jueves, 20 de abril de 2017

¡Qué maravilloso es el cine! Sospecha


Lo que él no sabría es que este retrato les acompañaría el resto de sus vidas, al menos, mientras estén juntos y vivos… - Eme.

Por Emerencia Joseme & Miguel Pina. 

Lina (Joan Fontaine), es una atractiva pero introvertida joven de la alta burguesía británica, que absorbida por la estricta educación que ha recibido de sus padres se limita a seguirles la corriente y a guardar las buenas formas de una cerrada sociedad.

Cuando aparece en su vida, un locuaz vividor llamado Johnnie (Cary Grant), cae rendidamente enamorada de él y contraen matrimonio clandestinamente para evitar la oposición de sus padres. Tras una luna de miel visitando Nápoles, Capri y París, Lina descubre que Johnnie está arruinado y empieza a sospechar que su marido la ha conquistado por sus recursos económicos y por la posibilidad de hacerse con la herencia que ella reciba. La sombra de la duda, comienza a envenenar la relación.


En 1941, Alfred Hitchcock y Cary Grant unieron por primera vez sus carreras en una adaptación de la novela 'Before the Fact' del escritor británico Anthony Berkeley Cox. Como es norma el maestro del suspense, nos regala una presentación riquísima en matices aunque un tanto ingenua. Nos presenta a Lina que es una recatada señorita que viaja sola en un vagón de primera clase de un tren. Ella es una ávida lectora con lentes y un elegante sombrero alado. Tiene en sus manos un libro de psicología. Jhonnie acaba de sentarse frente a ella, seductor, la mira desde los tobillos hasta el sombrero, podría decir que se la come con la mirada. Lina recuerda que su cara la ha visto en alguna parte, y cae, claro es porque está en el periódico. Ese guapo galán que tiene frente a ella es conocido y él no le quita ojo de encima. Ese recorte del periódico lo guardaría en su libro, sería el inicio de su relación. La soltería de la inteligente Lina ha llegado a su fin. 

Y para Jhonnie es otra manera de seguir disfrutando de su vida de empeño. Es adicto a las carreras de caballos y vive del cuento, literalmente. Se inventa mil argucias para seguir adelante. Gana con la misma alegría que pierde. Es el tipo de jugador que no da "palo al agua" pero que cualquier estrategia será buena para conseguir dinero y seguir jugando. Y Lina puede que sea su próximo plan. Él no dudará en vender cualquier cosa, aunque signifique mucho más que el valor que tenga el objeto. No tiene sensibilidad para ello. "Porque él es un truhán, es un señor, ama la vida, ama el amor, toma de todo un poco y de cada una saca el mejor partido." 

La película evoluciona de una manera asombrosa desde una ingenua comedia romántica, hasta convertirse poco a poco, en un intenso thriller de suspense. La génesis del conflicto narrativo surge cuando la virginal Lina, empieza a sospechar que su marido está dispuesto a llegar hasta las últimas consecuencias para hacerse con la herencia familiar. En esos momentos cualquier cosa puede tambalear la relación. El enamoramiento más dulce puede agriarse por un aditivo añadido y medido a tiempo. Hay indicios de que Jhonnie pueda llegar a ser un asesino por su extrema ambición. La sospecha empieza a herir a Lina.... ¿Acaso él es verdaderamente culpable de esta situación? ¿Puede que ella sea su próxima víctima? ¿O acaso es todo una paranoia de ella? Esto es lo maravilloso del cine de Hitchcock, es decir, la interpelación directa con el espectador, al que convierte en una marioneta de sus juegos malabares.


Unos jovencísimos y encantadores Cary Grant y Joan Fontaine son los protagonistas absolutos del reparto. Son esos rostros inolvidables llenos de matices y expresiones que envuelven unos primeros planos en blanco y negro. Unas caras elegantes y sutiles, con una aguda y fina forma de arquear la mirada. Y la nuestra, la mirada me refiero, no se pierde en otros detalles, la pantalla está llena con dos mitos del séptimo arte. Su presencia es constante, robando los primeros, segundos y terceros planos. Del resto del reparto, solo destacaría a un viejo amigo de Jhonnie, llamado Beaky (Nigel Bruce), que representa la inocente complicidad en las artimañas de este personaje tan siniestramente encantador que Hitchcock concedió a Cary Grant.

En cuanto a premios, Joan Fontaine fue galardonada con el Oscar de la Academia por esta interpretación. La música un tanto excesiva de Franz Waxman, mereció la nominación, pero no el más alto galardón de la industria de Hollywood. Otro aspecto a destacar es un conseguido vestuario de época, unos interiores de estilo georgiano y el uso de unos vehículos con puertas a favor del viento, que en la épica escena del precipicio cobrarán una importancia singular.

Pero por encima de otras consideraciones, 'Sospecha' es sobre todo un viaje hasta la duda que habita en el interior humano. Hay una frase de Lina en la que dice: <<Estoy segura que hallarás la manera de justificarte a ti mismo y explicarselo a los demás>>, cuando es en realidad ella la que está justificándose continuamente y dudando de su primer amor. Pero no es ella la que duda sola, Hitchcock nos lleva en una controvertida y debatible parte final, a dudar junto a él, en un final sorprendente y desconcertante que hacen de la película un inteligente vehiculo que merece un segundo visionado para comprender toda la composición de la historia. A fin de cuentas, con cineastas como Alfred Hitchcock, se puede decir sin dudar eso de ¡Qué maravilloso es el cine!


Nota final: Este texto está elaborado en común con Emerencia Joseme que es escritora y autora del magnífico blog viajero y literario Viaje y Fotos. Allí, nos narra sus experiencias viajeras, además de regalarnos sus aterciopeladas letras en unos relatos literarios de primer nivel. Es la segunda colaboración en Cine y críticas marcianas, tras Inside Out con Mane Lander, y la experiencia ha sido todo un regalo de letras y cine. Os dejo con unas palabras de Emerencia que ha querido dedicar a todos los asiduos a este espacio marciano:  

"Acudir a la pantalla, aunque sea de la tele, y recuperar esta película del 1941 ha sido toda una experiencia. Gracias Miguel por invitarme a verla y formar parte por un día de este estupendo blog de reseñas cinematográficas que tienes y que cuidas con tanto esmero. Me siento, así como… importante por un día con la magia del cine. Y sobre todo, he tenido la oportunidad de admirar este maravilloso trabajo de interpretación actoral. Una película que se centra en estos dos personajes y son ellos los que te cuentan la historia, pero lo hacen al oído, de una forma cauta, para que no te sorprendas de pronto. La sorpresa y la sospecha están dosificadas. Ya se encarga Lina de dártela a sorbitos. Y aquí me despido. Un abrazo para todos."









domingo, 16 de abril de 2017

La gran ola


La pregunta no es si va a haber o no un tsunami, la pregunta es, ¿cuándo va a ocurrir el próximo tsunami? - Begoña Pérez, Jefe de Oceanografía de Puertos de España.

La historia: El 1 de noviembre de 1755, se produjo el histórico y devastador terremoto de Lisboa con una estimación de entre 8'5 y 9 grados en la escala de Ritcher. Su epicentro tuvo lugar a unos 250 kilómetros de la costa portuguesa y al poco tiempo de producirse el evento, una enorme ola arrasó la capital lisboeta causando entre 50.000 y 100.000 muertos según las estimaciones medias. Parte de este maremoto gigante, llegó a las costas españolas de Cádiz y Huelva, causando numerosos destrozos materiales y llevándose por delante unas 2200 vidas humanas aproximadamente.

