jueves, 29 de junio de 2017

Entrevista a Macarena Sanz, actriz de Selfie


"A Santiago Alverú, le acompaña en el reparto Macarena Sanz con buena nota -muy buena nota- en el papel de una chica invidente que se enamora de Bosco. Una actriz que denota su calidad por su clara formación teatral".
-Cine y críticas marcianas, 23 de junio de 2016 (Reseña Selfie)


Hoy en Cine y críticas marcianas tenemos el honor de recibir a la joven y talentosa actriz española Macarena Sanz que cuenta con una gran formación teatral. Ahora, afronta en Selfie su segundo paso por la gran pantalla, tras su excelente actuación en Las Furias de Miguel del Arco, en la que compartía elenco con José Sacristán o Carmen Machi entre otros grandes actores. En Selfie, demuestra su talento interpretando con gran acierto al personaje de Macarena que es un chica ciega. Hoy hablaremos de su película, de su formación como actriz y nos contará algunos de sus gustos cinematográficos y parte de sus sueños y anhelos personales. 


Hola Macarena, ¿qué nos vamos a encontrar en Selfie cuando vayamos al cine a verla?

Selfie es una comedia muy ácida que habla sobre España, es decir, un retrato cómico de la España actual. Plantea dos mundos en los que se nos quieren hacer ver cómo se divide España, polarizando en ser de derechas o de izquierdas. En cierta manera nos recuerda a los esperpentos de Valle Inclán.

¿Os esperabais el equipo de la película el gran éxito obtenido en el reciente Festival de cine en Español de Málaga, con dos importantes galardones?

Había una parte en la que lo deseábamos mucho y nos apetecía mucho ya que había un gran esfuerzo detrás de la película, pero no nos lo esperábamos para nada, nos sorprendió mucho y nos hizo mucha ilusión. Si bien es verdad que como te decía, hubo mucho trabajo y esfuerzo y el hecho de no partir como película favorita fue una sorpresa mucho más agradable.

Selfie es comedia satírica sobre la situación política actual en España. ¿Cómo encuentras tú actualmente nuestro país en este aspecto?

La situación política actual española se ha convertido en una especie de show con tertulias al estilo del Sálvame de Telecinco, pero llevado a las tertulias de políticos. Lo bueno de todo esto es que la política está mucho más presente en nuestras vidas. Creo que por ejemplo el 15-M fue un antes y un después en la política de España y cómo la gente también se involucró. Lo que pasa que algo tan honesto al final también se ha politizado de alguna manera y ha perdido algo de su esencia. Lo que es muy llamativo es que todos los días salen en los periódicos casos de corrupción y te sorprende las pocas consecuencias que esto conlleva. Por otra parte, hay algo esperanzador en todo esto y es que la gente se está tomando la política como algo importante en su vida a través de los nuevos movimientos sociales y eso me da esperanza.

¿Habéis tenido algún problema con los políticos, especialmente con los del Partido Popular o Podemos?

La verdad es que ninguno, se lo han tomado bien. Y me gusta además que en la película queden reflejados los mitines políticos del PP y Podemos para hacernos una idea de cómo era la España del 2015 y 2016.

Hablando ya de tu actuación, ¿qué papel representas en la película?

Pues hago de Macarena que se llama igual que yo porque lo decidimos entre el director y yo. Ella es ciega, es de Podemos, es una tía muy maja, muy simpática, pero a mi también me da la sensación de que también hay un punto extraño en Macarena....cómo que se siente muy bien ayudando a los demás y en eso hay algo también algo egoísta, porque si te das cuenta, siempre está tratando de ayudar a la gente pero de una manera egoísta, porque le hace sentir bien, de hecho, por eso se enamora de Bosco, ya que lo encuentra tan absolutamente desamparado que eso es lo que le gusta de él.

Yo personalmente en mi crítica o en mi manera de ver la película, pienso que Bosco busca enamorar a Macarena para tratar de sacar provecho de ella. ¿Cómo lo ves tú?

Si, hay un punto extraño y egoísta por parte de los dos. Bosco necesita a Macarena para tener un sitio donde dormir y ella le necesita a él para sentirse bien. Pero pienso que al final si se enamoran de verdad.

¿Cuál fue tu preparación para interpretar a una chica invidente?

Pues tuve poco tiempo de preparación, una semana aproximadamente. Tuve la ayuda de una mujer invidente que se llama María y es de Toledo y que es la que me prestó las gafas y el bastón. Recuerdo una anécdota que relataba María en plan gracioso y era eso que sale en las películas de tocar la cara de las personas y con ello saber cómo es la cara visualmente de la persona y me decía que eso era un mito. También hablamos de la corporalidad y de los obstáculos que te puedes encontrar por la calle y de la tensión que ello produce. Por lo tanto, yo seguí los consejos de la tensión corporal, hice toda la película con los ojos cerrados, en alerta y con mucha concentración en escena. La película se rodó intermitente a lo largo de un año en Madrid y estoy muy agradecida a Víctor García León por su confianza en mí.


¿Cuál fue tu primer trabajo profesional en el mundo de la interpretación?

Mi primer trabajo profesional en el teatro fue en el año 2011 con una obra que se llamaba Münchhausen, en el Centro Dramático Nacional, en la sala Francisco Nieva. Yo en ese momento estaba estudiando en la Resad (Escuela Superior de Arte Dramático) y me escogieron con 21 años y yo flipaba claro -risas-.

Entonces tu formación como actriz se completó en la Resad, ¿pero cómo empiezas desde pequeña a interesarte por este mundo?

