están tratadas para conseguir unos tonos dorados y ámbar en un claro guiño a los años dorados de Hollywood en sueño para la vista. Otro de los puntos fuertes de la producción es la maravillosa dirección de arte y la fabulosa puesta en escena con una composición artística que roza la perfección.

Todo lo dicho hasta ahora parece indicar que estaríamos hablando de una obra maestra del cine contemporaneo, pero para llegar a ello no podemos dejar pasar los errores que a mi juicio tiene la cinta y que la hacen estar un punto por debajo de la máxima calificación. Hay ciertas partes de la historia que son accesorias. Un ejemplo claro es una subtrama de gansters que aparecen en los clubes que frecuentan las estrellas de cine que no aporta nada al desarrollo de la historia, pareciera más que es un relleno para cumplimentar la duración del metraje que una opción enriquecedora del argumento. Por momentos Woody Allen, cae en cierta frivolidad apoyado en el preciosismo de las imágenes. Desde luego y es una opinión personal, si la apuesta se hubiera centrado en aportar aún más fuerza a los personajes extendiendo algo más la historia en los conflictos personales, estaríamos hablando de cine con matrícula de honor Un cine que puede resultar extraterrestre para algún espectador muy joven, pero que al espectador interesado en el cine clásico le dejará un gran sabor de boca. La secuencia de cierre de la cinta es muy poco convencional, por ello habrá que estar muy atento a esa parte final pues es cine de miradas sin explicaciones textuales. Es el espectador el que tendrá que buscar el significado de las visiones de los protagonistas ante unos silencios que dirán más que mil explicaciones.

El reparto de la película es un tanto irregular. Jesse Eisenberg (La red social) en el papel del inexperto y ambicioso Bobby, parece ser el álter ego preferido de Woody Allen para interpretar su papel. Personalmente es un actor que no me gusta y que me deja especialmente frío e incluso que me cae mal en pantalla. Pero lejos de llevarme por mis gustos personales hay que reconocer que es el que mejor hace de Woody Allen sin ser el propio Allen: tiene gestos y miradas que nos recuerdan al aclamado director. Steve Carrel (el tío Phill) parece que se pasa al lado serio de la interpretación dejando ya de lado por el momento sus papeles como en 'Virgen a los 40' y demás fechorías. Aquí y como ya hacía en 'La gran apuesta', se torna en papeles más dramáticos y resuelve sin mayores problemas su trabajo.

En el lado femenino Blake Lively (Infierno Azul) tiene un papel secundario y su imponente presencia concuerda perfectamente con el papel representado. Ella será uno de los dos amores del joven Bobby y cobrará protagonismo hacia la segunda parte de la trama, actriz. Pero la verdadera sorpresa y con una actuación realmente sobresaliente la protagoniza Kristen Stewart (saga Crepúsculo) actriz camaleónica y que sinceramente nunca pensé que pudiera llegar a realizar una interpretación tan sutil, taimada y con unos matices auténticamente evocadores. Una de las mejores actuaciones en lo que llevamos de año. La mano del director también se nota. No hay que olvidar que son directores de actores y aquí su presencia es palpable. En todo caso enhorabuena para la señorita Stewart por su progresión innegable y espectacular. Quedo absolutamente fascinado y me hace cambiar radicalmente la opinión que tenía sobre ella. Actriz revelación del año demostrando que la inspiración es parte consustancial de cualquier actividad artística o intelectual y normalmente aparece trabajando...

Recapitulando y casi podría escribir un ensayo, (de hecho es la crítica mas extensa que he realizado), diría que nos encontramos con la mejor película del cineasta desde 'Match Point'. Una pena la disonancia en las fechas de su estreno. Recordemos que fue presentada en primavera en el Festival de Cannes, se estrenó en julio en EEUU, a finales de agosto en España, y aún pendiente de estrenar en distintos países a nivel mundial, esto no ayuda a la promoción y difusión de la misma. Pero independientemente de la discutible estrategia comercial de la productora, nos encontramos ante una autentica obra de arte que me hace perder el sentido crítico ante la belleza proyectada. Una belleza que nos habla de la eterna idealización de la persona amada, del enamoramiento mientras el mismo está en plena ebullición y como no de la contraparte, que es la caída del pedestal con el paso del tiempo. Los ciclos del amor y sus tiempos, una batalla contra la eternidad. Café Society es una reconciliación con el buen cine en un viaje mágico a los años 30 del viejo Hollywood. Una autentica preciosidad...