Doscientos sesenta años después del trágico suceso, el peligro de que vuelva a repetirse el evento, aumenta de manera exponencial. ¿Estamos preparados para afrontar está situación?. La película documental recoge los testimonios de diferentes especialistas en la materia y nos pone en situación de una realidad muy desconocida en el sur de Europa, que podría llevar a una crisis económica y moral devastadora.


La crítica: El documentalista español Fernando Arroyo (Islamar III. Herida abierta), dirige con poderosa fuerza narrativa este largometraje documental, que deja en evidencia a la clase política española y portuguesa, por su incapacidad para desarrollar unas mínimas medidas preventivas para preparar a la población de cara a un evento sismográfico. Y es que antes o después se repetirá según los ciclos geológicos de nuestra corteza terrestre. ¿Pero alguién se piensa que preparar una correcta red de alertas de tsunamis en las costas españolas y portuguesas puede generar algún voto? Mientras eso siga sin cambiar, los políticos a lo suyo?? y los demás mirando para otro lado. Ya se sabe que en España y otros lugares del mundo, las medidas se toman cuando los desastres han sucedido, antes ¿Para qué?.....¡Vergüenza de género humano!

¿Alarmismo? ¿Exageración? ¿Broma de mal gusto? Veamos. La película se basa en una serie de entrevistas a sismologos, profesores y autoridades en la materia, para hacernos ver que el peligro de que el maremoto de Lisboa se vuelva a repetir es solo cuestión de tiempo. Según un informe de la Fundación Mapfre se estima un potencial peligro de pérdidas humanas de hasta 112.000 personas según sea la fuerza de la ola. Es decir que bromas las justas. A la vez que se van sucediendo estos testimonios, se intercalan gráficos sismológicos explicando los procesos. Un software de alerta creado por un grupo de trabajo de la Universidad de Málaga, ha sido comprado por las autoridades de los Estados Unidos y por algún país europeo. En España mientras, parece que las distintas administraciones publicas se lo están pensado. Esto si es una broma pesada.

Además de los testimonios y gráficos presenciados en pantalla, se intercalan unas bellísimas imágenes en alta definición de las costas peninsulares, que sirven como descanso a la cantidad de información otorgada en la filmación. Quizás este exceso de datos, hagan un tanto dificultosa la comprensión de la propuesta, siendo esta la única pega que cabe poner al documental. Volviendo a la belleza, sobrevolamos Cadiz, Huelva, Punta Umbria, Vilamoura, los acantilados portugueses y el mítico cabo de San Vicente con su imponente faro sobre el Atlántico mirando hacia las Américas.


Otra cuestión bastante interesante, es el porqué muchos nos estamos enterando hoy de este peligro real que acecha a las costas hispano portuguesas. Pues bien, seamos claros. En España, el sector turístico es una de las principales fuentes de ingresos del país, repercutiendo esto en buen porcentaje del PIB español. Esto, más las presiones del lobby turístico patrio, hacen que está problemática no tenga ninguna repercusión. La gallina de los huevos de oro, se podría romper, si se corre la voz del peligro sísmico de la costa y sus consecuencias.  Además, ¿que suponen 100.000 personas más o menos en un país? Menudencias, con eso bajaría el paro. Lo que no están suponiendo los lobbys y las autoridades que miran para otro lado, es que el impacto para la economía de un Tsunami, sin haber tomado las medidas oportunas de creación de una buena red de alertas, quebraría la economia del pais y la del sector turístico en si. Es duro decir esto, pero así funcionan las cosas hasta que suceden y ya no hay remedio.

Según los datos que se muestran en la película, la ola y las posteriores que se formarán, podrían tener en Cadiz una altura de entre diez y quince metros como ya sucediera en el maremoto de 1755. Esta población, por su conformación en forma de isla y conectada por un estrecho istmo a la península, podría convertirse en una auténtica ratonera para sus habitantes. Para ello, en esta, como en otras ciudades, se recomienda en caso de tsunami no huir en vehículo a motor, siendo la mejor manera de protegerse la evacuación horizontal hacia los edificios más altos de las ciudades. Estas mínimas recomendaciones de seguridad, también son desconocidas por muchos ciudadanos y con ello se podrían salvar numerosas vidas en el caso de que el evento sucediese. No sabemos cuando sucederá y de momento no se puede prevenir técnicamente. Los plazos estimados indican que puede suceder en cualquier momento y casi con toda seguridad antes de 200 años. Pero como ya no estaremos aquí, en las estimaciones más lejanas, pues que más da. Ya se ocuparan otros de arreglarlo....

María Belón es una de las personas entrevistadas en la cinta, ella es la protagonista real en la que está basada la película Lo Imposible, del antes reputado director José Antonio Bayona. Por cierto, que ahora el niño mimado del cine español se ha vendido tristemente a lo peor de Hollywood y va a dirigir la secuela de la precuela o como se diga de Jurassic Park, es decir Jurassic World 2. Una pena, pero ya en la infumable Un monstruo viene a verme apuntaba maneras a convertirse en un cineasta al borde del precipicio. Allá cada uno con su carrera.

Otras voces destacadas que aparecen en pantalla, son las de Emilio Carreño (Jefe de la Red Sísmica del Instituto Geográfico Nacional) y que es uno de los encargados de desarrollar el sistema básico de alertas y que a pesar de su buen trabajo, otras voces señalan que el sistema implantado en España es muy superficial y sin la educación ciudadana y unos planes estatales para ello, de no mucho servirían.

Además aparecen, el colombiano Mauricio González (Experto en red de alertas de tsunami), Antonio Pazos (Jefe de Sismología del Real Observatorio de la Armada de San Fernando), Juan Antonio Aparicio (Presidente del Instituto Español para la Reducción de los Desastres), o Vicenta María Elisa Buforn (Catedrática de la Física de la Tierra, de la Universidad Complutense de Madrid).

Para concluir, hay que aclarar que la película documental se estrenó en el cada vez más importante Festival de Cine Español de Málaga y que su paso en los cines comerciales está siendo muy restringido y circuscribiendose a las salas de arte y ensayo o de cine independiente que aún quedan en España. Otra opción para verla, será cuando salga en DVD o en las plataformas en línea autorizadas para ello. No quiero concluir, sin destacar dos cosas, la primera es un enlace al quid del problema que es la Falla de Azores-Gibraltar y la segunda un enlace a la histórica ciudad arqueológica romana de Baelo Claudia en Cádiz, que he tenido la oportunidad personal de visitar y que sale en la película con la teoría de que pudo ser afectada por un tsunami. En conclusión, un documento imprescindible en la búsqueda del conocimiento.

Nota: 8.5/10.

Nacionalidad: España.
Dirección: Fernando Arroyo.
Música: Pablo Cervantes.
Fotografía: Antonio Galisteo.
Narración: Antonio Fernández.
Duración: 71 minutos.
Estreno España: 24/03/2017.



miércoles, 12 de abril de 2017

Nieve Negra


Las inclemencias del tiempo pueden destruir una casa, pero solo el hombre puede destruir un hogar. - René O. Galarza.