Pues cuando estaba en el colegio me apunté a la escuela municipal de arte dramático, la Emad, escuela que recomiendo muchísimo porque es una escuela muy económica al ser municipal y donde hay muy buen rollo. El teatro se lleva mediante el juego que es como a mi me gusta, y cuando acabé en la Emad, hice unas pruebas de selección para la Escuela Superior de Arte Dramático, me admitieron y completé mis cuatro años de formación.

Cuéntanos tu paso por el teatro y que significa para ti.

Para mí el teatro es la vida -se emociona-, es mi pasión, haciendo teatro es uno de los momentos donde más disfruto de la vida. Me encanta ensayar, que en cine o una serie igual se hace menos. Y luego las funciones teatrales me encantan, pues a pesar de estar haciendo el mismo texto, para mí son nuevas cada vez. Me encanta el teatro.

¿Qué obras has realizado?

Münchhausen, después hice El Inspector dirigida por Miguel del Arco, y fue en el teatro Valle Inclán. Después estuve un año haciendo Maribel y la extraña familia de Miguel Mihura en el teatro Infanta Isabel, también El laberinto mágico en el Teatro Valle Inclán. Después de esto, grabé la película Las Furias y varias obras más, hasta llegar a la más reciente llamada Refugio que hemos terminado hace dos semanas.

Aunque tú, por el talento demostrado no paras de trabajar en el teatro o en el cine, ¿Cómo llevas o llevarías, los tiempos de espera cuando el teléfono no suena para nuevos trabajos?

Lo que haces es apuntarte a muchos cursos para entrenar o a los llamados grupos de entrenamiento para actores que por suerte en Madrid los puedes encontrar. Es decir, estar muy preparada para cuando suene el teléfono.

¿Cuales son tus próximos proyectos profesionales?

Es la gira de la obra teatral El laberinto mágico, que trata sobre la guerra civil y es una adaptación de las novelas de Max Aub y vamos a Valencia, Alicante, Barcelona, y Moscú. Y después me gustaría tomarme un año de preparación y formación.

Macarena siempre sonriente. Texto y fotos: Miguel Pina


Vamos con unas preguntas cortas Macarena.


¿Cuál es tu película preferida española?

Amanece que no es poco, de José Luis Cuerda.

¿Y la internacional?

Sentido y sensibilidad, de Ang Lee.

Dime tu actriz favorita del cine clásico.

Katherine Hepburn.

Dime ahora tu actor favorito del cine clásico.

Fernando Fernán Gómez. 

¿Cuál es tu actor preferido actualmente?

Abel Vitón y José Sacristán  

¿Y tu actriz española preferida?

Tengo que decir varias, son Teresa Lozano, Alicia Hermida, Sonsoles Benedicto y todas las actrices en general.

Tu director preferido de todos los tiempos.

Sergio Leone.

Tu director o directora de cine preferido en la actualidad.

Nelly Reguera, directora de María y los demás.

Tu festival de cine predilecto.

El Festival de Ópera Prima de Tudela,

¿Cuál es la sala de cine más bonita que has conocido o tu preferida?

La sede de la Filmoteca Nacional (Cine Doré) y también los Cines Avenida y el Palacio de la Música que ya desaparecieron.

Tu libro favorito a día de hoy.

Lobas de Tesalia, de Pilar Pedraza. 

Tu plato preferido de comida.

La ensaladilla rusa.

Una ciudad para vivir.

Madrid.

Una ciudad por conocer.

Buenos Aires.

Una ilusión por cumplir.

Crear mi propia compañía de teatro. 

Muchísimas gracias Macarena por tu atención, por tu humildad, por tu encantadora sonrisa, y darte la enhorabuena por la pasión puesta en tu profesión y por el talento demostrado. ¿Quieres añadir algo para concluir la entrevista?

Muchísimas gracias por la entrevista y también dar las gracias a los marcianos y marcianas que nos van a leer.

Representación artística, currículum y videobook de Macarena Sanz en Kaudiovisual

Para concluir, en el siguiente vídeo veremos algunas imágenes de Macarena Sanz en la interpretación que realizó en la exitosa serie Isabel de Televisión española.

viernes, 23 de junio de 2017

Selfie


Selfie: Autofoto o autoretrato solo o en grupo y generalmente tomada desde un teléfono móvil, una tableta o una cámara web.  -Fundación BBVA.

La vida es eso que pasa mientras te haces cientos de selfies. -Anónimo.

La historia: Bosco (Santiago Alverú), es un joven de la alta sociedad española que se queda en la calle y sin nada, tras ser encarcelado su padre que es un ministro del gobierno y que está acusado de más de veinte delitos económicos. Para recomponer su vida, primero acude a su novia y amigos que le rechazan y desprecian por culpa de su padre. Es entonces, cuando se le ocurre pedir ayuda a los grupos más a la izquierda política del país para que le acojan como una especie de desahuciado pijo en una insólita situación, que le llevará a conocer la otra cara de su propia moneda.



La crítica: El cineasta español Víctor García León ha dado la sorpresa en el pasado Festival de Cine en Español de Málaga y se ha llevado el Premio de la Crítica, además de la Mención Especial del Jurado por esta gamberrada cínica que se convierte en una acertada sátira de una parte muy importante de la sociedad española.

Y es que Selfie es una comedia con un ácido tono burlón hacia dos maneras tan distintas de entender la vida y la política como representan el Partido Popular en el gobierno y Podemos en la oposición. Pero lejos de tomar partido por nadie, García León carga contra todos en un lenguaje valiente y políticamente muy incorrecto.