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Año : 2016.

Duración: 96 minutos.

Direccion y guión : Woody Allen.

Reparto: Jessie Eisenberg, Steve Carrel, 
Kristen Stewart, Blake Lively, 
Parker Posey, Corey Stoll.

Fotografía: Vittorio Storaro.

Premiere: Festival de Cannes.

Estreno USA: 15/07/2016.

Estreno en España: 26/08/2016.

Blog en pausa por descanso/vacaciones (dejo lista de 10 películas especiales para mí)

Hola amigos y amigas. Creo que es un buen momento para darle un descanso a este blog. La cartelera cinematográfica de este verano en España es muy flojita por decirlo de una manera suave. Pero más que eso, creo que hay que saber parar a tiempo para buscar la inspiración, el descanso, el relax e incluso ir al cine por gusto personal sin tener que escribir sobre él. Los cines de verano serán mi elección.

Pero bueno, este será un hecho anecdótico. En los próximos días además del cine, como os podréis imaginar me gustan otras cosas. Así que ahora tendré unos días para olvidarme un poco de Internet, que es maravilloso pero también muy absorbente. A esto se le podría llamar también una desconexión y nunca mejor dicho.

Pienso que las vacaciones no consisten en la mejor playa, el mejor hotel o el mejor crucero. Mi forma de ver las vacaciones, es hacer justo lo contrarío de lo que haces habitualmente. Es decir tomar un periodo de tiempo y dedicarlo a hacer cosas que supongan una novedad o un revulsivo en tu vida para volver a la realidad con fuerzas renovadas.

La búsqueda de la inspiración también es un motivo importante para darle un descanso al blog. Inspiración es una palabra preciosa porqué cuando la encuentras todo fluye con una suavidad emocionante. Cuando no aparece, el escribir se vuelve algo mecánico. La crítica de cine no es un articulo periodístico meramente descriptivo, ya que consiste en sacar las emociones que te ha transmitido una película y darles una forma que pueda emocionar o al menos interesar a la persona que lo está leyendo. Sino hablaríamos del simple resumen de una película.

Hasta la fecha de hoy, ha sido muy emocionante la cantidad de personas que se han interesado por el mundo del cine a través de este blog. Jamás cuando empecé esta aventura pensé que podría conocer a tanta gente e incluso llegar a hacer amigos por el simple hecho de escribir sobre cine. No era mi objetivo en principio, pero ahora mismo reconozco que lo mejor de este blog, sois todos vosotros. No citaré a nadie en especial, pues seguro que me olvidaría de alguien. Gracias a todos.

Como voy ha dejar los comentarios inhabilitados de esta entrada en el blog por desconexión, siempre mi correo electrónico estará a vuestra disposición en mi perfil de Google+. Se aceptan también transferencias bancarias, jamones ibéricos, declaraciones de amor, herencias que no queráis cobrar e incluso acepto colaboraciones en The New York Times, Fotogramas, Clarín o El País.

Para concluir y como soy muy intenso con el mundo del cine os voy ha dejar una lista con diez películas muy especiales para mí. Algunas las he reseñado, Y otras no me he atrevido aún. En cualquier caso son cintas que me han transmitido algo muy especial a lo largo de estos últimos años. Todas las he visto en la gran pantalla, ya sea en el cine, en festivales o en la filmoteca. El orden de la lista no determina la calidad de las películas. Un gran abrazo para todos y nos vemos alrededor del 10/15 de Septiembre.

Los puentes de Madison. De Clint Eastwood, EEUU, 1995.

Julieta.  De Pedro Almodovar, España, 2016.

¡Qué bello es vivir!  De Frank  Capra, EEUU, 1946.

Amores Perros. De Alejandro G Iñárritu, México. 2000.

El paciente ingles. De Anthony Minghella, EEUU, 1996.

Mararía. De Antonio Betancor, España, 1998.

Casablanca. De Michael Curtiz, EEUU, 1942.

El barbero de Siberia. De Nikita Mijalkov, Rusia, 1998.

María llena eres de gracia. De Joshua Marstson, Colombia, 2004.