La historia: Marcos (Leonardo Sbaraglia) regresa a Argentina junto a su esposa Laura (Laia Costa), para despedir a su padre y gestionar la herencia que ha dejado para sus tres hijos. El mismo Marcos y su hermana Sabrina (Dolores Fonzi), están de acuerdo en aceptar una oferta de 9 millones de dólares por un aserradero y una cabaña donde reside su hermano Salvador (Ricardo Darín). Este último, no está a dispuesto a vender el que ahora es su hogar y que a la vez fue la residencia familiar. Los fantasmas del pasado reaparecerán cuando el recién llegado le pida a su hermano que venda su parte de la propiedad. Es entonces cuando el conflicto está a punto de estallar.

Darín casi irreconocible

La crítica: El cineasta argentino Martín Hodara (La señal), se pone al mando de este irregular thriller que vuelve a unir al cine hispano argentino en una colaboración cada vez más intensa entre ambos países. Si bien es cierto que durante los últimos años esta colaboración internacional está dando unos resultados más que notables, el peligro de la sobreexplotación de esta fórmula puede llevar a resultados disparejos como en esta ocasión. Y es que Nieve Negra resultando entretenida, no llega a la altura de otras coproducciones como la muy intrigante Al final del túnel o la brillante El ciudadano ilustre seleccionada por Argentina para ser nominada al Oscar de la Academia.

Narrada mediante recurrentes y reiterativos flashbacks hacia la infancia de los tres hermanos, el cineasta aprovecha este recurso para retratar la pérdida de un cuarto hermano en un supuesto accidente de caza. El sentimiento de culpa, los tortuosos recuerdos familiares y los secretos más oscuros e inconfesables se apoderan de la trama en su trepidante media hora final. El problema de Nieve Negra surge entonces, cuando en la primera parte de la historia, la narración se hace densa, premiosa y lúgubre hasta llegar al verdadero conflicto narrativo que surge en el hábil desarrollo de su tercio final, siendo esto lo mejor de la misma.

Y es que es una cinta de presentación larga y en cambio de fulminante final, por lo tanto se presta a la paciencia que el espectador pueda tener hacia este tipo de desarrollo argumental. Por otro lado, el clima hostil del invierno en la Patagonia argentina (aunque la película esté rodada en Andorra), refuerza el carácter hosco que el cineasta quiere impregnar a los oriundos del lugar, mediante la metáfora de convertir algo blanco y puro como la nieve, en algo negro como el retorcido comportamiento de algunos seres humanos.

Tensión entre hermanos

¿Es Ricardo Darín el mejor actor argentino de la historia o tal vez sea exagerada esta pregunta? Desde luego en mi opinión sino el mejor, de los mejores que yo he tenido la ocasión de presenciar en pantalla. Dicho esto, no entiendo a qué obedece su más que mejorable dicción en el personaje de Salvador representado en esta ocasión. Se podría achacar de alguna manera, al querer dar a su trabajo un comportamiento huraño, violento y feroz como es el caso del casi ermitaño Salvador. En cualquier caso, con su profunda mirada consigue transmitir las sensaciones habituales en su buen hacer. Su contraparte en la filmación, es un buen Leonardo Sbaraglia en el papel de su hermano Marcos, que representa la ambición, el miedo y el regreso al lugar del que huyo para olvidar la tragedia que sucedió con el hermano fallecido. Su esposa en la cinta, es la española Laia Costa (Tengo ganas de ti), y podríamos decir que es personaje observador de la cinta, pero deja ver que la herencia a cobrar es un estímulo muy importante para ella, ¿La juzgamos por ello? ¿Nadie es así? ¿Tres millones de dólares es un buen motivo para intentar convencer a su cuñado de que venda la propiedad?

Laia Costa es Laura, la ambición sutil

En el apartado técnico, hoy solo voy a destacar un cosa y es el potente sonido directo de la producción que impregna casi todas las secuencias. El simple hecho de pasar las hojas de un libro o el golpeteo de los tenedores en una de las comidas "familiares", llega con tal nitidez y claridad que incluso puede parecer exagerado. Me gustaría hablar con un sonidista para ver si el sonido es tan espectacular como parece o está subido de vueltas. Desde luego es un aspecto sumamente llamativo.

Para concluir ya, diré que al ser una película de secretos, es en la trama donde deben ser revelados y nunca en una crítica de cine. No obstante y recapitulando, podríamos decir que la premiosidad en llegar hasta el conflicto narrativo puede resultar exasperante, pues hay que esperar a la media hora final para que el género cinematográfico del thriller haga acto de presencia. Por lo tanto, Nieve Negra baja la nota respecto a otras producciones hispano argentinas y queda para los incondicionales de Ricardo Darín y Leonardo Sbaraglia que no es poca cosa.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Argentina, España.
Director: Martín Hodara.
Reparto: Leonardo Sbaraglia,
Ricardo Darín, Laia Costa,
Federico Luppi, Dolores Fonzi.
Guión: Martín Hodara, 
Leonel D'Agostino.
Música: Zacarías de la Riva.
Fotografía: Arnau Valls Colomer.
Duración: 90 minutos.
Estreno Argentina: 19/01/17.
Estreno España: 12/01/17.


domingo, 9 de abril de 2017

Life (Vida)


Si los extraterrestres nos visitaran, ocurriría lo mismo que cuando Cristóbal Colón desembarcó en América y nada salió bien para los nativos americanos.
- Stephen Hawking.

La historia: Tras obtener unas muestras para laboratorio en territorio marciano, los miembros de la Estación Internacional Espacial descubren la primera prueba de vida fuera de La Tierra. Se trata de un organismo unicelular al que deciden aislar y sellar en una sección de la nave. El rápido crecimiento del nuevo ser vivo, más la imprudencia del científico encargado de manipularlo, tendrá unas consecuencias imprevisibles para los miembros de la tripulación.
Los problemas no han hecho más que empezar...


La crítica: Como amante marciano del cine de ciencia ficción, siento alegría y miedo a la vez por este renacer del citado género cinematográfico. Probablemente, el largometraje Gravity de Alfonso Cuarón, con sus siete Oscars y la buena aceptación que obtuvo entre crítica y público sea el responsable de este impulso. Ahora bien, el problema es que las últimas películas empiezan a parecerse demasiado entre si y el conservadurismo narrativo se empieza a imponer. A excepción de la original y seductora La Llegada de Denis Villeneuve (que por cierto está con la secuela de Blade Runner), el negocio de Hollywood parece ser la principal motivación de rodar la cinta de la que hablamos hoy.  

El cineasta chileno Daniel Espinosa (El Invitado) es el receptor de este proyecto vía grandes estudios, en el que nos encontramos con un producto correcto pero totalmente despersonalizado en su autoría. De hecho son Rhett Reese y Paul Wernick los creadores de un guión que partiendo de una sugerente premisa, va perdiendo fuelle en su plomizo transcurrir. De nuevo los aires del Alien de Ridley Scott vuelven a aparecer en pantalla. Es decir, un entorno claustrofóbico y una amenaza extraterrestre que amenaza con hacerse dueña de la nave espacial. Nada nuevo a la vista, salvo cine de palomitas disfrazado de aventura espacial con toques de terror que al menos mantienen la tensión.