La película es una ficción convencional, pero está rodada a modo de falso documental. Es decir, Bosco el protagonista de la historia, se dirige en muchos momentos a la cámara para ir explicando su situación personal, lo que hace aún mas divertida la situación aunque podría desconcertar al espectador más clásico.

Esta manera de hacer cine no es nueva y sin embargo se antoja completamente vanguardista en un panorama cinéfilo acostumbrado a tirar de remakes o de guiones adaptados de las novelas supuestamente más exitosas. Por eso, cualquier apuesta que se salga del guión establecido tiene todas las de ganar y Selfie es un claro ejemplo de ello. En su debe, habría que decir que el abuso de los tópicos puede resultar exagerado llegando a caricaturizar en exceso a los jóvenes españoles.

Volviendo un poco al argumento, Bosco representa al típico pijo (aburguesado), acostumbrado a una vida a todo lujo y a no dar un palo al agua. Todos los que antes le adulaban, le dan la espalda en un ejercicio muy típico de la hipocresía hispana. A partir de ese momento, Bosco se "infiltra" en el mundo de las Ong's, se hace participe de las causas más solidarias e incluso se aprovecha de una joven ciega enamorándola para poder seguir viviendo del cuento. Esta situación, retrata la picaresca latina e incluso nos lleva a recordar el clásico de El Lazarillo de Tormes adaptado al siglo XXI.


En el reparto hay que destacar el brillante debut de Santiago Alverú (Bosco), que además de actor, es cómico y periodista. Carga con todo el peso del cuerpo actoral en la pelicula y sería de justicia una nominación al mejor actor revelación en los próximos Premios Goya. Desde luego la transmutación que hace de ese niñato pijo y a la vez entrañable es asombrosa y verdaramente nos hace reir. Le acompaña con buena nota, - muy buena nota-, Macarena Sanz (Las Furias), en el papel tragicómico de Macarena que es la chica ciega que es perversamente enamorada por el "pieza" de Bosco. Una actriz que denota su calidad por su clara formación teatral. Y por último mencionar a Javier Carramiñana actor también con formación teatral, que hace el papel de enamorado de Macarena y que es la víctima perfecta para Bosco.

En conclusión, Selfie es la historia de un caradura abandonado a su suerte por todos los que antes le adoraban por su dinero y su posición social. Pero ante todo, la película es una buena comedia satírica que refleja de una manera bastante original, la polarización de la sociedad española expresada a través de los más jóvenes representados en los nuevos movimientos sociales. El cineasta Víctor García León no ceja en su empeño durante todo el metraje, de repartir ostias a izquierda y derecha en un trabajo valiente pero sobre todo divertido para el espectador. Le ha quedado un Selfie la mar de aprovechado que generará debate a la salida de los cines.

Nota: 7/10.

P.D.  Inspirado por mi amiga Elda, hoy voy a dejar cerrados los comentarios para dar un respiro a mis marcianos y marcianas preferidas que con tanto cariño comentan las reseñas. Es una iniciativa que quizás repita con otras críticas marcianas, pues comprendo que a veces puede resultar cansando comentar todas mis marcianadas. Eso si, ¡Os espero en la próxima! Muchas gracias.

Nacionalidad: España.
Dirección y guión:
Víctor García León.
Reparto: Santiago Alverú.
Macarena Sanz, Javier Carramiñana,
Pepe Ocio, Alicia Rubio.
Fotografía: Eva Diaz.
Duración: 85 minutos.
Estreno España: 23 de junio 2017.

martes, 20 de junio de 2017

Mientras ellas duermen (While the women are sleeping)


Todo lo que nos sucede, todo lo que hablamos, y nos es relatado, o entra por nuestros oídos o sale por nuestra lengua, ha de tener un destinatario fuera de nosotros mismos y a ese destinatario lo vamos seleccionando en función de lo que acontece, o nos dicen o bien decimos nosotros mismos.
-Javier Marías, extracto de la novela Todas las almas.

La historia: Kenji (Hidetoshi Nishijima) es un escritor en crisis que pasa unos días de vacaciones en la costa japonesa junto a su mujer Aya (Sayuri Oyamada). Es allí, cuando se fijan en una extraña pareja compuesta por un hombre bastante maduro y su jovencísima acompañante. Una noche en la que el escritor no puede dormir, se encuentra en la piscina del hotel con el misterioso señor mayor y le pregunta casi sin quererlo por la chica que le acompaña. Este sin dudarlo, le confiesa que es su novia y que la graba todas las noches en vídeo mientras ella duerme. Es entonces, cuando Kenji se obsesiona con la pareja y comienza a investigar el fondo de este desnaturalizado romance que le está llevando a recuperar su inspiración.


La crítica: El escritor español Javier Marías escribió en el año 1990 un impactante y poderoso relato en forma de cuento urbano con el mismo título de la película japonesa reseñada hoy. En el, nos narraba la historia de un matrimonio madrileño que coincidía con una desigual pareja de Barcelona en un complejo hotelero de la isla de Menorca. Pues bien, más de veinticinco años después ha sido el cineasta hongkonés Wayne Wang (Blue in the face), el que lo ha adaptado libremente consiguiendo hacer una obra de arte con elementos que el mismísimo Akira Kurosawa hubiera firmado.