El lado bueno de las cosas. De David O. Rusell, EEUU, 2012.

Suelo dejar un vídeo al final de cada texto. Hoy me gustaría dejar un cortometraje patrocinado por una marca de cervezas que rodó el maestro Amenábar y que es pura luz del Mediterráneo. Metáfora del amor y la amistad. El cine como epicentro de las ilusiones por vivir, por soñar y por cumplir. Pienso que cada experiencia que vivimos tiene un sentido y poco se debe a la casualidad. ¿Todo lo vivido nos lleva a un destino? Esta pequeña historia parece tener algunas respuestas. Te invito a bucear en tus sueños y encontrar tu luz.

Al final del túnel

"Nunca trabajes ni con niños, ni con perros ni con Charles Laughton."
- Alfred Hitchcock.

Esta mítica frase pronunciada por el maestro del suspense es muy significativa en relación a los problemas e imponderables que pueden surgir en la filmación de una película. El cineasta argentino Rodrigo Grande se atreve a trabajar con niña y perro (con Laughton ya no es posible), y además en el género cinematográfico preferido por el genio del suspense (suspenso en Hispanoamérica). Aunque esto es anecdótico, si le añadimos agua, oscuridad y el personaje principal en silla de ruedas, el atrevimiento del director del filme merece un gran aplauso. Si observamos que factura una buena película, como es el caso, la admiración del espectador debe estar garantizada. Pero vayamos por partes, como diría Jack el destripador.

La historia: Joaquín (Leonardo Sbaraglia) es un hombre solitario, extraño y taciturno que reside junto a su viejo y amado perro en una gran casa que tiene prácticamente abandonada. Después de quedarse en silla de ruedas por un accidente, se dedica a castigarse mentalmente y a pequeños trabajos de reparación de ordenadores. Para complementar sus ingresos, decide alquilar una habitación a una joven madre (Clara Lago) y a su pequeña hija. La misteriosa mujer revitalizará su desilusionante vida. Pero no será todo tan bonito como parece. Debajo del sótano de Joaquín, una banda de atracadores está cavando un túnel para perpetrar un robo a un banco que esta en las inmediaciones de la casa. La historia dará un giro espectacular y sorprendente.

La intriga y el suspense son mi genero preferido en el cine. Sin embargo, he de decir que es el género cinematográfico con más dificultades para escribir sobre él. Por lo tanto, lo que trataré de hacer será sobrevolar sobre la cinta sin desvelar detalles que puedan perjudicar el visionado de la misma. En este tipo de películas el primer visionado es el más importante; por lógica, en posteriores visitas a la cinta, el factor que genera angustia, estupefacción o miedo tiende a perderse. Esta es la grandeza pero también la miseria de este tipo de cintas.

Cine de atracos también. Tras la exitosa cinta 'Cien años de perdón' el cine hispano-argentino vuelve a unir sus fuerzas para revitalizar este tipo de películas que renuevan sus premisas cada poco tiempo. La fascinación que algunas veces sentimos por el cine de robos a bancos, nos hace ver que a veces refugiados en la oscuridad de la gran pantalla, todos o algunos de nosotros nos podamos sentir identificados con los fascinantes planes que diseñan los ladrones.

En esta ocasión, el director pretende lo contrario. Es decir, fija su mirada en el lado más realista y revocatorio en contra de este tipo de delincuencia organizada. No hay que olvidar que en la vida real no son pocas las personas que se han dejado la vida por culpa de estos planes que en la realidad tienen poco de glamourosos y mucho de violentos.

Pero volviendo al largometraje en sí, hay que decir que en todo momento el gran pulso narrativo que consigue el director está incluso por encima del libreto que tiene cierta originalidad por si mismo. Pero lo destacable es el fuerte ritmo que se va imponiendo a lo largo de la trama y que inteligentemente transcurre de menos a más. 

La parte final es fuerte, pero quizás en su ultimo tercio la producción es poco creíble. Sin hacer ningún tipo de spoiler, si comentaré que en el broche final tiene cierta blandura hábilmente escondida en alguna escena fuertemente violenta. 