La propuesta trata de encontrar en una segunda lectura, las respuestas al hallazgo de vida fuera de nuestro planeta y las consecuencias que podría tener para la humanidad tal descubrimiento. Algo deseable y que el hombre busca con ganas, pero sin pensar en los peligros que esto pudiera ocasionar para la humanidad. En más de una ocasión el científico Stephen Hawking ya ha advertido de los peligros de andar enviado señales al espacio exterior (Proyecto SETI), sin reflexionar ni a quien ni a donde pueden llegar esas emisiones de radio frecuencia. En cualquier caso, este es un aspecto muy secundario en la película que se limita a ser un entretenimiento sin mayores pretensiones. 



El buen reparto ayuda a subir el tono de la película. Lo encabeza en valoración artística un eficiente y talentoso Jake Gyllenhaal (Animales Nocturnos) que interpreta al Doctor David Jordan que lleva a sus espaldas 473 días en la Estación Espacial Internacional. Le da buena réplica una excelente Rebecca Ferguson (La chica del tren), en el papel de la Doctora Miranda North que es una especialista en el control de plagas y enfermedades. En cambio defrauda un inexpresivo Ryan Reynolds (Buried), que interpreta a un especialista en paseos especiales. El resto del reparto, correctos y aseados sin más.

Lo mejor de la producción llega de la programación de unos efectos visuales de alto calado como por otra parte era de esperar. Muy bien conseguida la conformación extraterrestre y la puesta en escena, con un diseño de producción donde se roza la perfección en la recreación de la Estación Espacial. Lejos de componerla por ordenador, se ha construido un set haciendo una réplica perfecta de la misma. Salvo el detalle de que en la verdadera aeronave no hay capsulas independientes para dormir, el resto es notable. La banda sonora original compuesta por el sueco Jon Ekstrand, ocupa un espacio preponderante y protagónico que se siente muy excesivo por momentos.

En resumen, nos encontramos con una propuesta que a pesar de mantener un buen suspense en su primera parte, se siente grisácea y repetitiva en su transcurrir. Una llamada de atención para afrontar con nuevas ideas los próximos proyectos de ciencia ficción y para que este género cinematográfico no vuelva a morir de éxito. En todo caso, los amantes a las aventuras espaciales, tendrán en Life, una nueva oportunidad de disfrutar de un nuevo episodio de Alien adaptado a los nuevos tiempos.

Nota: 6/10.

Información científica complementaria: La Universidad Complutense de Madrid en colaboración con Sony Pictures, organizó el pasado 5 de abril un pase de la película a la que fueron invitados medios de prensa, miembros de la facultad y diversas webs/blogs de cine, para asistir después a un coloquio en el que se analizaron las posibilidades de vida real fuera de nuestro planeta. Asistió el científico Felipe Gómez del Centro de Astrobiología de Técnica Aeroespacial del CSIC, que explicó cómo se están preparando los protocolos de las muestras que se obtengan en Marte y el potencial peligro que de ello se derivaría. También añadió, que en el supuesto caso de que hubiera una civilización con capacidad para viajar por el Universo habrían dos opciones: la primera y dado su alto desarrollo tecnológico, se podría tratar de una una civilización con una visión humanista y la segunda que independientemente de que fuera belicosa o no, la historia marca, que cuando dos civilizaciones entran en contacto, la de menor desarrollo acaba desapareciendo por cuestiones como enfermedades o planteamientos equivocados. Lo que dejó claro el Doctor Gómez, es que hay que tener extremas precauciones para traer muestras de vida de otros planetas, aunque sean simples seres unicelulares en el caso de que se encuentren. También asistió el Doctor Domingo Marquina, que es el director del Departamento de Microbiología de la Universidad Complutense y que sostiene que la vida podría aparecer por la química del silicio o del arsénico y no solo por la del carbono como se pensaba hasta ahora. Subrayó, que en la actualidad se plantean las posibilidades de encontrar vida fuera de La Tierra en microorganismos, sin descartar la posibilidad de vida inteligente a nivel superior. También asistieron los profesores Ildefonso Serrano y la Doctora Susana Serrano. Una de las conclusiones finales podría ser, que debido al desorbitado número de galaxias (2 000 000 000 000), las estadísticas de la ecuación de Drake y la expansión del Universo, las posibilidades de vida fuera del planeta azul son más que factibles. Otra cuestión sería, si esa posibilidad de vida, fuera inteligente y tuviera la capacidad para afrontar viajes a través del espacio exterior.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección: Daniel Espinosa.
RepartoJake Gyllenhaal, Ryan Reynolds,
Rebecca Ferguson, Olga Dihovichnaya.
Fotografía: Seamus McGarvey.
Música: Jon Ekstrand.
Duración: 103 minutos.
Estreno EE UU: 24/3/17.
Estreno Hispanoamérica: 23,24/3/17.
Estreno España: 7/4/17.





jueves, 6 de abril de 2017

Cantábrico (Los dominios del oso pardo)


Cantabria es una de las regiones más bellas de la península ibérica. Su singularidad natural, cultural y paisajística tienen un valor que son patrimonio de la humanidad. La película documental recién estrenada en los de cines de España, refleja con intensidad la fauna y flora que habitan en el interior de este bello territorio. Un viaje al lado más salvaje y puro del instinto animal.

La historia: Con el oso pardo como protagonista principal, nos adentramos en territorio cantábrico para conocer sus costumbres, sus hábitos y sus fases reproductivas. Además, nos acompañan en este espectacular viaje, animales tan diversos como el lobo ibérico, el rebeco, el gato montés, el urogallo o el salmón que navega a contracorriente por sus cristalinos ríos. 



La crítica: El cineasta español Joaquín Gutiérrez Acha (Guadalquivir) es el encargado de dirigir este espectacular largometraje documental, en el que se han utilizado cámaras de ultra alta definición que son capaces de trabajar a la prodigiosa cifra de 1500 fotogramas por segundo. La excelente música compuesta por Pablo Martín Caminero y la estilizada fotografía realizada por el mismo director de la película, completan una parte técnica que solo puede calificarse con un rotundo y merecido sobresaliente. 

Y aunque artísticamente se pueda bajar algo la nota por la idealización y la falta de crítica hacia los destrozos del hombre en los territorios afectados, esto no menoscaba el gran interés que genera esta producción que pasa directamente a ocupar un lugar muy destacado en la historia del documental español. La propuesta, es la historia de un territorio que va desde el mar Cantábrico hasta la cordillera Cantábrica, asemejándose esta a una gran muralla montañosa y que se extiende a lo largo de más de 400 kilómetros en el norte de la península ibérica. Además de en la comunidad de Cantabria, el rodaje se ha extendido por las zonas montañosas de Castilla y León y por los frondosos bosques de Asturias convirtiendo la filmación en un clímax de aires norteños. 

El relato está narrado al compás de las estaciones del año, como ya se hiciera en la cinta documental francesa Les Saisons e incluso en la oscarizada La La Land

Esta hábil manera de narrar, nos sitúa temporalmente en el invierno de salida, para tras el paso de los demás periodos, volver a cerrar en la estación nevada con la promesa de una nueva primavera por venir. Si tuviera que quedarme personalmente con alguna temporada visualizada en el documental, me quedaría con el otoño que es el tiempo de los regalos en el bosque cantábrico. Nueces, bellotas y castañas endulzan la vida de los animales salvajes antes de la llegada del duro invierno. Pura poesía visual y acústica.



