Un Hombre De Altura

Las delicias turcas son unos pequeños bocados de placer repostero de un dulzor exquisito. En un 'Hombre de altura' básicamente es lo que nos encontramos. Es decir, unas pequeñas píldoras de placer cinéfilo servidas con esmero desde el país galo.

La historia: Diane es una brillante y atractiva abogada que pierde su móvil en una distracción. Ella recibe la llamada de un hombre encantador que le pone como condición para recuperar el teléfono que tenga una cita con él. Después de varias conversaciones y resultando ser él amable, simpático y gracioso, deciden tener una cita. La sorpresa para ella se producirá cuando le conozca y compruebe que que solo mide 1 metro y 36 centímetros...

La crítica: La película es un remake de la argentina 'Corazón de León' de Marcos Carnevale que estaba interpretada magistralmente por el actor argentino Guillermo Francella. Fue un éxito en su país y ahora el director francés Laurent Tirard (Astérix y Obélix), decide darle su particular visión que en realidad no difiere mucho de la obra original. Mezclas peculiares en el cine sin pasar por Hollywood. Anteriormente reseñábamos la española 'Kiki, el amor se hace' que era un revisión de una cinta australiana. Francia, Argentina, España y Australia sin pasar por EEUU. Otro asunto sería la conveniencia del remake.

La primera cita: la cara de Diane es todo un poema en una situación muy graciosa por lo inesperado del físico de Alexandre. Disimulos, sonrojos y todo tipo de gestos que dicen más que mil palabras. Los espectadores disfrutando claro.

La primera reflexión que deja el film es la influencia del aspecto físico en cualquier ámbito de la vida. Si además, esto ocurre a la hora de emprender una relación amorosa, esta influencia se multiplica por mucho que la corrección política nos haga a veces decir lo contrario. La realidad a veces es terca y tozuda.

Lo que si hace de la película una comedia muy agradable, es la sutileza y el vuelo suave que aborda el guión sobre este tipo de historias. Un gran planteamiento desarrollado con facilidad y muy digerible para todo el mundo. Al final por encima de los centímetros de los protagonistas, hablamos de una historia de amor pero dando una visión de lo limitante que puede ser la altura para un adulto. Y aunque en este caso el creador de la historia hace hincapié solamente en los problemas de crecimiento de algunas personas, también podría servir de ejemplo para otras discapacidades auditivas. visuales o psicológicas por poner solo algunos ejemplos. El mensaje final totaliza la integración de las distintas discapacidades físicas o intelectuales en su interrelación con el mundo que nos ha tocado vivir.

Las interpretaciones son otro dulce envuelto en dos grandes actores que hacen una gran pareja a pesar de la diferencia de altura. Alexandre es interpretado por el ganador del Oscar por la película 'The Artist', Jean Dujardin. Este se desenvuelve perfectamente en un papel un tanto complicado al tener que trabajar mediante un croma para así reducir la altura, pues su estatura es normal. Virginie Efira interpreta magistralmente a la abogada Diane y llena la pantalla en cada una de sus apariciones. La actriz francesa está brillante.

Los efectos especiales también forman parte destacada de la producción. El trabajo es arduo pues se trata de rebajar en pantalla a un actor cincuenta centímetros de golpe y proporcionarlos al resto del cuerpo. Además hay que unirlo en pantalla con los otros actores y el resultado es sobresalientes. Los demás aspectos técnicos como son la  fotografía, la música y la dirección de arte están muy cuidados.

En conclusión, nos encontramos con una caja de bombones siempre que no hayamos visto la película predecesora. Si esto fura así el factor sorpresa quedará difuminado y la película puede defraudar. Si por el contrario, es la primera vez que hemos oído hablar de esta historia la experiencia será altamente agradable. Sobre todo para los amantes del género de la comedia romántica. En cualquier caso, será una experiencia positiva por la elegancia de la producción.

Nota: 8/10.

Titulo original: Un Homme á la hauteur.

Nacionalidad: Francia.

Director: Laurent Tirard.

Reparto: Jean Dujardin, Virginie Efira,
Cedric Kahn, Myriam Tekaia, Elea Clair.

Fotofrafía: Jerome Almeras.

Guión: Marcos Carnevale.

Estreno Francia: 4 de mayo de 2016.

Estreno en España: 22 de Junio 2016.

Buscando a Dory

¡Festival de imagen, sonido y mundo Disney! Espectacular comunión que la querida factoría de los sueños ha logrado con la productora Pixar. Pocas uniones en el cine han sido tan fructíferas. En pocas palabras, una suma del mejor talento puesto a disposición del espectador para dar paso a la secuela de 'Buscando a Nemo'. Y es que la antecesora de la película hoy reseñada fue una obra maestra indiscutible. El filme marcó una nueva manera de hacer cine animado realmente para todos los públicos.  Buscando a Dory sale bien parada de su arriesgada apuesta. ¡Enhorabuena! El cine de animación sigue vivo.

Una vez encontrado Nemo y reunido con su padre, ahora es la entrañable Dory la que en un momento de lucidez y a pesar de sus graves problemas de memoria, recuerda que es ella la que está extraviada de sus padres. Entonces a la inversa que en la primera parte con Nemo, esta vez es la hija la que intenta por todos los medios encontrarles a ellos. Contará con la inestimable ayuda del experto Nemo y de su querido padre. Los amigos marinos se unirán de nuevo para intentar dar con el paradero de los padres de la simpática y olvidadiza Dory. Aventuras en el mar.

Pero la pregunta inicial es la siguiente ¿Era necesario hacer una secuela de una película tan buena? ¿Tendría sentido hacer una segunda parte de 'Casablanca', 'Centauros del desierto' o 'Blancanieves'? Más preguntas que respuestas pues cada uno tendrá su propia opinión y todas serán válidas. El caso es que el plato está servido, bien condimentando y dejará las arcas de la compañía a rebosar. Evidentemente y reconociendo el talento de la producción, el factor sorpresa que supuso 'Buscando a Nemo' ya está diluido.

En esta ocasión el mensaje de la cinta es inverso al de su antecesora. Si entonces la idea era hacernos ver el amor paterno y su sacrificio hacia los hijos, en esta nueva propuesta de lo que se trata es de resaltar el amor incondicional de los buenos hijos hacia los padres. Dory y su incansable búsqueda a través de los océanos representa la identificación con unas costumbres, unos lugares y una forma de vivir.