El elenco artístico es prácticamente sobresaliente. Leonardo Sbaraglia está en plena disposición para dar el salto definitivo a Hollywood. Otra cosa es que él este dispuesto a tal labor ya que ofertas no deberían faltarle. Tiene la expresividad, el carácter e incluso el físico adecuado para ello. Clara Lago (Ocho apellidos vascos) sorprende para bien en el papel de femme-fatale. Quién hubiera pensado que la dulce niña de la película 'El viaje de Carol' se podría convertir en una bailarina de striptease con un fuerte carácter. Pablo Echarri interpreta al jefe del equipo de ladrones y lo hace de una manera soberbia. Echarri también se encarga en esta ocasión de parte de la producción ejecutiva de la cinta. Federico Luppi tiene un breve papel en la película dejándonos detalles muy importantes. La niña Uma Salduende revoca al maestro Hitchcock y actúa con corrección. Los niños por lo general son excelentes actores por su naturalidad... otra cosa es la "guerra" que puedan dar en el set de rodaje.

Otros detalles técnicos a destacar serían la buena coordinación de los efectos visuales a cargo del mítico ya, Reyes Abades. La fotografía nocturna es excelente con bastantes planos a contraluz que son una auténtica maravilla técnica. La música interpretada por la orquesta sinfónica de Budapest es bastante correcta y se rige por los clásicos sonidos del cine de suspenso. Lo que resulta absolutamente incomprensible es la disonancia entre el estreno en Argentina en Abril y la llegada a España prácticamente de tapadillo, y sin apenas promoción. Teniendo en cuenta que Warner-Bros tiene los derechos de la cinta todo parece indicar que la película quiere ser solapada para intentar vender un remake a Hollywood.

Como conclusión final, el largometraje se siente especialmente bien diseñado y es un soplo de aire fresco para cine hispano-argentino. 

La tensión in-crescendo de la trama es un buen punto de apoyo salvando así las dudas que pudiera dejar la dudosa credibilidad de la parte final de la trama. Para amantes del cine de intriga, Al final del tunel, es una buena opción.

 Nota: 8/10.

Título: Al final del túnel.

Nacionalidad: Argentina, España.

Director: Rodrigo Grande.

Reparto: Leonardo Sbaraglia,

Clara Lago, Pablo Echarri,

Federico Luppi, Uma Salduende.

Fotografía: Félix Monti.

Metraje: 120 minutos.

Estreno Argentina: 21 de Abril de 2016.

Estreno España: 12 de Agosto.

¡Qué maravilloso es el cine! Casablanca

"El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos"

Ilsa: - Lo dices porque quieres que me vaya.
Rick: - Lo digo porque es la verdad. Los dos sabemos que tu lugar es con Víctor. Tú eres parte de su obra. Si no te vas con él, te pesará.
Ilsa: - ¿Y nosotros?
Rick: - Nosotros siempre tendremos París. No lo teníamos hasta que viniste a Casablanca. Anoche lo recuperamos.
Ilsa: - Y yo dije que nunca te dejaría.
Rick: - Nunca me dejarás. También tengo obras que realizar. No puedes ser parte de lo que yo debo hacer.

Este es un solo ejemplo de los maravillosos diálogos de esta obra maestra del cine clásico. Amor, desamor, historia y belleza en el cine.

Rick Blaine es el propietario de un exitoso café-club en la ciudad marroquí de Casablanca. En el contexto de la Segunda Guerra Mundial la ciudad se ha convertido en un refugio para las personas que huyen del conflicto. Hasta allí se desplaza Ilsa que fue un antiguo amor de Rick. Llega junto a su marido Víctor, huyendo también de la persecución a la que estaba sometido este. Los recuerdos y la llama de un amor aún no apagadas removerán su difícil situación.

La película está basada en una obra teatral titulada "Everybody comes to Rick's" (Todos vienen al café de Rick), de Joan Alison y Murray Burnett. La dirección fue del aclamado Michael Curtiz de origen húngaro que con una prolífica carrera superó los 150 filmes. Es cierto que ninguno llegó a alcanzar la universalidad de 'Casablanca', pero sin ninguna duda dejó en su obra otras grandes historias como fueron: 'El capitán Blood', 'Dodge City', 'Alma en suplicio' o 'Sinuhé el egipcio'.

Esta historia mil veces reseñada, vuelve a cobrar actualidad una vez más a colación con la crisis de los refugiados y de los flujos migratorias que se vienen produciendo en los últimos años. A la ya tradicional salida de dichos flujos provenientes de África hacia el viejo continente, habría que sumar ahora la salida desesperada de decenas de miles de personas huyendo de la guerra en Siria y de la insostenible violencia que sigue arrastrando Irak.