Pero sin duda, lo más importante de esta historia es el reparto que es el absoluto protagonista del documental. El actor principal es el oso pardo ibérico del que quedan unos 200 ejemplares aproximadamente. Tras muchas campañas a favor de su conservación, se ha conseguido recuperar una especie que estuvo muy cerca de desaparecer de la península ibérica y que aún hoy en día afronta numerosos problemas para su supervivencia. Las aventuras y desventuras de una madre y sus oseznos son el hilo conductor para adentrarnos en un mundo donde la hibernación da paso a una primavera de cría, en la que los cachorros afrontarán sus primeros pasos en el bosque.

El lobo ibérico con las 70 manadas que pueblan la cordillera Cantábrica tiene un papel bastante destacado en el reparto de la producción. Precisamente aquí, es donde la cinta es poco eficaz en la denuncia de las matanzas de lobos que hay por parte de los "cazadores", con las ominosas batidas que se producen en la actualidad. Se echa de menos un toque de atención con mayor fortaleza del que se produce. En todo caso, las imágenes obtenidas son de un indudable valor y alcanzan su cenit con la caza de un ciervo por parte de una de las manadas. Os dejo un enlace al blog del profesor Emilio Valadé donde explica con más detalle esta cruel situación del Hermano Lobo.

El rebeco ibérico es el tercer protagonista destacado de la película y es el animal con más equilibrio en las cumbres de la cordillera Cantábrica. Es un bóvido con características morfológicamente parecidas a las de la cabra y su singularidad radica en que habita en zonas de alta montaña y en terrenos muy escarpados gracias a sus poderosas pezuñas. Los fotogramas rodados en las cumbres nevadas justifican por si mismos el precio de una entrada a la sala de cine. Maravilla a vista de pájaro. 



El gato montés es el personaje más pillo y espabilado del reparto. Sus peculiaridades y su caza, mantienen a salvo el terreno de la expansión desmesurada de los roedores que habitan la zona. Junto con los movimientos del armiño, con su blanco pelaje y su corazón latiendo a 350 pulsaciones por minuto ponen el toque gracioso y entrañable a la propuesta. A colación con este último animal, se relata la anécdota de que los antiguos reyes lucián capas confeccionadas con las colas de 400 armiños que eran sacrificados para tal fin. Una triste historia que emparenta con los actuales abrigos de visón.

El resto de animales e insectos aparecidos en pantalla y que merecen mención especial serían el urogallo cantábrico, el pájaro carpintero, la víbora de Seoane, la mariposa hormiguera, la araña Pisaura y el salmón atlántico. Respecto a la flora, merece atención singular la planta carnívora conocida como el Rocío del Sol o Drosera y que para atrapar a los insectos utiliza una melaza que los atrae hasta ella para ser devorados. Las imágenes vuelven a hablar por si mismas. Como anécdota, se cuenta que Charles Darwin dijo lo siguiente de estas plantas: "Hoy por hoy, me importa más la Drosera que el origen del resto de las especies del mundo". Una auténtica máquina de matar por supervivencia.

En conclusión, nos encontramos ante un cine documental de alto calado que depara momentos de auténtica belleza natural. Narrada con la envolvente voz en off de Luis Ignacio González y utilizando un lenguaje muy rico en los juegos de palabras, la propuesta es un fenomenal documento histórico que universaliza en el séptimo arte un territorio de una exuberancia natural tan rica como es el 'Cantábrico' con mayúsculas.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España.
Dirección, guión y fotografía:
Joaquín Gutiérrez Acha.
Narración: Luis Ignacio González.
Música: Pablo Martín Caminero.
Duración: 101 minutos.
Estreno España: 31/03/17.




domingo, 2 de abril de 2017

Mañana empieza todo (Demain tout commence)


La historia: Samuel (Omar Sy) es un joven conquistador que trabaja de relaciones públicas en la costa francesa. Una mañana al despertar de una de sus desenfrenadas noches, se presenta ante él una joven madre con un bebé en brazos y le comunica que la recién nacida es hija suya fruto de una relación esporádica que mantuvieron meses atrás. En un descuido la madre desaparece y es Samuel el que tiene que hacerse cargo de criar al bebé en un viaje iniciático que transformará su vida.


La crítica: El cineasta francés Hugo Gélin propone una fusión de estilos contrapuestos con un resultado más que aceptable. Y es que 'Mañana empieza todo' es un remake de la cinta mexicana 'No se aceptan devoluciones' que arrasó en las taquillas del país azteca, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia de la cinematografía mexicana. Una apuesta exitosa, al comprobar que más de tres millones de espectadores franceses le han dado su beneplácito.

La dulzura narrativa se está imponiendo en la comedia francesa de un tiempo a esta parte. Ya el año pasado vivimos algunos ejemplos como el de la película Un hombre de altura que dejaba algunos momentos deliciosos para el recuerdo. Tras el rotundo éxito de 'Intocable' que catapultó a Omar Sy al estrellato en el cine galo, la apuesta parece clara y decidida por continuar con una fórmula que conecta con el público sin chirriar demasiado con el cine de buen gusto.


El inicial rechazo del padre al verse superado por los acontecimientos, queda rápidamente superado al encontrar en la paternidad sobrevenida una mayor motivación que en su vida de fiestas infinitas. Pero antes de darse cuenta de ello, viaja hasta Londres para buscar a la madre sin resultado alguno. Después de ocho años instalados en la capital británica y cuando la niña ya está criada, la madre aparece reclamando a su hija. Es en esta parte cuando el guión se hace previsible y genera algunas dudas. A partir de aquí, es cuando la cinta toma el pulso correcto del conflicto narrativo.

Aunque la propuesta se presente como un comedia familiar, en el transcurso de la misma se van incorporando elementos dramáticos que persiguen preparar de una manera delicada al espectador para un tramo final en el que surgirán problemas muy serios en torno a las relaciones paterno filiales. El conflicto moral sobre si una madre tiene derecho a reclamar tanto el cariño, como las distintas formas de custodia legal de su hija abandonada, son las motivaciones que el cineasta busca para provocar la emoción más que la comedia en su tercio final.

Pero ante todo, la cinta es un canto a la complicidad entre un padre y una hija que describe con almíbar una historia de amor paterno encontrando en esta dulzura narrativa todas sus virtudes pero también todos sus defectos. Por lo tanto esta es una clara propuesta de género que no lleva a equívocos. Un pastel cocinado con gusto que no amargará a nadie a pesar de su agridulce sabor final. Desde luego en su debe cabe apuntar que se aleja de todo realismo social, aunque tampoco lo busca y no lo esconde.


Desde el apabullante éxito de la película 'Intocable' (20 millones de espectadores en Francia) y por la que Omar Sy fue galardonado con el Premio Cesar, se ha convertido en un uno de los actores con mayor predicamento entre el público galo. En 'Mañana empieza todo' vuelve ha evidenciar un carisma y una fuerte presencia en pantalla que ha hecho que los estudios de Hollywood se hayan interesado en él, involucrandolo en proyectos como 'Inferno' de Ron Howard. Por otro lado, está el encantador debut cinematográfico de la niña Gloria Colston, en una actuación sencillamente genial que la debería llevar a continuar una carrera de la que sale disparada al éxito. En el papel de la madre de Gloria (su nombre real es el del personaje), nos encontramos a Clémence Poésy conocida por sus apariciones en Harry Potter y que deja una actuación algo distante en comparación con sus compañeros de reparto.