Cinco días y cinco texturas diferentes, soportan el orden cronológico sobre el que descansa una narrativa limpia, lúcida y absolutamente perturbadora. La mirada masculina sobre la belleza de la mujer en su lado más sutil, pero también más retorcido, es de lo que nos habla Wang en un discurso sugerente, irreal por momentos, pero de una capacidad insólita para conectar con un lenguaje cinematográfico de un nivel superior a lo que habitualmente vemos en las pantallas mundiales.

Cinta de un metraje perfecto con 100 minutos que son más que suficientes para mostrarnos los extraños comportamientos del ser humano cuando se deja llevar por los instintos más primarios pero a la vez más sinceros. Todo pasa en la historia por la adoración idealizada, obsesiva y a veces disonante de un hombre egoísta al que no le importa su muy pronunciada diferencia de edad -más de 30 años- con su pareja, que no es más que una niña de poco más de 18 años que en principio se siente bien siendo objeto de adoración, hasta que se da cuenta de la toxicidad de esta relación.

La cinta nos habla de un vouyerismo limpio pero insano. Y es que el matrimonio compuesto por Kenji y Aya son los primeros que ejercen esta labor de mirones sobre la extraña pareja. Primero es la mujer del escritor la que fija su objetivo y después es Kenji el que se obsesiona de tal manera que incluso llega a entrar en la intimidad de la habitación de los desconocidos. La situación empieza a descontrolarse y cada personaje se enfrenta a sus vectores más ocultos con unas consecuencias imprevisibles para todos ellos pero sobre toda la joven. La historia evoluciona desde una situación inicial cotidiana de unas simples vacaciones, hasta convertirse en una narración de suspense con algunos tintes de buen cine negro.


El reparto está compuesto por los ya mencionados Hidetoshi Nishijima y Sayuri Oyamada con unas actuaciones convincentes y metódicas que van dando su personal forma a un matrimonio deshilachado, con el cual el director quiere mostrarnos su mirada sobre el porqué a veces (¿o siempre?) en el amor uno de los miembros quiere e idealiza más al otro, mientras la otra parte se limita a poseer y a dejarse querer. Por otra parte, está el hombre maduro interpretado con extraña gracia por el gran Takeshi Kitano (Ghost in the sell) y la brillante Shiori Kutsuna (Unforgiven) que es la fuente del pecado en una alegoría profana a la Eva bíblica.

En resumen, Mientras ellas duermen es una preciosidad de filmación que solo cuenta en su debe con un final abierto en el que los sueños, la realidad y los deseos se funden de una manera desigual impidiendo a la cinta convertirse en una obra maestra. Pero esto sin embargo, no impide que la historia este llena de una belleza hipnótica donde se mezclan con acierto, un sutil erotismo y un mensaje que nos habla de que los acuerdos en el amor a veces son inestables e inexistentes y otras en cambio son reforzados por factores externos inesperados y sorprendentes. En definitiva, un cine independiente de alto calado, que lastimosamente para el gran público solo se exhibe en el circuito de festivales o de las pocas salas de cine independiente que quedan en las grandes ciudades. Aún así, merece la pena esperar, buscar y tener paciencia infinita para volver a enamorarse del cine una vez más.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Japón.
Dirección: Wayne Wang.
Reparto: Hidetoshi Nishijima, Sayuri Oyamada,
Takeshi Kitano, Shiori Kutsuna.
Guión: Mami Sunada, Michael Ray,
Shinno Lee (historia Javier Marías).
Fotografía: Atsuhiro Nabeshijima.
Música: Youki Yamamoto.
Duración: 103 minutos.
Estreno Japón: 27/02/16.
Estreno España: 16/06/17.
Festivales: Sitges y Berlín.

miércoles, 14 de junio de 2017

El sueño de Gabrielle (Mal de pierres)


La historia: Gabrielle (Marion Cotillard), es una joven con las hormonas en plena ebullición y que además está afectada por una desestabilización emocional, que le está causando problemas con los hombres de la población en la que vive y por consiguiente con su familia. Cuando la situación empieza a ser insostenible en opinión de su madre, esta le propone un matrimonio de conveniencia para estabilizar su situación emocional o bien ingresarla en un centro psiquiátrico para que deje de ocasionar problemas. Ante la dramática situación propuesta por su madre, Gabrielle acepta casarse sin estar enamorada, pero advirtiendo a su futuro esposo que no piensa mantener relaciones sexuales con él en ningún momento de su convivencia.


La crítica: El sueño de Gabrielle es una preciosista cinta francesa que tiene como principal problema un halo de artificialidad impostada, que hace muy difícil integrarse en la historia sin pensar que estamos viendo una película en todo momento. Podríamos decir que solo se sostiene en pie por una actuación muy importante de Marión Cotillard y que sin ella, el largometraje se caería de un soplido como un castillo de naipes. De hecho, es un souflé galo que aún desinflándose, deja momentos de una belleza indudable pero que se siente como una lastimosa oportunidad perdida.

La cinta está basada en la novela del año 2008, 'Mal de piedras' de la autora italiana Milena Agus que se saldó con un moderado éxito en el país transalpino. El título hace referencia a la enfermedad renal que padece Gabrielle y que le impide engendrar descendencia. En el lenguaje coloquial, a esta enfermedad de cálculos renales se la conoce como piedras en el riñón. Por cierto, no se que puede pasar por la cabeza de un autor, para titular una novela con el horrendo título de Mal de piedras -en francés Mal de pierres- cuando además no es la clave de la historia ni de cerca. Por una vez y sin que sirva de precedente, comprendo a los traductores en España. Evidentemente, si traducen este título literalmente por 'Piedras en el riñón' no hubiera ido al cine ni el dueño de la sala. Sin embargo, cómo cambia la cosa si la cinta es titulada de una forma tan bella como 'El sueño de Gabrielle'; la verdad no hay color. Y dicho esto y para contradecirme marcianamente, este título es una estafa porque no se corresponde con la realidad ni de la autora italiana, ni con la de la cineasta francésa Nicole Garcia que quiso respetar la opción del título que libremente eligió Milena Agus por mala que esta fuera en mi opinión.