Es en este contexto, es donde me atrevo a dar mi punto de vista de esta joya del cine considerada por muchos como una de las mejores películas de todos los tiempos. No obstante, aunque casi siempre se recuerde 'Casablanca' por ser una gran historia de amor/desamor, su vinculo con los exiliados de Europa hacia esta ciudad y sus paralelismos con la huida de miles de refugiados de guerra, entroncan en cierta manera con la situación actual. Por desgracia, el ser humano esta condenado a repetir la historia. Refugiados y guerras van unidos de la mano y el cine es testigo durante el pasado siglo XX de la barbarie criminal del ser humano.

En la película, la ciudad de Casablanca era el puente para llegar a Lisboa y desde allí partir hacia el continente americano para buscar una vida mejor. Pero la salida era poco menos que imposible. Solo algunos afortunados y con altos contactos con los funcionarios destacados de la administración francesa, eran los que conseguían el famoso salvoconducto. Este hecho aparece recurrentemente en la cinta. Lo cierto es que lo que aporta fuerza y belleza a la historia es su romance, pero no conviene olvidar el contexto en el cual esta desarrollada la acción. Otro dato adicional de interés es que la cinta no se rodó en la ciudad original, sino que se filmó en los estudios de Warner Bros en la costa oeste de Estados Unidos. Los exteriores también fueron rodados en los estados de Arizona y California.

La película es ante todo belleza; sus diálogos y frases son un verdadero catálogo de antología poética. Todo es abrumador, todo inteligencia, un todo envuelto en un regalo de una historia que fue de amor y desembocó en un desamor quizás desgarrador. La identificación con un amor imposible es lo que otorga universalidad a la historia. Es decir, aquello que pudo ser y no fue, o aquello que fue y ya no puede ser. Todos somos un poco Rick, todas son un poco Ilsa y los que no, tal vez se sentirán identificados con el lado mordaz del inspector encargado de la prefectura francesa (Claude Rains). Un personaje absolutamente inolvidable.

Ilsa y Rick, Ingrid Bergman y Humphrey Bogart, dos leyendas del cine juntos para una misma historia. Estrellas de cine con mayúsculas, cada uno con sus matices, pero sin ninguna duda ambas carreras son dos ejemplos del porqué, los actores y actrices pasaron a obtener un reconocimiento a nivel mundial. Pero independientemente del prestigio bien merecido lo que ellos consiguen en la película, es que todos en algún momento soñemos con atravesar la pantalla y unirnos a la historia. El sueño del cine hecho realidad es a lo que más puede asemejarse a 'Casablanca'.

Un sueño que tuve la oportunidad de visionar en una pantalla de cine cuando aún era un niño. Sería aproximadamente a principios de la década de los 90. Por aquel entonces, en Madrid, aún quedaba alguna sala de cine en la que se volvían a proyectar algunos clásicos. Para mí, fueron unas sensaciones parecidas a las que sentía el niño de 'Cinema Paradiso'. Quizás ahí empezó a convertirse mi afición por el cine en una pasión. Es una pena que estás salas de cine, hoy en día, estén prácticamente desaparecidas de muchas ciudades. En la ciudad de Madrid si nos queda aún una auténtica joya. Se trata de la Filmoteca Nacional y sigue proyectando todo tipo de clásicos y no tan clásicos de las distintas cinematografías mundiales a unos precios totalmente asequibles. Espero y deseo que el Ministerio de Cultura, en vez de impulsar una fiscalidad desproporcionada al cine en España, se dedique a preservar esta joya que es un patrimonio cultural indispensable. En la actualidad la función de las filmotecas en las diversas ciudades de nuestro planeta debería ser un bien protegido. Quizás la única manera de poder ver en la gran pantalla joyas como 'Casablanca'.