El compositor de música de cine Rob Simonsen presenta una música melodiosa y que acompaña con acierto a una lujosa fotografía que hacen de la propuesta un cómodo entorno visual. Pero lo más llamativo técnicamente, son unos muy logrados títulos de crédito iniciales mezclando animación y realidad en un ejercicio que se echa mucho de menos en el cine actual. Paradójicamente y con un cierre muy bien logrado con otros buenos créditos finales, es en este aspecto donde encontramos más cine que en el resto de la dramatización.

Para concluir, habría que decir que la cinta a pesar de ser una comedia, apunta también hacia un problema médico que no encajará hasta la conclusión final de la misma. En todo caso, la mirada de la historia, lo que busca es una idealización del amor entre un padre y su hija en un entorno visual en el se impone la delicadeza francesa en la forma de narrar. Una propuesta aceptable de cine familiar con vocación de gustar y dulcificar los numerosos problemas que acechan nuestra sociedad. En cambio, su tono de cruel melodrama en la parte final, contradice la idea general expresada hasta ese momento. En resumen, sonrisas y lágrimas al servicio del espectador y de la taquilla.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Francia.
Director: Hugo Gélin.
Reparto: Omar Sy, Clémence Poésy,
Gloria Colston, Antoine Bertrand.
Guión adaptado: Hugo Gélin, Mathieu Oullion.
Historia original: Eugenio Derbez, Guillermo Ríos,
Leticia López Margalli.
Fotografía: Nicolas Massart.
Duración: 115 minutos.
Estreno Francia: 7/12/16.
Estreno España: 31/3/17.


jueves, 30 de marzo de 2017

Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina


La historia: Nos situamos en un futurista Japón donde la tecnología, la inteligencia artificial y la convivencia entre los humanos se mezcla de manera peligrosa. La Major Motoko Kusanagi (Scarlett Johansson) es un híbrido con cerebro humano en un cuerpo robótico. Ella, está al mando de un cuerpo de operaciones especiales de la policía conocido como la sección 9. Mientras tanto, Kuze (Michael Pitt) otro híbrido, se ha convertido en un ciber terrorista y se rebela contra el orden establecido por la compañía Hanka Robotics creadora de este mundo artificial. A partir de entonces, La Major, tratará de poner orden en una sociedad que se rompe por momentos.


La crítica: Basada en los cómics homónimos del japonés Masamune Shirow, que ya se habían llevado al cine de animación, nos encontramos ante una ágil propuesta que por el momento habría que enmarcarla en el género cinematográfico de la ciencia ficción. Sin descartar del todo que el señor Donald Trump sea un cyborg teñido de rubio llegado del futuro (esto es cosa mia), la película trata de reflexionar sobre los peligros, bondades e incertidumbres de la inteligencia artificial. El vehiculo para llegar a este fin, es una espectacular superproducción que abusando de los fuegos de artificio deja un resultado muy desigual destacando solo en lo puramente visual.

La potencia de Scarlett Johansson en pantalla, aumenta exponencialmente el valor de la producción y muy probablemente sin ella a la cabeza la historia no tendría el mismo valor ni artístico, ni comercial. De hecho, si yo estoy escribiendo de esta película, es por mi admiración hacia la "bomba rubia" (morena aquí) que ya desde niña era una excelente actriz y que en Match Point del maestro Allen, acabó de consagrarse y poner de acuerdo a crítica y público. El vestuario ceñido al cuerpo como una segunda piel (Taller WETA), en el que las curvas de la artista parecen en tres dimensiones sin necesidad de usar gafas, la catapultan más aún a mito erótico del siglo XXI. 

Volviendo a la línea argumental, la historia juega a que el cerebro guarda nuestra alma y a que este órgano pueda ser trasplantado a un cuerpo artificial cuando el natural deje de funcionar. La Major Komoto es fruto de un experimento largamente fallido, hasta que con ella se consigue la supuesta inmortalidad o el alargamiento de la vida. Evidentemente este planteamiento es algo que pertenece al cine fantástico y que no tiene visos de realidad, pero la pregunta sería si en la pantalla la historia tiene credibilidad o no. Y lo cierto es que si la consigue, aunque esto no determina ni mucho menos la calidad de la propuesta presentada, de hecho en este aspecto pasa muy justita la nota. 

En realidad y a pesar de todas las tecnologías utilizadas, contar con unos comics inspiradores para millones de personas y tener a una estrella mundial al frente del reparto, la cinta se limita a contar una historia que parece ya narrada de antemano. Un jefe de policía, jefa en este caso, enfrentándose a un clásico villano que quiere subvertir el orden establecido. Por lo tanto una trama de persecuciones hasta el encuentro final que no desvelaré lógicamente. Luego lo pueden adornar con debates sobre la inteligencia artificial, sobre cuerpo y alma o todo lo que se les ocurra, pero la cinta es lo que es y tampoco se le puede pedir más de lo que se busca en un espectaculo de estas carectericticas. Teniendo en cuenta que esto es un trabajo de encargo que recibe el cineasta Rupert Sanders, que viene de rodar 'Blancanieves y la Leyenda del Cazador', tampoco esperemos aquí encontrar una obra de Akira Kurosawa.


En el reparto, y de lugarteniente de Johansson, aparece en un sobrio trabajo el actor danés Pilou Asbaek (serie Borgen) seleccionado para el papel del agente Batou que es humano pero va regenerando sus órganos con implantes artificiales de alta tecnología. Como compañero de policía de La Major, establece una relación afectiva con ella que la vuelve más "humana". La presencia nipona más representativa en pantalla la pone el veterano y buen actor Takeshi Kitano en la máxima jefatura policial de la sección 9. Curiosamente aparece la grandísima actriz francesa Juliette Binoche (El Paciente Ingles), en el papel de la doctora que crea el experimento para prolongar la vida humana. Lo cierto es que aunque se la ve un poco pérdida en este tipo de espectaculo, su presencia siempre es interesante. Y para acabar con el reparto, mención especial para Michael Pitt (El Bosque) en un gran papel como antagonista de La Major, interpretando al villano Kuze, que resentido por ser un cyborg desechado emplea toda su ira para vengarse de lo que considera una injusticia universal. Al final casi me cae mejor este tipo, que todos los supuestos buenos que aparecen en pantalla. Aunque para malo malísimo, está el director de Hanka Robotics (Peter Ferdinando) que representa el poder en la sombra y que tendrá un rol clave en la trama. Un buen reparto que no puede salvar un mediocre guión adaptado, que se siente muy condicionado para supuestamente ser fiel al comic original.

La película ha sido rodada a caballo entre Nueva Zelanda y Hong Kong teniendo un atractivo visual que es digno de reconocer. El distópico futuro japones queda realmente bien retratado a través de una buena ambientación que logra conjugar unos extraordinarios efectos visuales con el retrato de las tradiciones asiáticas. Ciertos tonos verdosos en los interiores quieren darle a la cinta el efecto Matrix que busca sin descanso, pero que en mi opinión la sola comparación es ofensiva.

En definitiva, nos encontramos ante un espectaculo que es una especie de parque temático donde el manga, los efectos especiales, el anime, la robótica y la ciencia ficción se mezclan con una suerte desigual. De cine, lo que se dice cine, no hay demasiado. Curiosamente en los títulos de crédito iniciales y en la presentación hay más belleza cinéfila que en el resto de la cinta. La creación de la Major Motoko en ese opening visualmente prodigioso, prometía demasiado para un desarrollo previsible y grisáceo. En todo caso, serán los millones de seguidores de la saga Ghost in the Shell los que dirán si la adaptación les pareció acorde a sus expectativas. Yo con ver a la Johansson ya me conformo....