Además, es un nuevo canto a la amistad en la que la reciprocidad de Nemo y su padre, no sólo se divisa como un agradecimiento a los servicios prestados por Dory, sino que surge de forma natural. a

El humor y la memoria de pez de Dory, nunca mejor dicho, es la argumentación por donde se mueven las aguas de la cinta. La perseverancia y el esfuerzo son otros de los valores que nos acompañan. resultando la película conservadora y continuista con la primera parte. Disney juega a continuar un clásico con más clasicismo. Es decir, busca asegurar un buen resultado y lo cierto es que consigue su propósito.

Técnicamente y de la mano de la productora Pixar, 'Buscando a Dory' es sobresaliente. La animación CGI es espectacular sumergiéndonos en una pecera de colores inolvidables. Nos encontramos ante un hiperrealismo en estado puro. En la parte final, y cuando entran los humanos en acción (sobre todo en las escenas de persecuciones de vehículos), confundimos incluso animación con filmación real.

La música es una seña de identidad de Disney y aunque en esta ocasión no nos encontramos con números musicales, la banda sonora es bastante acertada. Habría que incluir en este apartado un guiño evocador al maestro Louis Armstrong, así como unos títulos de crédito bellamente diseñados y con sorpresa final. Habrá que esperar casi a que la sala este vacía para una última pequeña sorpresa al final de dichos títulos.

En conclusión, apuesta segura de Disney sin salirse apenas del guión con unos personajes bien construidos y bien diseñados. En su debe cabe destacar la no asunción de riesgos narrativos. El público adulto decidirá en la parte que le toca si fue un acierto sacar de nuevo a navegar a estos entrañables pececillos. Los niños disfrutarán con estas nuevas aventuras. Ambos públicos y sin entrar en comparaciones con la primera parte, disfrutarán con la nueva propuesta de Disney para esta temporada.

Nota: 8/10.

Titulo original: Finding Dory.

Nacionalidad: EEUU.

Duración: 95 minutos.

Estreno Estados Unidos: 17 de Junio.

Estreno España: 22 de Junio.

Dos buenos tipos

¡Sorpresa! Y de las buenas. Comedia inteligente que probablemente por lo inesperado de este maltratado género cinematográfico nos sorprenda más de lo esperado a primera vista. Por fin una película cómica que hace despertar a nuestras queridas endorfinas. 

La historia: Holland March (Ryan Gosling) es un detective alcohólico que se cruza en su camino con un matón a sueldo, y también aficionado a la bebida llamado Jackson Healy (Russell Crowe). Entre los dos y acompañados de la hija del primero, una niña de trece años, unen sus supuestas fuerzas para resolver el caso de una joven desaparecida. La catastrófica investigación gira en torno a la desaparición de esta misteriosa mujer que después de realizar una película semi-erótica desaparece sin dejar rastro.

La crítica: Si algo define a 'Dos buenos tipos' es la incorrección política de la película en todo momento. Se agradece y se necesita más cine gamberro de este tipo. Sobre todo cuando lo que nos encontramos en este género son comedias altamente edulcoradas que de tan dulces resultan empalagosas. Puñetazo en la mesa del cineasta Shane Black que también participa en un guión lleno de divertidos gags que realmente nos hacen reír.

Por otra parte, también es cierto que según va avanzando la trama el director cae en su propia trampa y se toma la película demasiado en serio. Parte la cinta en dos mitades. En esta segunda parte se enreda demasiado en las connotaciones policiales que no aportan demasiado a la cinta e incluso confunde al espectador en los hechos narrados.

Aunque pueda sonar algo contradictorio, lo realmente bueno del largometraje es el continente y no el contenido. Es decir, los personajes son tan buenos y están tan bien guionizados que hubiera dado igual donde se hubiera situado la acción.

Si en vez de a un subgénero policíaco (dentro de la comedia) que es donde el director quiere sustentar la propuesta, la hubiera llevado a un musical o una de terror nos daría igual. Lo realmente bueno es ver a dos tipos casi acabados desenvolverse en pantalla con la gracia que lo hacen. La primera parte de la cinta es realmente brillante, pero lo que viene después es accesorio e incluso fuera del metraje adecuado. Sus casi 120 minutos le restan redondez pero no menoscaban el divertimento asegurado.

                                                         

Lo mejor de la cinta son la interpretaciones. Russell Crowe con sus continuas bajadas y subidas de peso para adaptarse a lo que le piden los guionistas hace un trabajo excelente. Ryan Gosling  es uno de los grandes actores del momento y con una gran vis cómica que sorprende para bien. Kim Basinger tiene un breve papel como madre de la actriz desaparecida, y está casi irreconocible por los retoques estéticos. ¡El daño que puede hacer el botox madre! Además, nos encontramos con un cielo de niña, (entrañable papel de la hija del detective), que se sitúa como actriz revelación de la temporada. Se trata de la australiana Angourie Rice que espero que de mucho que hablar. ¡Soberbia!

Por último, destacar también una ambientación exquisitamente lograda. La acción está situada en la ciudad de Los Ángeles en la década de los 70. El vestuario es también muy acertado y la música de esta época acompaña con acierto algunas fases de la cinta. La fotografía también es un lujo.

Es un verdadero gusto ver caras alegres al salir del cine. Se supone que este es uno de los objetivos del cine, y en Dos buenos tipos el objetivo está notablemente conseguido. 

Nota: 8/10.

Calificación: -16 años.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Shane Black.

Reparto: Russell Crowe, Ryan Gosling,
Angourie Rice, Kim Basinger,
Matt Bomer, Yvonne Zima.

Fotografía: Philippe Rousselot.

Música: David Buckley.

Estreno EEUU: 20 de mayo 2016.

Estreno España: 10 de Junio 2016.

Hispanoamérica: Verano 2016.

                                                                

RUMBOS

Road movie circular dentro de la noche de una ciudad. Coralidad de vehículos y personas a suerte de un diálogo interno/externo de personas con rumbos por determinar. La eterna contradicción del ser humano y su propia circunstancia. Rareza introspectiva de cine interior.

Barcelona, tórrida noche de verano. Nos cruzamos con varias tramas personales en las que los medios de transporte siguientes son el escenario: un taxi, una autobús, un camión, un coche utilitario, una ambulancia y un coche deportivo robado. Dentro de los vehículos se desarrollan los conflictos personales de los personajes que confluirán en la última parte de la película. 