Volviendo a la película en sí, la historia está desarrollada temporalmente a finales de la segunda guerra mundial y geográficamente situada en la espectacular campiña francesa. En este contexto, es donde nos encontramos a Gabrielle con una sexualidad desbordada y en la búsqueda a su vez de un amor romántico al que no consigue ponerle cara. Tras contraer matrimonio, ciertamente se estabiliza pero no es feliz. El marido además es un hombre sombrío, callado y que no le aporta calidez. En un momento de la trama, Gabrielle se da cuenta que su marido está frecuentando a prostitutas y pagando 200 francos por cada encuentro. Desesperada por las infidelidades -en principio consentidas- le propone la extravagante formula a su marido, de que le pague a ella los 200 francos en vez de a las prostitutas y llegan a un acuerdo para sostener la economía familiar. Aunque Gabrielle está empezando a sentir algo por su marido, esta manera tóxica de relacionarse está empezando a desestabilizarla de nuevo.

A partir de ahí, sufre un aborto por sus cálculos renales y decide, o deciden por ella, ingresarla en un balneario para curar su enfermedad. Es allí, en soledad, donde conoce a un atractivo soldado herido y cuando se enamora realmente por primera vez. Es entoces, cuando arranca el verdadero conflicto sentimental narrativo de la película del que no haré spoiler y cuando conocemos la verdadera historia de Gabrielle......

Y la pregunta es, ¿cómo es posible que con una buena historia, una excelente ambientación y una actriz en su mejor momento, la película se aproxime a ser un naufragio triste y desolador?

Pues así es el cine y hay un buen puñado de razones para argumentar el porqué este sueño de Gabrielle se convierte en solo un sueño de lo que pudo haber sido y nunca fue. Uno de los errores es el parsimonioso, lento y desesperante desarrollo que convierten sus 126 minutos de metraje en algo que parecen ser 226 minutos inacabables y profundamente extensos. Otro de los problemas surge cuando la identidad de la cinta se aproxima más a la factura técnica de un telefilme o directamente se entronca con la manera de narrar de las telenovelas más simples. Por último y entre otros problemas, cabe destacar la mala utilización del recurso narrativo de los sueños o de la locura, para contar historias que nunca sucedieron en la realidad.


Aún con todo lo expuesto anteriormente, es una brillantísima y seductora Marion Cotillard (Aliados), la que sostiene toda la película y la salva por los pelos del naufragio total. Su actuación es sutil, contenida, suave y con una excelente vocalización de su lengua madre, que hace imprescindible el visionado de la película en versión original francesa, ya que cualquier otra opción es una pérdida de tiempo y de dinero. La acompaña en el reparto Àlex Brendemühl (Truman) en un papel tan frío y seco como su personaje, lo cual no se ciertamente si es bueno o todo lo contrario. El que no deja dudas es el actor galo Louis Garrel (The Dreamers), en el convincente papel del soldado herido del que se enamora Gabrielle en su estancia en el balneario. Cabe destacar la fuerte química que se establece en pantalla entre Cotillard y Garrel, con alguna escena subida de tono en las que ambos saben explotar su magnetismo físico.

En la parte técnica de la cinta, sobresale además de su buena música y fotografía, un privilegiado diseño de vestuario, que hacen que Marion Cotillard este perfectamente "mal" vestida o bien vestida desde la primera, hasta la última toma de la cinta. El vestuario diseñado para los campesinos o el personal del balneario es también de una elección inmejorable.

Por toda esta parte técnica reseñada, la gran actuación de la actriz francesa y la buena premisa de salida de la historia, es una verdadera lástima que la película se convierta en un sucedáneo de cine, que se aproxima más al cartón-piedra que a una producción profesional y con una narrativa medianamente aceptable. Por lo tanto, El sueño de Gabrielle es una profunda decepción, si hablamos de pureza en el cine, aunque tiene tantos aspectos positivos que extrañamente la convierten en una bonita mala película.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Francia.
Dirección: Nicole Garcia.
Reparto: Marion Cotillard, Louis Garrel,
Àlex Brendemühl, Victoire Du Bois.
Guión: Jacques Fieschi, Nicole Garcia.
Música: Daniel Perbenton.
Fotografía: Christophe Beaucarne.
Duración: 126 minutos.
Estreno Francia: 19/10/16.
Estreno España: 9/6/17.


viernes, 9 de junio de 2017

¡Qué maravilloso es el cine! Los santos inocentes


Mientras, Azarías arriba, mascaba salivilla y reía bobamente al cielo, a la nada, milana bonita, milana bonita, repetía mecánicamente. -Miguel Delibes, Los santos inocentes.

Brutal, seco, sorprendente y descorazonador drama rural que convulsionó la historia de la cinematografía española en el año 1984. A finales del mes de mayo de ese mismo año, saltaba la noticia en todos los medios de comunicación de España, en la que se comunicaba que Alfredo Landa y Francisco Rabal habían obtenido exequo el galardón a la mejor interpretación masculina en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Su trabajo en Los santos inocentes interpretando a Paco el bajo y Azarías se imponía a actores de la talla de Marcello Mastroianni, Michael York o Anthony Hopkins. Cuando Paco Rabal subió a recoger su parte del premio, inmortalizó entre susurros su mítica frase por la que es recordada la película, "milana bonita, milana bonita".