Nota: 5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Rupert Sanders.
Reparto: Scarlett Johansson, 
Michael Pitt, Takeshi Kitano,
Pilou Asbaek, Juliette Binoche.
Guión: William Wheeler.
Manga de Masamune Shirow.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Jess Hall.
Estreno mundial: 31/03/17.

lunes, 27 de marzo de 2017

El Bar


Bar: Local en el que se despachan bebidas que suelen tomarse de pie, ante el mostrador. - Real Academia Española.
Sólo en la calle Atocha de Madrid hay más bares que en toda Noruega.
-Diario EL PAIS, 1980.

La historia: Madrid, hora punta del desayuno en un bar del centro. Entre chascarrillos de bar, los clientes apuran su café matutino antes de entrar a trabajar. Cuando uno de ellos sale por la puerta principal recibe un disparo en la cabeza de un francotirador. El pánico entre la clientela empieza a cundir. ¿Se atreverá alguien más a salir? ¿Aguantarán encerrados con los teléfonos móviles sin cobertura?¿Qué pasará cuando un cliente se empiece a encontrar enfermo y los demás sospechen que es portador de un virus peligroso? La miseria humana no tardará en aparecer.


La crítica: Extraordinario plano secuencia que nos regala el cineasta Álex de la Iglesia (Los crímenes de Oxford) para dar comienzo a la historia. Con un manejo casi poético de la cámara, presenta e introduce a los variopintos personajes en el bar a través de un travelling que roza la perfección y que de inicio nos congracia con lo que un día fue llamado séptimo arte. La cantidad de información introducida en unos pocos minutos, debería estudiarse en cualquier escuela de cine en cuanto tengan la copia a su disposición. Un golpe genial que sumado al cierre visualmente perfecto en plena Gran Vía madrileña, hacen aún más redonda esta por fin gran película española.

Habría que hablar de una mezcolanza de géneros cinematográficos para definir la cinta en primer lugar. Aunque está presentada como un thriller en su fulminante comienzo, podríamos decir que evoluciona hacia una comedia dramática con altas dosis de humor negro que nos llevan incluso a la carcajada en las situaciones que se plantean dentro del local. Una diversión asegurada que no obstante trataré de dejar lo más viva posible para no fastidiar el efecto sorpresa. Es más, si tienen interés en visionar el film, dejen de leer y vuelvan si les apetece cuando la hayan visto.

Si aún siguen por aquí, les contaré algo de la trama a través de sus personajes y su reparto coral. En la barra del bar se encuentra la propietaria que es una señora mayor de armas tomar interpretada sobresalientemente por Terele Pávez y quizás el mejor papel interpretado de la película. Su ayudante es un jovial pero inseguro camarero al que el cómico Secun de la Rosa saca buen partido. Al otro lado de la barra, aparece Mario Casas como un hipster malasañero resolviendo cómo puede la situación. Joaquín Climent interpreta a un policía retirado con un carácter insoportable. Carmen Machí es la típica jugadora compulsiva de las máquinas tragaperras y está genial como siempre. La cuota internacional, la pone el actor argentino Alejandro Awada en el papel locuaz de un vendedor de ropa interior femenina. Jaime Ordoñez es el actor revelación del año, interpretando a un vagabundo que depara los momentos más hilarantes de la cinta.

Y he querido dejar para el final del reparto, al personaje clave de la cinta. Se trata de la típica chica de elevada posición social que se encontraba a la hora equivocada y en el lugar equivocado. Alrededor de ella giran los personajes y la interpreta con acierto Blanca Suárez. Y la dejo para el final del reparto, porque de nuevo la polémica en el cine español ha estallado en las redes sociales durante el fin de semana.

Y esta vez al ser un tema de salud pública ya tratado en este blog (Shakira y su mensaje en Zootopia) no lo quiero dejar pasar. La actriz ha sido "acusada" en algún foro, de contar con unos kilitos de más en la actualidad fuente de la noticia. De nuevo sembrando cizaña y desconcertado a las chicas más jóvenes e indirectamente fomentando un modelo de mujer que puede conducir a la anorexia a adolescentes inseguras. Basta ya de gilipolleces, dejen a la gente en paz y vivan su vida. Y es que además Blanca Suárez es muy guapa y tiene una esbelta figura, así que supongo que personalmente le importará muy poco lo que digan de ella. La siguiente fotografía de El bar habla por si misma.


Volviendo al cine, la cinta además de ser un puro recreo, lleva varios mensajes que nos hablan principalmente del miedo y el egoísmo incrustado en nuestras sociedades. Una vez que los personajes se quedan atrapados y sin salida del bar, empiezan a aparecer las desavenencias personales de cómo resolver la situación y encontrar la mejor manera de salir de allí con vida. En breve e imbuidos por el terror que sienten, comienzan a acusarse unos a otros de todos los males del mundo. La policía no acude al lugar y un vagabundo completamente loco que estaba en el bar, está llevando la situación al limite. La peor condición del género humano empieza a asomar y no se sabe si hay mayor peligro fuera que dentro del local. Sin salidas factibles y atrapados, Alex de la Iglesia a través de un brillante guión, nos lleva a un terreno frenético con un cierto punto de suspense tragicómico que hacen de su propuesta un carrusel de giros inolvidables.

Técnicamente, la cinta es una auténtica maravilla. El director, valiéndose de unos fundidos a negro que hacía tiempo no veía, va ofreciendo la trama en una serie de actos para dar cierto aire al espectador. La buena música interpretada por la Orquesta Sinfónica de Bratislava acompaña con acierto pero sin opacar lo que está sucediendo en pantalla. Pero si algo destaca sobremanera en la técnica, es la brillantísima fotografía de Ángel Amorós (Musarañas). Una cromacidad única es la que consigue adaptando la luz de una manera increíble. Brillante en las escenas luminosas a las que impregna un ligero tono dorado, pasa a los tonos azulados cuando se trata de tomas con menos luz. Además, la perfecta iluminación de las escenas sin luz o nocturnas consiguen el complicado efecto de ver en la oscuridad. Con ello se demuestra que además de posible, es muy necesaria la buena iluminación nocturna en el cine. Puede sonar contradictorio lo que expongo, pero no lo es, ya que refugiarse como hacen algunos, en querer crear misterio con no ver lo que está sucediendo en pantalla, suena a excusa de mal pagador. El impecable sonido directo y el maquillaje completan una sobresaliente parte técnica.

Para concluir ya, diré que en mi opinión Álex de la Iglesia firma su mejor película hasta la fecha y me deja con muchas ganas de ver sus próximos proyectos. Salvo algunas exageraciones y excesos que se cometen en la historia, y un "peliculero" último tercio de la misma, la cinta deja unas sensaciones óptimas que invitan a un segundo visionado para volver a disfrutarla. Cuando sucede algo así en el cine y sales de la sala con la adrenalina por las nubes, la satisfacción es mayúscula. Original y contundente, El bar es hasta el momento la mejor película del cine español en lo que va de año. Esperemos que la cosecha siga dando buenos frutos.

Nota: 9/10.

P.D. Al cierre de esta reseña, me llega la información de que El bar entrá directamente al número 2 de la taquilla española superando a Logan y Kong y solo por detrás de La Bella y la Bestia. A pesar de todas las polémicas, el cine local causa un interés muy especial.