Y en cada vehículo una historia claro: un camionero enamorado de una prostituta, un taxista bondadoso sumido en la traición amorosa, dos adolescentes rompiendo su vida en un coche robado, un conductor de ambulancia en su despedida del trabajo, una ama de casa escapando de su vida en un autobús y una joven pareja rompiendo su amor en el coche de toda la vida. Rumbos es un viaje sentimental en una noche que cambiará las vidas de sus protagonistas. Las nuestras no.  

    

        

En Rumbos hay muchos diálogos aunque no sé si para bien o para mal. Lo cierto es que la falta de costumbre en el cine actual a los largos diálogos entre los personajes hacen ya de por sí original la propuesta. Esto es algo contradictorio en la cinematografía dado que en el cine clásico el diálogo era la base de muchos largometrajes. Pero no solo es válido recuperar los diálogos porque sí. La virtud estaría en que las conversaciones mantuvieran la fuerza suficiente para llamar nuestra atención y ahí es donde cojea la cinta. Las múltiples conversaciones de los personajes llegan a saturar y no siempre consiguen la chispa necesaria para mantenernos enganchados. 

Ahora bien, en el haber de la cinta cabe destacar el esfuerzo por crear una atmósfera única a lo largo de una noche de verano. Mientras la mayoría está durmiendo para algunos la vida se abre en carne viva. Personajes nocturnos y sus vidas circunstanciales hacen que comprendamos otras maneras de vivir y de pensar. La noche como submundo metafórico sustenta la propuesta.

         

En cuanto a las interpretaciones destacaré solo las mejores pues al ser una película coral la multitud de personajes haría muy premiosa la lectura. Carmen Machi y Karra Elejalde de nuevo coinciden como en 'Ocho apellidos vascos'. Esta vez en escenas separadas. La primera da vida a una prostituta de la que se enamora un cliente (el conductor del camión) y el segundo al taxista bonachón y sentimental que contrasta con los papeles más agresivos de este actor. De nuevo dos grandes actuaciones. El resto del reparto cumple con corrección.

Mención especial para la esperadísima reaparición de Pilar López de Ayala, (Goya por 'Juana la loca'). Una gran actriz que está en el banquillo de la profesión de manera inexplicable. Difícil profesión la de actor o actriz pues no dependen sólo de su talento, sino de la arbitrariedad de los cineastas o de los directores de casting. Por lo tanto, agradecer a la directora Manuela Moreno que la rescate y que esta película pueda servir para relanzar una carrera que nunca debió detenerse. Es talentosa, transmite y está por encima de la película.

¿Hay algún director por ahí? ¡Despierten ustedes coño! Es como si pudiendo elegir a Mozart, eligieran ustedes un disco de reggaeton con todo el respeto que me merece este aclamadísimo género musical. Sus altas estructuras gramaticales y sus evocadoras melodías serán cuna de los grandes directores de orquesta que nos acompañarán en un futuro.

                                                                              

Lo mejor de la cinta

     

Recapitulando ya, nos encontramos ante una película que gustará a los amantes del diálogo en el cine. Evidentemente no son diálogos que firmaría Quentin Tarantino (el mejor en este aspecto), pero es en esta parte discursiva es donde se acomoda 'Rumbos'. Quizás más un libreto para teatro que para cine. En definitiva, Rumbos consigue a través de los distintos medios de transporte utilizados algo de originalidad. Si además, le sumamos variedad en los personajes representados la propuesta es aceptable a pesar de que pronto será olvidada por la mayoría de los espectadores. 

Nota: 5/10.

Estreno en España: 10 de Junio.

Nacionalidad: España.

Directora: Manuela moreno Buró.
  

Reparto: Carmen Machi, Karra Elejalde,

Pilar López de Ayala, Ernesto Alterio,

Miki Esparbé, Nora Navas.

Fotografía : Unax Mendia.

Música: Mikel Salas. 

¡Qué Maravilloso es el cine! Memorias de África

"Se llevaba el gramófono hasta cuando iba de safari, tres rifles, provisiones para un mes y Mozart; él inició nuestra amistad con un regalo, yo tenía una granja en África".

Con la voz en off de Meryl Streep relatándonos su odisea da comienzo esta obra de arte en todos los sentidos: cine, historia, geografía, literatura y música unidas que dan color a 'Memorias de África'. Una película inolvidable de un lirismo apabullante.

La superproducción está basada en la novela autobiográfica de la baronesa danesa Karen von Blixen-Finecke que fue publicada en 1937. Cuenta la historia de su viaje a Kenia, antigua colonia británica, para casarse con un primo segundo en un matrimonio de conveniencia. La motivación del traslado hasta África, era la búsqueda de nuevas sensaciones por parte de la pareja. Una vez allí y para ganarse la vida, deciden crear una explotación agrícola que en este caso es una plantación de café. El matrimonio está condenado al fracaso por la falta de amor verdadero y por las continuas infidelidades del marido. Pero aún no es tarde para que Karen encuentre el amor. Un aventurero llamado Dennys interpretado por Robert Redford encenderá la llama de la pasión de Karen en un romance que marcará el resto del argumento.

Memorias de África es cine clásico en su máxima expresión. El filme está cocinado a fuego lento, sin prisas, y con una escenificación que nos recuerda al cine de la época dorada de Hollywood. La película también es un viaje mágico hasta lo más profundo de África. La dilección de Karen por su tierra de adopción y por sus habitantes son círculos concéntricos por los que gira la trama argumental que nos sumerge en un sueño para los cinéfilos.

Sydney Pollack es el director y maestro de ceremonias de esta fiesta del cine.  Su generosidad es tan grande que pasa desapercibido por elección propia como todo buen cineasta debe aspirar a conseguir. No hay presunciones, elitismos, ni marcas personales fuera de tono. Todo está al servicio de la película en un alarde de humildad. La anteposición del arte en si mismo es su prioridad y no su brillo personal. Sin embargo, al ver el conjunto de la obra sólo nos cabe admirar su grandeza y su exquisito buen hacer que convierte a Memorias de África en una lección de como hacer buen cine.

El regalo de Dennys (Robert Redford) a su amada es enseñarla a pilotar una avioneta para divisar juntos la belleza paisajística de esta parte prodigiosa de la geografía africana. Las palabras textuales de Karen ante tal ofrenda fueron las siguientes: "Un regalo increíble, la visión del mundo a través de los ojos de Dios y yo me dije, si ya comprendo, así es como debe ser". Probablemente estemos ante una de las secuencias más recordadas de la película y de la historia del cine. Todo un poema visual que además lleva expuesta una profunda carga emocional. 