El escritor español Miguel Delibes firmó en el año 1981 una de sus mejores novelas, siendo adaptada al cine, tres años después por el cineasta Mario Camus que probablemente realizó la mejor película de toda su carrera. Se habla continuamente de que las adaptaciones cinematográficas de las novelas a la gran pantalla dejan bastante que desear, pues bien, en este caso, la película es tan grande, que quizás esté por encima de la propia obra literaria en un hecho pocas veces visto en el cine.

Los santos inocentes es un retrato descarnado de la España negra de los años 60, en el que algunos comportamientos se asemejan más al medievo que a una situación vivida en pleno siglo XX. La historia nos cuenta la vida de un matrimonio de campesinos y sus hijos, que​ trabajan en un cortijo de Extremadura a la orden de unos latinfundistas de la época. Estos últimos tratan a sus trabajadores como si fueran animales, con el objetivo de despersonalizarlos y utilizando el miedo como arma de control de los mismos.

Realmente la película es un tratado o una tesis doctoral sobre la lucha de clases o más bien sobre la diferencia de clases, pues lucha no hay ninguna. Básicamente, es un retrato sobre el abuso de poder y la capacidad del ser humano para ser ser humillado sin protestar e incluso con cierto agrado por algunos de sus personajes. La relación sadomasoquista establecida por algunos habitantes de la finca en los roles esclavo/señor, dan un juego tanto literario como cinematográfico de primer nivel. Esto es lo que convierte a mi parecer, tanto a la novela como a la película en dos obras magistrales que aunan una expresividad y un dialogo narrativo para conseguir la excelencia en ambas miradas.

Pero la mejor manera para conocer la película o parte de ella, es a través de sus personajes y las implicaciones que cada uno de ellos llevan en los arquetipos sociales de la época. De hecho, la cinta está presentada por capítulos y cada uno de ellos llevan el nombre de un personaje de la trama. Vayamos con ello entonces.


Paco, el bajo.

Es el personaje principal de la novela y de la película. Representa la humillacion sin limites en el género humano. Es capaz de arrastrarse como un perro para buscar las presas cazadas por Iván, el señorito que viene a cazar a la finca. Padre y esposo fiel, su vida consiste en sacar adelante la parte del cortijo que tiene encomendada como guardés de la finca. Su relación con el señorito, es de máxima fidelidad hacia él, desde que este era un crío y ya destacaba en la caza de aves. Realmente podríamos hablar de una relación de miedo, admiración y a la vez puro masoquismo. La culminación de este personaje nos llega, cuando tras romperse la rótula y estar escayolado, el señorito Iván le pide que aún en ese estado, le acompañe a cazar y le obliga a recoger las presas con la escayola incluida. Paco el bajo, acepta debatiéndose entre el miedo y la sumisión, y naturalmente su lesión empeora y queda cojo para el resto de sus días. Alfredo Landa, realizó en mi opinión el mejor trabajo de su carrera, en una nueva etapa donde dejó atrás el tan denostado "landismo" por la crítica.


Azarías.

Segundo personaje principal de la historia. Es el hermano de la mujer de Paco y es acogido por la familia tras ser despedido de otra finca colindante por sus comportamientos escatológicos. Afectado por un retraso mental, personifica la inocencia y a la vez la venganza en el comportamiento humano. Amante incondicional de las aves, se dedica en sus ratos libres a criar pequeñas aves, entre las que destaca una pequeña milana con la que establece una relación de afecto padre hija. En la parte final y sin desvelar nada por si alguien no ha visto la producción, se produce el clímax de la cinta que nos habla de duelo y venganza. Sólo quiero comentar, que visioné esta película por primera vez cuando tenía 8 años y fue la primera vez que escuché estallar una sala de cine en aplausos cuando Azarías lleva a cabo un siniestro plan. Francisco Rabal, probablemente, también realizó su mejor trabajo en el cine con este entrañable papel que le catapultó a la fama en España.


El señorito Iván.

Representa la élite social en el peor sentido de este término. Uno de los personajes que mejor ha representado el egoísmo en la historia del cine español. Suele pasar temporadas en la finca para cazar y de paso para encontrarse en escapadas amorosas con la mujer de uno de sus "amigos" en el latifundio. Cruel, aprovechado, insensible, ególatra y un sinfín más de adjetivos que definen una personalidad al borde de la psicopatía. Juan Diego, es el encargado de ponerse en la piel del señorito Iván, en una actuación absolutamente sobresaliente. Desde entonces, sigo todas sus películas.


La Régula.

Es la esposa de Paco el bajo y la hermana de Azarías. Tan entregada a la servidumbre y a la humillación como su marido. Sus frases lo dicen todo: "A mandar" u "Oir, ver y callar", toda una filosofía de vida por llamarlo de alguna manera. Su mayor deseo es que sus hijos tengan unos estudios para que no tengan que servir más en el cortijo. La interpretación de Terele Pavez, genial y contenida. Aún la vemos en la gran pantalla, con grandes interpretaciones como en la última pelicula de Álex de la Iglesia (El bar).



Gráfico de Ramón López Moreno

Nieves, Quirce y la niña chica.