Nacionalidad: España.
Dirección: Álex de la Iglesia.
Guión: Álex de la Iglesia y
Jorge Guerricaechevarría.
Reparto: Blanca Suárez, Mario Casas,
Terele Pávez, Secun de la Rosa,
Carmen Machi, Jaime Ordoñez.
Música: Carlos Riera, Joan Valent.
Fotografía: Ángel Amorós.
Duración: 102 minutos.
Estreno España: 24/03/17.


viernes, 24 de marzo de 2017

La Cura del Bienestar (A Cure for Wellness)


Solo cuando conocemos lo que nos aqueja podemos albergar la esperanza de hallar el remedio. -La cura del bienestar.

La historia: Pembroke (Harry Groener) director general de una importante empresa que cotiza en Wall Street, desaparece y escribe una carta desde una clínica balneario en Suiza renunciando a todas sus funciones. Su firma es absolutamente necesaria para cerrar una fusión mercantil. El consejo de administración envía a un joven ejecutivo llamado Lockhart (Dane DeHaan) con la misión de traerle de vuelta. Cuando llega al centro de bienestar nada es tan idílico como parece. Unos extraños y misteriosos sucesos acaban con el joven internado en el Volmer Institute y empieza a comprender que la voluntad de su jefe y de los otros pacientes está siendo anulada por el enigmático doctor Volmer (Jason Isaacs). La escalofriante historia está a punto de empezar...

La crítica: El multifacético cineasta Gore Verbinski autor de obras tan dispares como La Señal (The Ring), la cinta de animación oscarizada Rango o Piratas del Caribe realiza su obra más personal y polémica en la que por fin encuentra su razón de ser como director de cine. Es algo fuera de lo común comprobar cómo un hombre de Hollywood se convierte en un cineasta de autor en esta perturbadora, desconcertante y en algunos momentos incluso lúcida coproducción alemano estadounidense. A pesar de su indudable amor puesto en el empeño, la cinta está destinada a causar desencuentros y quizás algún día pase a ser una película de culto, veremos.


Dos horas de impactante thriller de terror psicológico en el que el suspense se mantiene con fortaleza, dan paso a una media hora final un tanto incomprensible y que alargan el metraje hasta unos desmesurados casi 150 minutos para una película de este tipo. Desde luego la entrada del cine está bien aprovechada, pues ente tráilers, anuncios y títulos de crédito, la tarde o noche del fin de semana está más que resuelta. Pienso que entre los apenas 66 minutos que duraba La vida de Calabacín y los técnicamente 147 minutos de la cinta de hoy, podría haber un término medio para encontrar la virtud y el equilibrio que toda película debería de salvaguardar.

La Cura del Bienestar (La Cura Siniestra en Latinoamérica) encuentra ciertas semejanzas con el largometraje 'Shutter Island' del maestro Martin Scorsese en la que actuaba Leonardo DiCaprio e incluso en el diseño de producción podría emparentar con 'Alguien volo sobre el nido del cuco'. La parte final con escenas fantasmagóricas podrían recordarnos ciertos aires del autor H. P. Lovecraft o del mismísimo creador del Conde Drácula. Grandes referencias que probablemente le vengan grande a la cinta reseñada hoy, pero que le dan un estilo muy reconocible dentro de la originalidad de la propuesta. Queda claro que Gore Verbinski ha encontrado su modelo.

Como decíamos en la sinopsis, la llegada de Lockhart al balneario es de una potencia tremenda. Allí todo parece transcurrir con una felicidad inmensa hasta que se cruza con una joven llamada Hannah de aspecto puro y virginal. La actitud ausente de esta, más los muchos problemas que le ponen para poder ver al hombre que había venido a buscar, empiezan a levantar las sospechas del joven ejecutivo. Le indican que debido a la altitud debe tomar mucha agua de la zona para adaptarse bien a la altura. Pero pronto empieza a enfermar, dándose cuenta que en el agua que están recibiendo los pacientes no está la cura del bienestar sino todo lo contrario.

A partir de esta situación, el cineasta consigue mantener la tensión y una fuerte intriga durante 120 minutos trepidantes que hubieran sido más que suficientes. Sin embargo, el fuerte amor que denota Verbinski hacía su propia película, le lleva a alargar erróneamente la cinta perdiéndose en vericuetos y redundancias excesivas. Los delirios oníricos de la parte decisiva, desigualan el conjunto creado hasta ese momento. Conseguir 150 minutos de suspense hubiera rozado el milagro, no obstante y en el total de la propuesta, hay más luces que sombras colocando a esta película en un estilo conceptualmente valiente dentro del género del terror psicológico.


Una grata sorpresa ha sido conocer al actor Dane DeHaan (Chronicle), interpretando con arrojo y credibilidad al joven ejecutivo neoyorquino. En el capítulo de parecidos razonables, emparenta tanto físicamente como en su forma expresiva con el antes también citado Leonardo DiCaprio. Importante visionar la cinta en versión original para apreciar su potencial actoral. Otro descubrimiento interesante (para mí), es la actriz británica que aparece en el póster promocional de la cinta. Se trata de Mia Goth (Nymphomaniac) y desarrolla un papel enigmáticamente perturbador metiéndose en la piel de una chica totalmente desorientada y en manos del no menos enigmático doctor Volmer. Para este trabajo se ha elegido al carismático actor también británico Jason Isaacs (El Patriota), que se luce en un papel que es un caramelo para cualquier intérprete de su ya dilatada carrera. En general un buen reparto que sube la nota de la película.

La brillante diseñadora de producción Eve Stewart (La chica danesa, El discurso del Rey) hace un trabajo de ambientación espectacular. En primer lugar porque hace una transición muy bien conseguida entre el mundo bursátil y tecnológico de Nueva York hasta la vieja Europa más decadente y decimonónica que se recuerda en años. Para este fin, Stewart eligió el Castillo de Hohenzollern en la Alemania meridional de estilo neogótico inglés y que es el marco perfecto para recrear el Volmer Institute. Los interiores con unas salas médicas experimentales de verdadero espanto, se crearon en los Estudios Babelsberg en Berlín y en el hospital militar abandonado de Beelitz-Heilstatten. Un gran trabajo de coproducción entre la parte alemana del film y la estadounidense.

En conclusión y sin entrar en más detalles de la trama argumental de la propuesta para no reventar la película y dejar el suspense relativamente vivo, solo me cabe decir que el viaje hasta el misterioso balneario no será en vano para los aficionados a este género cinematográfico. Si bien es cierto, que la cinta acusa en exceso el incomprensible alargamiento de la misma, a grandes rasgos produce unas sensaciones moderadamente satisfactorias en el conjunto general de la obra. Independientemente de las opiniones encontradas que puede generar esta historia, el cine llamado de suspenso en Hispanoamérica, suspense en Europa genera un interés cinéfilo de alta graduación.
La copa esta servida....

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos, Alemania.
Director: Gore Verbinski.
Reparto: Dane DeHaan, Mia Goth,
Jason Isaacs, Harry Groener.
Guión: Gore Verbinski, Justin Haythe.
Fotografía: Bojan Bazelli.
Música: Benjamin Wallfisch.
Duración: 147 minutos.
Estreno EE UU: 17/02/17.
Estreno Argentina: 17/02/17.
Estreno México: 24/02/17.
Estreno España: 24/03/17.