Out of África (titulo original), nos habla de otras muchas cosas aparte del amor. Antes de transmitir las emociones personales de sus protagonistas, nos enseña un trocito de la historia de los procesos colonizadores del continente africano. En este caso, el de la colonización de Kenia por parte del imperio británico. Allí sus habitantes fueron sometidos a las arbitrariedades de las autoridades nombradas por la corona. La eterna lucha que ya hemos visto a lo largo de la historia para imponer la manera de ser, de pensar y de actuar de las potencias mundiales colonizadoras.

El filme también nos habla de procesos más mundanos como son la infidelidad y las consecuencias que esta conducta tiene para los miembros de la pareja. Esta vez la historia no se queda solo en los daños morales y afectivos derivados de esta situación, sino que nos lleva un paso más allá. La historia nos lleva a reflexionar sobre los contagios de enfermedades venéreas al miembro engañado de la pareja. Karen es contagiada de sífilis por su marido, y este hecho hará imposible que pueda engendrar descendencia a causa de las secuelas de su enfermedad.

En cuanto a las interpretaciones Meryl Streep lleva el peso principal de la producción desde el primer fotograma hasta el último. Una actriz prodigiosa. Robert Redford en un momento de plena madurez en su carrera no se quedó a la zaga y nos regaló una gran interpretación en la que dice más por sus silencios que por sus palabras. Una pareja que evoca en la cinta un sutil erotismo tanto en la escena en la que él lava el pelo de su amada, como también en otros momentos de mayor intimidad. Dos actores para la historia.

La película obtuvo siete premios Oscars de la Academia de Hollywood. Fueron los siguientes: mejor película, director, guión adaptado, banda sonora, fotografía, dirección artística y edición de sonido. También obtuvo premios de la crítica de Londres, Los Ángeles y Nueva York entre otros muchos. Meryl Streep, por su parte, fue galardonada con el premio David de Donatello y obtuvo una de las diecinueve nominaciones a los Oscars que brillan en su palmarés hasta la fecha de hoy.

En el debe de la película caben destacar algunos errores históricos que le valieron algunas críticas bien fundamentadas. Destacaré dos de ellos. En la época en la que se desarrolla la acción los discos de larga duración (Long Play) no estaban aún inventados y se utilizaron en algunas escenas. También se utilizaron unas unas banquetas de nylon cuyo material aún no estaba desarrollado a principios del siglo XX. Además, tuvo otros errores de racord pero que en ningún momento restan calidad a la propuesta artística. Pocas críticas más son dignas de ser reseñadas. Realmente la cinta cosechó gran unanimidad entre crítica y público. Su presupuesto fue de 28 millones de dólares obteniendo en taquilla 128 millones de recaudación.

Música y cine: ¿Es la mejor banda sonora de la historia del cine? Para muchos si, para otros de las mejores sin ninguna duda. El compositor y director de orquesta británico John Barry fue el encargado de poner música a esta maravillosa película. Algunas piezas de Mozart complementan y acompañan algunas escenas en un lujo para los melómanos difícil de igualar. A continuación y para concluir os dejo un enlace a un vídeo de la BBC Proms con el tema central de la película.

                                                                              

El Hombre Perfecto (Un Homme Ideal)

El guión es a mi parecer la clave de una buena película. Sin este preciado elemento bien diseñado solo nos queda el vacío. Por mucho que se empeñen unos buenos actores, una buena fotografía o una excelente música, sin una buena historia todo el trabajo se puede ir al cubo de la basura. 'El Hombre Perfecto' parte de un gran guión escrito por el también director de la la cinta el francés Yan Gozlan.

La historia: Mathieu es un joven escritor que no consigue que sus manuscritos sean publicados por ninguna editorial. Mientras tanto, se gana la vida trabajando en una empresa de mudanzas como peón ayudante de las mismas. Un día en el traslado de unos muebles, descubre un manuscrito de un escritor ya desaparecido y decide hacerlo suyo. Lo envía a un consejo editorial harto de tantos rechazos a sus escritos. Por respuesta, recibe el ansiado sí. A partir de ahí una serie de acontecimientos desencadenados por su engaño, le complicaran su gran falso éxito. Gracias a esta mentira pasa a tener una vida llena de lujos que también le llevan a conquistar a una joven adinerada y muy interesada en la literatura.

La crítica: De nuevo cine y literatura unidos en primera persona. Siempre lo están, pero a veces olvidamos que una película siempre parte de un texto escrito ya sea este una novela, una obra teatral o un guión original.

Lo que empieza siendo una historia convencional, se convierte en un muy interesante thriller de suspense que nos va atrapando poco a poco en el bucle de mentiras en el que se implica su protagonista. Las falsas apariencias, la doble moral y el plagio son los elementos fundamentales en los que se mueve la producción. Además, lo realmente interesante es que nos sentimos identificados con el estafador y somos cómplices de él con la magia del cine como excusa.

¿Y porque sucede que en el cine nos identificamos con algún villano, con algún mafioso o simplemente con un mentiroso? Pues por un buen guión. Realmente cuando sucede esto es porque el director a través de este instrumento nos consigue atrapar en su red hasta el final del largometraje. Estamos tan inmersos en la historia que por dos horas en nuestra imaginación y tal vez sin quererlo, somos cómplices en nuestro subconsciente de todo tipo de tropelías que luego en cualquier debate con amigos condenaríamos sin dudarlo.

Por otra parte, comprobamos cómo una mentira de tamaño tan colosal como es apropiarse de un manuscrito de otro escritor, lleva al joven Mathieu a tejer un engaño tras otro para conservar su nuevo nivel de vida, su fama sobrevenida y a su bien posicionada pareja. El problema surge cuando el editor le empieza a urgir para presentar su segunda novela, y el talento del suplantador no está a la altura. 

Lo más curioso de todo es que la película me recuerda muchísimo al planteamiento de otra titulada 'The Words' del año 2012 con Bradley Cooper como protagonista. ('El Ladrón De Palabras' en España y 'Palabras Robadas' en Hispanoamérica). Esto abriría de nuevo el debate entre los paralelismos intelectuales o los plagios en el cine.

Como yo no soy juez y confió en la buena voluntad de las personas no seré yo el que acuse al director francés de plagio. Por otra parte, cabe decir que en el transcurso de la trama la cinta toma caminos bastante diferentes. 