Son los hijos de Paco el bajo y de Régula. Nieves desea estudiar, pero pronto la reclaman para que sirva en la casa de los administradores del cortijo. Quirce es un joven muy reservado y que sustituye a su padre en la ayuda del señorito Ivan, cuando la pierna de su progenitor no da más de si. Y la niña chica es la hija menor de la familia y esta paralizada por una extraña enfermedad. Sus gritos son desgarradores en pantalla. El resto de personajes destacados serian la marquesa, su hija y el administrador de la finca y su mujer, interpretados con gran verosimilitud por Agustín González y Ágata Lys que tienen una relación de amor odio o más bien de odio/odio.


En conclusión, Los santos inocentes es un descarnado, cruel y hábil retrato sobre las relaciones que se establecen en un latifundio rural, que podría considerarse un pequeño tratado sociológico sobre estas relaciones de trabajo, donde el rango social prevalece sobre cualquier otro aspecto humano. De hecho la historia es una denuncia contra el anti-humanismo y un grito por la igualdad de las clases sociales. Pero por encima de cualquier mensaje, lo más importante para el cine en este caso, es la grandísima película que dejó para la historia de la cinematografía española y universal, el cineasta cántabro Mario Camus.

A continuación, un fragmento de Los Santos Inocentes, España, 1984.



lunes, 5 de junio de 2017

Como la espuma


¿Qué es lo peor que puede pasar si retomamos nuestra historia de amor después de diez años?

_Caos, lágrimas, destrucción.....

_¿Y qué pasa por eso? Nosotros somos adictos al drama, no tenemos miedo a nada.

-Fragmento de 'Como la espuma'.

La historia: Milo (Carlo D'Ursi) se ha quedado postrado en una silla de ruedas tras un accidente y su mejor amigo Gus (Nacho San José), decide montarle una espectacular fiesta de cumpleaños, en el chalet con piscina donde reside. Tras mensajear a una amiga con la leyenda: "after, piscina y orgía" y después de una serie de confusiones, los aproximadamente 50 invitados se lo toman al pie de la letra, convirtiendo la fiesta en una orgía sexual y actuando en consecuencia. Tras unos primeros compases iniciales de sexo desenfrenado por toda la casa, los reencuentros casuales de algunas personas hacen que los sentimientos empiecen a florecer, dejando el sexo en un segundo plano y dando paso a los conflictos sentimentales y al nacimiento de nuevos amores.


La crítica: El cineasta español Roberto Pérez Toledo consigue un nuevo milagro al levantar su cuarta película independiente, en una cinematografía como la española perseguida impúnemente por un gobierno que castiga con un desproporcionado IVA cultural del 21%, -no ya a los profesionales-, sino a los espectadores que pasan por taquilla y que no son responsables de la polarización de algunos sectores del cine español. El famoso 'No a la guerra' de Iraq de los actores en 2003, es el responsable de está venganza rencorosa, larga e injustificable, que seguimos padeciendo los espectadores españoles aunque vayamos a ver una película americana.

'Como la espuma' es una comedia que está inteligéntemente presentada por capítulos, pero sin perder la continuidad. Sus nombres son totalmente gráficos y por orden serían los siguientes: Lo suficiente para romper el hielo, Besos y Orgías, Incontrolable, Adictos al drama, El cañón y La hora de los desesperados. En cada uno de ellos, vamos conociendo a unos personajes, que guardan un denominador común y es que acuden a la orgía para romper su soledad y con el sexo como excusa para encontrar el amor.

La película nace con el problema de que en la primera media hora es demasiado teatral. El cineasta opta por dejarla cruda y sin música en este primer segmento, por ello, puede costar trabajo meterse en la trama inicialmente. Pero todo cambia a partir del minuto 30 en una gran conversación de una una joven pareja que se conoce y con la aparición por fin de la música de fondo que no siempre es necesaria, pero que en una comedia se siente imprescindible. Es en ese momento, cuando Jorge y Elisa hablan del significado de un beso, de un beso de amor. Y es que con un beso no se puede engañar, los besos son de verdad y las orgías no. De hecho, en las orgías sus componentes no se besan, solo follan.

En 'Como la espuma' lo más sorprendente son las cargas de profundidad de sus personajes y la soledad infinita que sienten. Matrimonios a punto de romperse, descubrimientos de homosexualidades reprimidas, gigolos con fondo de ositos de peluches y en definitiva, una cinta en que los diálogos se van imponiendo al sexo como en la vida misma. Y es que después de la primera atracción sexual que es imprescindible para que una pareja conecte, habrá que hablar de algo, al menos entre polvo y polvo.....digo yo.


El reparto es muy extenso al tratarse de una comedia coral. Como mínimo, podríamos hablar de hasta 15 personajes más o menos principales, por lo que solo destacaré lo mejor del reparto, aunque en general todos cumplen con les que les pide el director. El argumento está desarrollado sobre Gus que es el organizador de la fiesta interpretado con gracia y acierto por Nacho San José (Legionario). La canaria Sara Sálamo (Tres 60) aparece tan atractiva como siempre, en un papel fantástico con golpes llenos de gracia. 

Y quizás junto a San José y Sálamo, lo mejor de la película sea el matrimonio que se presenta en la orgía con el afán de arreglar sus problemas y que está compuesto por los actores Pepe Ocio y María Cotiello que están para comérselos, realmente brillantes. En las siguientes fotografías les pondremos "cara".