'Casablanca' obtuvo el Oscar de la Academia de Hollywood como mejor película en el año 1943. También obtuvo dos Oscar más: al Mejor Director y al Mejor Guión Adaptado. En 1989 la película fue seleccionada para ser conservada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por "ser cultural, histórica o estéticamente significativa". El American Film Institute la considera la tercera mejor película de todos los tiempos. También la cinta tiene sus detractores. En la época de su estreno la revista 'The New Yorker' la calificó como "apenas tolerable" y en la actualidad el escritor italiano Umberto Eco se refirió a ella: "Como una suma de arquetipos que la hacían mediocre en su sustancia". Esto prueba que la unanimidad en el cine es una quimera y así debe seguir siendo. En mi humilde opinión 'Casablanca' es una obra maestra absoluta.

Música y cine: Max Steiner fue el encargado de la brillante banda sonora de la producción. Pero sin ninguna duda lo que ha pasado a la historia es la famosa frase de: "tócala otra vez Sam" (Play it again, Sam) que por cierto, nunca se pronuncio en la película. La frase textual fue "tócala" de Bogart o "tócala una vez" de Ingrid Bergman. El personaje de Sam es interpretado por Dooley Wilson que fue un cantante y actor estadounidense que alcanzó la fama universal por interpretar la que fue la canción de Rick y Ilsa. Probablemente una de las canciones mas recordadas de la historia del cine. Sam era el pianista del café y amigo personal de Rick.

Así que una vez más le pediremos un último favor antes de cerrar esta reseña.

Tócala otra vez Sam:

Dioses de Egipto (Gods of Egypt)

Me gustaría tomarte en serio, pero hacerlo sería ofender tu inteligencia. - George Bernad Shaw.

(A la atención del director de esta cosa, el ínclito señor Alex Proyas)

Cosas curiosas que suceden en una sala de cine:

1. Dormirse: siempre y cuando las ráfagas de ruidos ensordecedores y desquiciantes de algunas producciones se lo permitan. La oscuridad, unas buenas butacas y un ambiente adecuado pueden ayudar a inducir el sueño mejor que una benzodiacepina.

2. Practicar el amor libre: diversas y extrañas posturas, besos y gemidos estremecedores ha escuchado este servidor a lo largo de estos últimos veinte años. Por suerte, parece que el servicio de limpieza suele dejar el recinto bastante aseado para la siguiente sesión.

3. Comentaristas: dícese del señor o señora que gusta de ir comentando la película. Su meta es que el resto de espectadores o los más cercanos a él, nos percatemos de su inteligencia y de sus ágiles comentarios. Suelen aventurarse en hipótesis sobre las siguientes secuencias de la cinta. Como es natural no aciertan casi nunca.

4. Adolescentes: alejarse lo más posible de ellos. Sobre todo, si en la cinta aparecen algunos de sus ídolos y las hormonas entran en ebullición. Si no queremos acabar sordos, mojados por sus refrescos o directamente desesperados por sus sonidos guturales, guardemos una prudente distancia de seguridad.

5. "Gastronomía" en el cine: palomitas saladas, palomitas dulces, patatas fritas, nachos con o sin queso, hot-dogs, pipas de girasol (doy fe), hamburguesas, bocadillos, pizzas, helados, algodón de azúcar, diversas golosinas para niños que se comen sus padres, maíz frito y estoy seguro que me dejo algún alimento de interés, lo cierto es que marisco nunca he visto. Será por el precio...

6. Criticar al director de la película en voz muy alta. Este hecho suele sucederse en los pases de prensa o en algunos festivales de cine. Esta subespecie de gritos o cabreos, incitan a los demás críticos o invitados a excitarse y las opiniones se vuelven cada vez más caóticas. Suele acabarse el jaleo con una frase a la medida: ¡Un poco de respeto señores! Esto, amansa a las fieras y ni un calmante haría tanto efecto.

7. Personas que entran diez, veinte o treinta minutos después de iniciada la sesión. Algunos me han llegado a preguntar sin el menor rubor que de qué iba la película. Lo más curioso es que yo les he contado la trama sucedida hasta el momento, pero de otra película claro, para despistar...

8. Teléfonos móviles en el cine con diversas melodías he tenido el "privilegio" de escuchar: pasodobles, sambas, Julio Iglesias, ladridos de perro, el himno de España, sonidos intergalácticos y algún sonido más de difícil explicación. Creo que a esto se le llama politonos, da igual, el nombre es lo de menos. La cosa se suele zanjar con la siguiente tontería: "Perdón, pensé que estaba en modo avión".  Haber estado en modo cine, digo yo, que es apagado o sin sonido.