En el reparto nos encontramos a Pierre Niney queda vida al joven escritor. Un notable interpretación de un actor de método y con un inmenso futuro al menos en el cine francés. Sus rasgos físicos me recordaban en algunos matices al extraordinario actor Adrien Brody cuando tenía su misma edad. Le da buena réplica la actriz Ana Girardot en una actuación realmente convincente. Por cierto, actriz que me recuerda por sus rasgos físicos a la actriz y ex primera dama francesa Carla Bruni. El resto del reparto no está a la altura de los dos protagonistas y tanto los padres de la novia, como el amigo de la familia (Thibault Vinçon) hacen un trabajo frió y descorazonador.

La música acompaña con acierto las fases de más suspense de la filmación. El montaje es fácil de diseñar y la fotografía es de buen gusto, sobre todo en las localizaciones exteriores que realzan la belleza de los parajes franceses. La dirección artística es magnífica, y recrea con acierto la lujosa villa donde se traslada a vivir la joven pareja). 

Para concluir, resaltaría que estamos de enhorabuena con la películas que nos llegan desde Francia en los últimos años. Sus cineastas han hecho un esfuerzo por mostrar cercanía con los espectadores, y su cine ya no peca de la excesiva pedantería que para algunos destilaban sus producciones. En cualquier caso, estaremos atentos a las nuevas propuestas de la cinematografía gala. De momento, El hombre Perfecto se salda con un notable éxito artístico. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Francia. 

Director: Yan Gozlan.

Reparto: Pierre Niney, Ana Girardot,

Thibault Vinçon, André Marcon, 

Valéria Cavalli, Marc Barbé.

Fotografia: Antoine Roch.

Música: Cyrille Aufort.

Estreno en España: 13 de Mayo de 2016.

Estreno en Francia: 18 de marzo de 2015.

 

Películas curiosas: Bowling For Columbine

Los seguidores de 'Cine y críticas marcianas' sabéis que el blog se divide principalmente en dos secciones: una de cine de actualidad o de estreno y otra de gran cine para el recuerdo llamada ¡Qué maravilloso es el cine! Pues bien, para complementar estas secciones y para los momentos en los cuales no haya demasiado cine de estreno, recordaré algunas películas que me parecieron muy curiosas en su momento por tener un toque distinto a las demás. Ciencia-ficción, documentales u otro tipo de cintas de géneros convencionales que puedan resultar llamativas e interesantes priorizando su originalidad por encima de otros aspectos.

Y para empezar recordaré a uno de los cineastas más originales que conozco. Se trata de el más que valiente realizador estadounidense Michael Moore. Para ello, bucearemos un poco en el que fue su primer éxito en el mundo del cine.

'Bowling For Columbine' fue una ácida y brutal crítica hacía el sistema de control o mejor dicho "descontrol" de armas de fuego por el que se rigen en Estados Unidos. Por desgracia cada cierto tiempo nos sigue sobresaltando con noticias de matanzas indiscriminadas a lo largo y ancho de este extenso país. Además, no es nada común esta fuerte autocrítica en el viejo imperio. Así que esta es otra de las curiosidades de la cinta.

La historia está basada en los hechos reales que fueron mas o menos los siguientes: el 20 de abril de 1999 dos jóvenes estudiantes fuertemente armados entraron en el instituto de enseñanza secundaria 'Columbine High School' en el estado de Colorado, cerca de Denver, y abrieron fuego a discreción contra profesores, estudiantes y quien saliera a su paso. Murieron 15 personas resultando heridas también otras veinticuatro. A esto habría que añadir las secuelas psicológicas de las personas que fueron testigos de los trágicos sucesos. Fue la peor masacre cometida en un centro de secundaria en el país y la quinta de mayor importancia numérica en cualquier tipo de centro educativo en EEUU.

 

La cinta a pesar de los duros hechos narrados, no tiene un tono sanguinario o excesivo con los acontecimientos acaecidos. Más bien incide en la temática de denuncia social que caracteriza a toda la carrera de Moore. Incluso tiene un cierto tono jocoso con el dudoso control de armas que existe en su propio país. Sin duda, el ambiente está caracterizado por un miedo irracional que se vuelve en contra del propio pueblo americano. 

Una parte extensa de la población, se aferra a la segunda enmienda de la constitución de los Estados Unidos de América para seguir apelando al derecho de los ciudadanos a estar armados. Michael Moore retrata este comportamiento de la sociedad con ironía y un fino sentido del humor. Algo que en su propio país le ha costado números insultos, vetos y todo tipo de ataques que no han valido para frenar su cine de denuncia social.

En todo momento, el documental trata de demostrar que el miedo es el principal motor e impulsor de la fácil tenencia de armas en los EEUU. Miedo a todo: a los negros, a los latinos, a los comunistas, a los robos, y a la inmigración en general. En definitiva, una de las teorías que expone es la explotación de ese miedo por parte de los políticos y de ciertos "lobbies" armamentísticos para expandir y continuar con este tipo de industria que es una de las fuentes de mayor riqueza del país. En algún comercio, tan cotidiano como puede ser una peluquería, el dueño muestra orgulloso el armamento que tiene expuesto en las vitrinas para su venta al público.

Negocio de "alto riesgo", para el cliente claro

Otra de las escenas tragicómicas nos muestra hasta el punto límite en el que se ha llegado en este país en el tema de las armas. Llegados este momento ya no nos queda mas remedio que ponernos a reír o directamente comenzar a llorar. Me refiero a las extrañas prácticas comerciales de algunas entidades bancarias en su afán por captar clientes.

Si a veces ya de por sí, estas dudosas ofertas comerciales nos resultan cuanto menos estrambóticas con su empeño en ofrecernos sartenes, vajillas o diversos productos del hogar a cambio de abrir una cuenta corriente; allí directamente y como algunos ya estaréis imaginando, llegan hasta el punto de ofrecer un arma de fuego (de tamaño nada desconsiderable) por abrir una cuenta bancaria con dicha entidad. La demostración de hasta donde esta inculcado en la sociedad el derecho a portar un arma de fuego sin ningún tipo de pudor o extrañeza

Escopeta a cambio de abrir cuenta bancaria

Premios y críticas: la película fue galardonada con el 'Oscar' de la Academia al mejor documental de no ficción en el año 2002 y recibió también el premio 'César' de la Academia de cinematografía francesa a mejor película extranjera. También se llevó el reconocimiento del 55 aniversario del Festival Internacional de Cine de Cannes.