Sara Sálamo

Pepe Ocio

María Cotiello

En conclusión, 'Como la espuma' es una propuesta que empieza como una pequeña broma y poco a poco y siempre in crescendo, consigue hablarnos de una manera eficaz del difícil comportamiento humano. Es más, el mensaje final que nos presenta, es dulce pero a la vez tremendamente duro. Personalmente me transmitió los recuerdos del primer amor o incluso del amor verdadero, que algunas personas piensan que solo sucede una vez en la vida. Quizás el resto de nuestras vidas, solo tratemos de intentar que alguien nos haga sentir igual que la primera persona de la que nos enamoramos.

Nota: 7.5/10.

Nacionalidad: España.
Director: Roberto Pérez Toledo.
Reparto: Nacho San José, Carlo D'Ursi,
Sara Sálamo, Pepe Ocio,  María Cotiello.
Daniel Muriel, Diego Martinez, Elisa Matilla
Sergio Torrico, Javier Ballesteros.
Fotografía: José Martín Rosete.
Música: Alejandro Ventura.
Duración: 93 minutos.
Estreno España: 2/01/17.

jueves, 1 de junio de 2017

Richard, la cigüeña (Richard the Stork/Una cigüeña en apuros/Überflieger)


La historia: Richard es un gorrión huérfano que ha sido adoptado por una familia de cigüeñas. El simpático polluelo se ha olvidado que es de otra especie y ahora está convencido que es una cigueña como sus padres adoptivos y su hermano. El problema surge cuando llega el invierno y la manada tiene que iniciar el proceso migratorio desde el centro de Europa hasta el continente africano. Es entonces, cuando Richard quiere demostrar a todos que a pesar de su minúsculo tamaño, él no es un gorrión sino una cigüeña dispuesta a volar hasta África para demostrar su valía.


La crítica: Toby Genkel y Reza Memari codirigen esta armoniosa coproducción centro-europea en la que están involucrados Luxemburgo, Austria, Alemania y Noruega demostrando una máxima colaboración para coordinarse y trabajar en equipo. Y es curioso, pues podría tomarse como una analogía del trabajo en grupo que realizan las cigüeñas cuando se trata de las migraciones anuales que las caracterizan.

Pero además de trabajo, de lo que se trata a la hora de afrontar un proyecto cinematográfico es que se obtenga un producto que sea artísticamente reconocible. Y desde luego, en la parte técnica de animación, la película es de una belleza más que notable. Ya se puede dar por acabada la era en que Disney y posteriormente Pixar guardaban el monopolio del lucimiento digital en pantalla. Hoy en día las técnicas animadas mediante ordenador están al alcance de cualquier estudio o productora relativamente pequeña.

En la parte puramente artística, nos encontramos ante una película de animación clásica en la que los buenos sentimientos preponderan, aunque abusando en cierta manera de buscar la lágrima por encima de encontrar algo más de profundidad en la historia narrada. Por otra parte, los niños disfrutarán a lo grande con los toques de humor y las aventuras de Richard, en una cinta muy infantilizada que por otra parte es de lo que se trata en esta ocasión.

Richard la cigüeña, es una clara road movie en un bellísimo viaje animado que nos pasea por Francia, nos lleva hasta San Remo en Italia, cruzamos el estrecho hasta Tanger para finalizar en la parte más cálida de África pero omitiré cuantos y quienes de los personajes consiguen la soñada odisea anual. El mensaje claro de la historia nos habla casi en exclusiva de superación personal y de vínculos familiares y lo hace a través de los personajes que son los que siguen a continuación.


Richard

Nuestro protagonista principal y maestro de ceremonias es la ingenuidad en primera persona. Se conocen casos verídicos de animales que fueron adoptados por otros de distintas especies, aunque evidente la película no busca dar visos de realidad a lo que presenciamos con este gorrión empeñado en ser una cigüeña. La lucha de Richard es simplemente obtener el reconocimiento de su familia adoptiva y ser querido como un miembro más. En una segunda lectura podríamos hablar de la aceptación del distinto y de superación personal ante las adversidades vitales. Este jovial gorrión es inocente, un poco tontuelo, pero con la ternura como principal característica.

Olga, la buho pigmeo

Olga es el personaje con más matices de la propuesta. Ella representa la soledad y de hecho tiene que recurrir a Oleg que es un amigo imaginario con el que habla recurrentemente. Cuando encuentra a Richard perdido en el bosque, decide ayudarlo y emprender con el el viaje hasta África en busca de su familia. Esta buho es simpática, comilona, locuela y necesita ayuda para superar sus traumas. En el viaje junto a al gorrión encontrará su liberación.

Kiki, el periquito cantante

Este pajarraco es un oportunista que se une al viaje tras escaparse de un local- karaoke donde le tenían encerrado para diversión del público más morboso. Es egoísta, pretencioso y va evolucionando durante el viaje, aprendiendo que en la comprensión hacia los demás esta la mayor virtud. Deja algunos puntos de humor con cierta acidez.


En conclusión, Richard la cigüeña es una propuesta ágil, directa y entretenida pero que no dejará una huella duradera en las películas de animación. Más bien, se trata de un espectáculo destinado al público infantil para que pasen una agradable tarde de cine. Lo mejor sin duda, es una espectacular banda sonora compuesta por Èric Neveux e interpretada magistralmente por la Orquesta Filarmónica de Bruselas.

Nota: 7/10.

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La vida de Calabacín

Ballerina

Inside Out

Nacionalidad: Luxemburgo,
Austria, Noruega, Alemania.
Dirección: Toby Genkel y Reza Memari.
Guión: Reza Memari.
Música: Èric Neveux.
Duración: 85 minutos.
Estreno Alemania: 11/05/17.
Estreno España: 12/05/17.
Estreno México: 12/05/17.