9. Borrachos: sí borrachos en el cine, gente muy bebida que entra en la sala y arma el espectáculo. Aunque reconozco que las dos veces presenciadas esto fue lo mejor de la película. Uno de ellos, tenía una risa tan contagiosa que debería ser contratado por las productoras de algunas comedias infectas como animador.

10. Dioses de Egipto: se me olvidaba, no vean esta película, su vida es demasiado valiosa para perder su tiempo en "esto". Yo desde luego me niego a comentar nada de este engendro. Bastante castigo tuve ya, como para autoflagelarme recordándola. Den un paseo por el parque, besen a su esposa, acaricien a su novio, lean un libro, atraquen un banco, hagan deporte, hagan el amor e incluso vayan al cine, pero vean otra película, no se hagan daño, no es necesario. Por si alguien tiene interés en esta producción, les dejo un enlace a una crítica profesional que personalmente suscribo. Yo desisto.

http://www.cinemania.es/peliculas/dioses-de-egipto/critica/

Nota: 0/10

Espectador que por lo visto la sufrió

P.D: Cuando estaba visionando esta cinta, me acordé de unas críticas de cine, que me mostró un amigo caraqueño de parroquia antigua. Eran de Pablo del Moral, uno de los mejores en este campo. Que sirva como pequeño homenaje, por si algún día por casualidad, leyera este texto. Espero que todo el mundo haya entendido la ironía de esta crítica. Yo, después de haber visto unas "cuantas" películas en el cine en los últimos 20 años, estoy dispuesto a ver cosas como esta o peores. Pero a lo que no estoy dispuesto es que os intenten tomar el pelo a vosotros en el cine (si es que en algún lugar siguen proyectándola) o al adquirir la cinta.

Postdata 2: Bueno chicos con vuestro permiso, como este blog es nuestro, me voy a permitir hacerme unas preguntas a mi mismo.

Miguel - ¿Estabas drogado cuando redactaste esta crítica? ¿Consumes drogas en tu vida diaria?

Miguel Pina -  Hombre Miguel, reconozco que algo tomé, algún gramo de cocaína, metanfetaminas y algún opiáceo suelto, pero drogas lo que se dice drogas no tomé.

Miguel - ¿Miguel estas en algún tipo de terapia psicológica?

Miguel Pina - Efectivamente, me has descubierto cabrón. Para superar el trauma de esta peli, voy dos veces por semana a un terapeuta, lo reconozco.

Miguel - ¿Que tal la terapia?

Miguel Pina -  A continuación la cuento, gracias por tus preguntas Miguel.

Postdata 3: La terapia creo que va bien, teniendo en cuenta que el terapeuta esta mas "zumbao" que yo. Dice que en mi caso, la terapia cognitiva-conductual para mi no sirve, tiene que ser una solución más radical. Así que me ha recetado que me descargue una aplicación en el móvil llamada 'Pokemon Go' y que me vaya a la calle a cazar Pikachus. Dice que así olvidaré 'Dioses de Egipto'. El caso es que cuando voy por la calle, me canso de cazar muñecos virtuales y me despisto. Cuando veo una rubia por la calle, o una morena, me da por tirar el puto móvil e invitar a un té a las chicas guapas que veo. Si ya lo se, soy raro, pero es que no veo la puta gracia a cazar los malditos pokemon. Claro y el terapeuta me pregunta que si solo tomo el té, y yo le digo: no hombre no, también tomamos pastas, de té, claro. Total que deje la terapia y me apunté a yoga.

Postdata 4 y última: Mi profesor de yoga dice, que tiene la solución al trauma de la película reseñada. Dice que  solo se quita viendo otra que sea mejor e inolvidable. Me ha recomendado una película de una actriz muy guapa. Dice que se llama Ingrid Bergman (me suena que formó parte del melodioso grupo 'Spice Girls', ¿no?), el actor principal es Humphrey Bogart, este si me suena más, creo que en la reciente y sublime película estrenada 'Escuadrón suicida' (Suicide Squad) tiene un papel destacado, el dato esta por confirmar. Así que nada, me dispondré a ver esta rareza y ya os contaré que tal, Aunque con el título que me ha dicho mi profesor de yoga, dudo que haya triunfado. Se trata de 'Casablanca'...