Carlos Boyero en el diario El Mundo escribió: "El mejor documental que he visto en los últimos años, desprende lucidez e ironía, terrible indagación sobre el libre comercio  y la fácil adquisición de armas en Estados Unidos. Esteve Rimbau en Fotogramas fue mas crítico con la producción y escribió: "Michael Moore se maneja con una cierta panfletaria subjetividad y abusa de su exhibicionismo en pantalla".

Lo que no cabe duda es que este largometraje supuso su salto a la fama y provocó un intenso debate ante la proliferación de armas de fuego en su país. En el momento actual en el estado de Texas se está tramitando una ley para que los estudiantes universitarios puedan portar armas de fuego en sus propias facultades. Realmente parece que estamos condenados a repetir nuestros errores.

Os dejo con un enlace al vídeo donde se extracta la visita al banco del cineasta:

                                                                           

¡Qué maravilloso es el cine! Inside Out

Por Mane Lander & Miguel Pina :

¿Puede una película de animación ser altamente conceptual y además hablarnos de la psique humana? Demos otro pasito ¿Puede una cinta dirigida al público infantil conseguir hablar del funcionamiento de los neurotransmisores cerebrales, mientras los más pequeños se lo pasan en grande? Rotundamente sí.

Obra maestra del cine, pero del cine en general. Disney-Pixar consigue "cuadrar el círculo". Alegría, ira, miedo, asco y tristeza: estas son las emociones representadas por los personajes centrales de la cinta. Y es que pareciera que Disney no se cansa de realizar propuestas que cada vez resultan más y más atractivas para los amantes del cine, sobre todo para los más pequeños, aunque sabemos bien que la magia de Disney tiene alcances que van mucho más allá del público infantil; suponemos que por este motivo existen tantos adultos admiradores de su "mundo".

La historia: Riley es una niña de once años, que se instala junto a sus padres en una nueva ciudad. Este cambio, más un pronto inicio de su adolescencia, van a confluir en un estallido de sus emociones. Pero la novedad y lo maravilloso de este argumento es desde donde está narrado. Ni más ni menos la fuente de todos nuestros anhelos y desalientos: el cerebro. Nos encontramos ante un viaje extraordinario hasta el centro de mando del pensamiento humano.

La narración esta expresada desde dos perspectivas, por un lado vemos la historia clásica de una niña y los conflictos emocionales que tiene con sus padres al adaptarse a una nueva ciudad, y por otro lado vemos como son gestionados estos sentimientos dentro de su pensamiento. Para ello observamos a los personajes interactuando desde dentro de su cabeza, dando ordenes y contraórdenes que van afectando al comportamiento de Riley. El personaje central de la cinta, pasará a ser Alegría, una especie de hada amarilla que lucha porque Tristeza, una muñequilla luminiscente azul, no se imponga a los pensamientos de la joven Riley. Esta subtrama pasa a convertirse en trama principal, esto mismo es lo original y divertido de la película.

Ahora ya estamos dentro del cerebro de la niña, denominado en la historia, como la consola de control del pensamiento. Allí observamos como los personajillos se desenvuelven entre ellos para tratar de imponer a Riley sus decisiones. Ya sean ponerle furiosa, hacerla sentir miedo o repugnancia, pero siempre bajo el mando de Alegría, que trata de imponer su criterio de tener a la niña lo más contenta posible. Tristeza será su antagonista principal y será ella la que aún sin quererlo trate de trasladar a la niña su melancolía. Todo ello esta tratado desde el sentido del humor y dando forma a la historia para que el público infantil lo pueda asimilar como un juego y no como un tratado de psicología que es a lo que se aproxima la película de un modo magistral.

Inside Out nos otorga demasiada información en dosis constantes y disfrazadas de personajes y situaciones bastante fáciles de digerir, sobre todo por el público infantil al que va dirigido como prioridad. Lo que más destaca por supuesto es el hecho de que Alegría pasa la mayor parte del tiempo intentando preservar y extender, insistentemente, los momentos felices de Riley sin comprender la función de Tristeza y alejándola a toda costa de los recuerdos de la pequeña; eso suena familiar ¿Verdad? Los humanos no comprendemos la función de la tristeza, y rechazamos toda sensación poco placentera que pueda generarse en nuestro interior, pero la realidad es que incluso las emociones poco agradables tienen una función crucial en nuestro desenvolvimiento.

La tristeza es un instrumento reparador que, en muchas ocasiones, actúa como una especie de "alarma de auxilio" que puede ser atendida por aquellos que nos aman o a quienes les importamos. Estar triste es un estado emocional necesario en ocasiones, y rechazarlo es rechazar a una parte vital de nosotros mismos. Nada es para siempre, ni la alegría, ni la tristeza porque los humanos somos un acumulado de emociones que se encienden para transmitirnos un mensaje importante que necesita ser atendido; muchas veces estar triste nos acerca a varios tipos de consuelo, nos enseña a vivir la soledad, a aceptar los cambios, a soltar, a dejar ir, a vivir el duelo de la pérdida, cosas que se viven sin importar la edad.

Las transiciones del desarrollo evolutivo por las que todo ser humano pasa, se representan en la película de forma muy interesante, así entonces podemos encontrar situaciones como la importancia de los lazos familiares y sociales, la madurez proveniente del paso de los años y la represión de símbolos amenazantes u hostiles. Inside Out menciona a los amigos imaginarios y emotivamente retrata el olvido al que son sometidos con el tiempo, un olvido necesario producto de la madurez emocional y psicológica.

También encontramos toda una organización del pensamiento y el entendimiento de los conceptos como parte esencial de los procesos cognitivos y la combinación de emociones que se producen cuando dejamos de ser niños y lo primitivo va cediendo lugar a lo complejo; así podemos decir que en la niñez nos centramos en expresar estar muy alegres, muy enojados, muy tristes o con mucho desagrado; cuando crecemos nuestras emociones básicas, dejan de ser tan literales y comienzan a mezclarse entre ellas, así podemos tener recuerdos tristes que nos pusieron felices, enojarnos a causa de algo que nos produce demasiado desagrado, tener mucho miedo y entristecernos por ello, etc., etc., y conocemos mezclas interesantes como la ansiedad, la melancolía, la duda, la agresividad, el impulso, la intelectualización, el egoísmo y miles de estados que tienen que ver con nuestras emociones.

La producción fue ganadora del Oscar de la Academia a la mejor película animada en el año 2015. Este hecho fue la culminación a otros galardones internacionales entre los que cabe destacar el Premio de la Crítica Cinematográfica. Figura en el puesto 12 como mejor película de todos los tiempos en el prestigioso sitio web "Rotten Tomatoes". Philippe Engel en Fotogramas escribió: "La lluvia de ideas y de ingenio de guiños y de gags, que llaman a la reflexión sobre infinidad de temas es apabullante, convirtiendo a Inside Out en una obra imprescindible". La banda sonora original, como en otras tantas películas de Disney, es magnífica haciéndonos vibrar y emocionarnos a partes iguales.

En conclusión, película altamente recomendable para tenerla en los primeros puestos de nuestra videoteca en la sublimación del cine inteligente elevado a la enésima potencia. Exquisito concepto del consciente y subconsciente humano. Inside Out nos deja echar un vistazo a nuestro interior para entendernos de una forma entretenida, algo que nunca se había retratado tan magníficamente. Y es que si eso fuese el pan de cada día entonces las cosas en nuestra vida serían más llevaderas ¿No creéis? Porque entendernos constantemente es una forma de vivir con mayor aceptación, en paz, pues no es sino en el entendernos en donde se encuentra la respuesta a muchas cuestiones.

Nota final: Este texto esta elaborado a dúo con el psicólogo y escritor Mane Lander. Cada párrafo ha sido consensuado en un satisfactorio trabajo en equipo que me ha servido para aprender una faceta nueva en el mundo de la narrativa. Todo un privilegio para mí trabajar y aprender de él. 

Próximamente publicara su nueva novela que será un éxito seguro. Mientras tanto os dejo el enlace a su blog donde nos deleita con sus letras :www.manelander.blogspot.com.es

La base central de este texto se publicará simultáneamente el mismo día en ambos blogs.

P.D: Este texto esta dedicado a mi niña María. Ella es la luz que ilumina mi alma.

 

Las estaciones (Les Saisons)

Para conmemorar el día europeo de la Red Natura 2000, que se celebró el 21 de Mayo, los directores franceses Jacques Perrin y Jacques Cluzaud han dirigido esta película documental que se ha estrenado recientemente en España coincidiendo prácticamente con la fecha antes señalada. Naturaleza en estado puro, o lo que hemos dejado de ella en Europa.

El crítico y director de cine, además de uno de los padres de la ‘Nouvelle vague’, François Truffaut, solía comentar que cada francés tiene dos oficios. Uno el de crítico de cine y el otro el suyo propio. Esto trataba de transmitir, en primer lugar, el amor de los ciudadanos franceses por el séptimo arte, pero también su fuerte espíritu crítico con las producciones que les eran presentadas.

Esto me da pie para poder redactar una crítica sobre esta producción francesa metido en la piel e imbuido por las palabras del magnífico cineasta francés. Y aunque la función teórica de la crítica de cine es informar y valorar desde la imparcialidad las propuestas presentadas, no cabe duda que al final en cada uno de nosotros las opiniones siempre van a estar comandadas por cierta subjetividad.

Pero en el caso de la cinta ‘Las Estaciones’, el posible espíritu crítico antes citado se ve completamente diluido ante la evidencia de los hechos que nos muestran en el largometraje. La propuesta es una certera e inapelable denuncia que no hace más que constatar el grave y peligroso deterioro de la naturaleza en el viejo continente, pero que podría servir prácticamente para cualquier zona geográfica del planeta.

La película nos presenta, en primer lugar, la edad de hielo que vivió Europa durante ochenta mil años y la posterior etapa que dio lugar, en un espacio muy corto de tiempo, al nacimiento de un inmenso bosque que cubrió prácticamente todo el continente de una naturaleza en estado puro. La fauna y la flora tenían el hábitat perfecto para desarrollarse en plenitud.

Después, veremos como la intervención del hombre ha deteriorado este espacio de una manera prácticamente irreversible. En cualquier caso, los directores quieren dejar el mensaje en el cual ellos creen, y que es el siguiente: la posibilidad de que aún estemos a tiempo de salvar los que nos queda de esta rica biodiversidad. Esto es lo que les motiva a impulsar lo que ellos denominan como una alianza entre el ser humano y el mundo animal.

La fauna salvaje y su desarrollo en medio del ecosistema adecuado para ello son los principales protagonistas del documental. Veremos multitud de animales en pantalla. En una de las escenas contemplaremos el propio alumbramiento de un cervatillo salvaje con las cámaras de los directores metidas prácticamente en la «sala de parto». Un rincón del maravilloso bosque sera el elegido por su madre para dar a luz. La exuberancia de la Natureleza acompañará el feliz acontecimiento.

No cabe duda de que los cineastas han optado por darle una clara forma poética al desarrollo de la historia que nos están narrando. El preciosismo es una de las mayores virtudes de la cinta pero sin descuidar en ningún momento el mensaje principal. La base de esta producción es el citado mensaje que trata de crear conciencia de preservación del rico patrimonio natural europeo.

Sin mencionarlo específicamente en la película, nos viene a la memoria el recuerdo de la destrucción imparable de la Amazonía, la desertificación de muchos lugares que antes fueron vergeles e incluso el deterioro de un territorio casi virgen como la Antártida. Estudios científicos publicados en la revista ‘Science’, alertan de que estamos cerca de llegar a un punto de no retorno en nuestra propia autodestrucción. Los recursos naturales del planeta no dan más de sí. Ya no es alarmismo, es una triste realidad.

El lobo es uno de los grandes protagonista de la película. Veremos escenas de su nacimiento, desarrollo y algunas escenas de caza de sus presas rodadas de una manera espectacular. La cámara llega en algunos momentos a estar colocada a escasos centímetros de los animales en un trabajo minucioso de los cineastas. Ademas, visionaremos caballos salvajes, osos, linces o multitud de aves filmadas desde unas perspectivas que consiguen transmitir un virtuosismo visual difícil de igualar.

El documental está narrado con voz en off en «breves pinceladas» pues la naturaleza mostrada habla por sí misma. En España la encargada de poner voz a la narración es la actriz Elena Anaya, y lo hace de una manera magistral. Exquisito uso del idioma español. Su pronunciación y su pausa al narrar hacen que se eche de menos una mayor utilización de este recurso en algunas escenas de la cinta. Quizás esta austeridad en el uso de la voz en la narración, le reste algún punto a la película poniendo en su debe también la asepsia que le impide llegar a mayores cotas emocionales.

En cambio, la música utilizada es completamente acertada y nos regala los oídos con una auténtica sinfonía de piezas musicales compuestas por el extraordinario músico francés Bruno Coulais. La fotografía como no podía ser de otra manera en un documental de nuestra época, es maravillosa. Eso sí, para poder disfrutarla en su máxima intensidad, sería recomendable poder verla en un cine con tecnología digital.

En conclusión, la película es altamente recomendable para los amantes de la naturaleza y para los aficionados al cine documental.  Incluso servirá como medio de concienciación social en cualquier centro educativo a lo largo y ancho de nuestros continentes. Si nuestros representantes políticos mundiales no estuvieran tan preocupados de sus propias batallas personales aún estaríamos a tiempo de forjar la alianza entre humanidad y naturaleza que los cineastas franceses Perrin y Cluzaud nos proponen. ¿Utopía? Probablemente. ¿Voluntarismo? Todo el que sea necesario. Quizás aún tengamos una última oportunidad.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Francia.

Dirección: Jacques Perrin y Jacques Cluzaud.

Música: Bruno Coulais.

Fotografía: Michel Benjamin.

Montaje: Vicent Schmitt.

Estreno en Francia: 27-01-16.

Estreno en España: 20-5-16.

10.000 visitas, 10.000 gracias y unas fotos sorpresa para celebrarlo

Hace sólo cinco meses, comencé esta aventura incierta de iniciarme en el mundo de la escritura en público y crear mi propio blog. El propósito era sencillo. Consistía en pasar a formato electrónico lo que ya venía haciendo a lo largo de los últimos años en mi archivo manuscrito de cine. Yo tenía y tengo un diario personal sobre las películas que visiono en el cine. En principio, la idea era compartir estas opiniones personales con mi entorno más cercano, pero la sorpresa fue mayúscula cuando las visitas se empezaron a multiplicar. Hoy estoy escribiendo estas líneas para daros las gracias a todas y cada una de las personas que han tenido a bien dedicar unos minutos a la lectura de estos escritos sobre cine. Celebramos todos juntos las 10.000 visitas que 'Cine y críticas marcianas' ha cosechado. ¡Gracias de corazón!

Primera foto sorpresa: hace unos días tuve la oportunidad de asistir a un pase de prensa en representación del periódico del que soy colaborador. Se trata del largometraje 'Pozoamargo' del premiado director mexicano Enrique Rivero.  Allí, el actor protagonista de la cinta Jesús Gallego que nos regaló una portentosa actuación en su debut en el cine, se prestó a posar con el logo de mi blog, en conmemoración de vuestras diez mil visitas. Le doy las gracias a Jesús y le deseo el mayor de los éxitos tanto en el cine como en su vida personal. La conversación con él fue un gran privilegio. Con Enrique Rivero también. Ambos cercanos y amables conmigo.

El actor Jesús Gallego

Segunda foto sorpresa: quiero compartir con vosotros el lugar donde redacto mis textos sobre cine. Además de ser mi pequeño rincón de trabajo personal, es un lugar de mi hogar dónde encuentro la calidez y la luz necesaria para poder escribir con tranquilidad y reposo. Espero que os guste. Esta iniciativa la he visto en otros compañeros. La primera vez que la vi fue en el blog del buen creador de historias Francisco Moroz. Así que os invito a todos los que tenéis vuestro blog a mostrar vuestro rincón preferido para escribir. Algunos ya lo habéis hecho. A los demás os esperamos si os apetece.

El rincón de pensar, María mi niña, me acompaña en la foto

Tercera foto sorpresa: los años ochenta en estado puro. Estoy soy yo con algunos años menos y una larga cabellera. Como veis el "look" ochentero hacía estragos entre las madres de la época. Para mí esta década supuso mi iniciación a las drogas... ja,ja,ja, es una pequeña broma. Lo que si es cierto es que fueron unos años maravillosos en los que me inicie en mi gusto por el cine y la música en un ambiente de libertad que trajo la democracia a España.

El corte de pelo es de "traca"

Y ahora vamos con el capítulo de agradecimientos que es el verdadero sentido de esta entrada. Siempre en mi recuerdo están todas las personas que me han visitado, que me han dejado sus comentarios o me han escrito en privado. Por lo tanto el agradecimiento es de carácter general para todos los que me habéis apoyado durante el arranque de Cine y críticas marcianas. 10.000 gracias de nuevo.

Ahora bien, si nombraré a cuatro de las personas que realmente han hecho posible el impulso del blog. Las citaré por orden de aparición en mi vida. En primer lugar, al impulsor principal de este blog. El creador de la colección 'Cinefilia' de Google+, Alfredo García. Agradecimiento explicito por compartir mis críticas de cine en su colección que es la mejor de esta red en español y así lo atestiguan sus más de 130.000 bien merecidos seguidores. Su pasión por buscar la calidad en sus divulgaciones, así como sus acertados comentarios sobre el mundo del cine son un ejemplo para todos. En segundo lugar al profesor de genética Emilio Valadé del Río por llevarme por el buen camino gramatical o al menos intentarlo y además por ofrecerme su ayuda. Procuraré esforzarme más en mis textos. En tercer lugar a la escritora María Del Socorro Duarte por el premio otorgado a Cine y críticas marcianas por mi labor en divulgar contenidos interesantes sobre el séptimo arte. Y también, por darme una gran oportunidad a Ángela Merino directora del periódico Noroeste de Madrid, y por confiar en mí para colaborar en su medio de comunicación.

Pero sinceramente, lo mejor de estos cinco meses ha sido conocer a algunas personas de los que me considero su amigo, aparte de los cuatro anteriormente citados que también lo son. Desde luego que está siendo una experiencia muy positiva, que como todos sabéis, a veces genera ciertos dolores de cabeza. Pero no cabe duda, que los pros superan a las contras. Espero y deseo que las próximas publicaciones sigan siendo de vuestro interés.

Como ya sabéis algunos de vosotros, estoy a vuestra disposición para cualquier consulta que queráis realizarme en mi dirección de correo electrónico: (navaslinea@gmail.com). Si alguien también tiene interés, os dejo un enlace con mis artículos del periódico. En el último de ellos tengo el privilegio de entrevistar al director mexicano de cine Enrique Rivero www.noroestemadrid.com/author/miguel/

Mi gratitud mas sincera y nos vemos en la próxima película.

Como en el cine, os dejo con los títulos de crédito y con el elenco artístico que me inspira para este proyecto:

Rafael Pina.

Mane Lander.

Demetrio Fernandez.

Raquel Camarillo.

Keren Turmo.

Pilar. G. Álvarez.

José Dueso.

Ana Moisés.

Marta Pérez.

Maria Pina.

Gracias por todo.