jueves, 27 de julio de 2017

¡Diez frases de cine, una musiquita y nos vemos en septiembre!


Está siendo un año tan especial para el blog marciano, que incluso pensé por momentos, no hacer ninguna pausa veraniega, pero.... al final voy a seguir el consejo del compositor Manuel Alejandro que decía en su canción, "se nos rompió el amor de tanto usarlo". Y aunque mi amor por el cine es imposible de romper (este si que es un matrimonio para toda la vida), pienso que va a ser positivo reparar mis neuronas marcianas, desconectar de las redes sociales y parar de reseñar películas durante un mes aproximadamente. Aún así, el cine de verano estará presente en mis planes.

La nueva temporada de Cine y críticas marcianas que empezará a rodar si todo va bien, en los primeros días de septiembre, se presenta apasionante en lo personal y espero que así lo sea para todos los que compartimos este espacio de cine. Las oportunidades para asistir a pases especiales con adelanto a los estrenos comerciales, hacer entrevistas o poder participar en otros eventos relacionados con el mundo del cine, han aumentado exponencialmente en este primer semestre. Esto es debido, al buen posicionamiento en Google de este blog, que empezó como un juego y ahora es una de las pasiones de mi vida. Por eso, quiero dar las gracias una vez más a todas y cada una de las personas que han leído, comentado o compartido cada nueva crítica marciana, en las que desde luego he puesto todo el amor, el cariño y la dedicación de la que he sido capaz. Os dejo con diez frases de cine que están entre mis preferidas. 

Para mí, el cine sigue siendo una experiencia y un trabajo tan intenso como la primera vez. Lo increíble del cine es que nunca se sabe nada; es como empezar de cero.
-Emir Kusturica.

En Hollywood te pueden pagar 1000 dólares por un beso, pero solo 50 centavos por tu alma. -Marilyn Monroe. 

El cine es un espejo pintado. -Ettore Scola.

Nunca voy a las películas donde el pecho del héroe es mayor que el de la heroína.
-Groucho Marx.

El negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de un partido de fútbol y un burdel. -Federico Fellini.

Sueña como si fueras eterno, y vive como si fuese tu último día. -James Dean.

Una pantalla grande solo hace el doble de mala a una mala película.
-Samuel Goldwyn.

La última vez que estuve dentro de una mujer fue cuando visité la estatua de la libertad. - Woody Allen.

La televisión ha hecho mucho por la psiquiatría: no solo ha difundido su existencia, sino que ha contribuido a hacerla necesaria. -Alfred Hitchcock

Las luces se apagaban y el carrusel del cine empezaba. Mis sueños y mi imaginación volaban como si estuviera en Marte y el universo fuera una gran pantalla. 
-Miguel Pina, presentación de Cine y críticas marcianas.  

Para concluir, voy a dejar un vídeo musical muy veraniego interpretado por el grupo musical Efecto Pasillo y que tiene algunas referencias cinematográficas de interés. Su rodaje se produjo en el municipio de Mogán, en Gran Canaria, bajo la dirección de Mario Ruiz y Krea Films. Participaron los niños del taller de teatro: 'Escuelas Artísticas de Mogan' y la actriz Angélica Susana Santana. 

Así que os dejo ya con este 'Carita de buena' y os deseo un muy feliz verano.

lunes, 24 de julio de 2017

Todo sobre el asado


La parrilla oficiaba de alquimista mientras los hombres charlaban alegres y el vino hacia mejores los chistes malos. Aquel día el sol era un ojo de oro que nos miraba con envidia. - Roberto Achura.

La historia: La película documental argentina es una deconstrucción metafórica y a la vez hiperrealista del significado de una tradición tan arraigada en el país del tango como es el asado tradicional de vaca. Esta costumbre tan común en esta sociedad, se ha convertido en una especie de ritual místico con tintes casi religiosos, con la carne como objeto de adoración infinito. Además del significado social de este punto de encuentro, conoceremos a través de la filmación los detalles, puntos de cocción, y formas de corte del asado de tira, del ojo de bife, de las entrañas, lomos, costillas, chorizos, morcillas y demás suculentas viandas para los carnívoros empedernidos.


La crítica: ¿Cuál es el verdadero significado para la sociedad argentina del asado? ¿Qué papel tiene la mujer en este ritual casi onírico? ¿Qué opinan los vegetarianos del asunto en cuestión? ¿Es el asado un invento puramente argentino o es proveniente de otros lugares? ¿Es importante el método de combustión o el tipo de leña utilizada para el fuego? ¿Cuántas cabezas de ganado son necesarias para mantener esta tradición? ¿Tiene alguna contraindicación médica el abuso de las grasas de la carne?

Estas son algunas de las preguntas que me sugieren los excelentes cineastas Mariano Cohn y Gaston Duprat, que tras la sobresaliente El ciudadano ilustre, vuelven al ataque en esta ocasión, con un buen filme documental, que les ha llevado a recorrer Argentina durante tres años para tratar de dar respuestas al asunto en cuestión.

Pero no crean que el film es un auto homenaje al uso, ya que en buena parte del metraje, lo que tratan de hacer los directores es precisamente desmitificar el asado con una fina ironía, que va sucediendose cada vez más alta y clara, siendo críticos pero no dañinos y siempre con un gran sentido del humor. Y para ello, se valen de un narrador en off que es su alter ego a lo largo de la cinta. Un trabajo magnífico del cómico y actor conocido como El Negro Álvarez, que confirma una vez más la idea de que una buena locución es fundamental y una de las claves en el cine documental (en España el ejemplo es Luis Ignacio González con su último trabajo en Cántabrico).

El primer golpe infligido con cariño al orgullo argentino, nos es narrado cuando se cita que son los chinos, si los chinos, los pioneros en el asado y no los gauchos como es creencia popular. No se extienden en la explicación, pero no hay porque dudar de tal afirmación. En todo caso, si que fueron los gauchos los que "inventaron" el comúnmente conocido asado argentino, en torno al año 1700. La evolución de esta manera de cocinar, ha llegado de diversas maneras hasta nuestros días, siendo las parrillas portátiles la última innovación, que hemos de suponer que son un sacrilegio para los más puristas de un buen asado tradicional.

Otra de las claves para un buen asado, aparte del punto de cocción, está en la madera usada para el fuego y entre otras, se utilizan las de roble, mezquite, quebracho o coronilla. En una segunda división quedaría el carbón vegetal y fuera de categoría estarían las parrillas eléctricas.


Entre otros datos curiosos que aparecen en el documental, se cita que el argentino medio consume 70 kilos de carne de vaca o ternera al año. Para poder mantener este elevado consumo, el campo argentino cuenta con 50 millones de vacas, de las cuales 15 millones se despiezan cada año. Un matarife puede sacrificar hasta 450 vacas en un solo día de un certero golpe en la cabeza. Estos datos reflejan, no solo la pasión por el asado entre la población, sino una industria que mueve una parte importante de la economía local en Argentina. Sin embargo, la exportación no es significativa.

Como comentaba en las preguntas iniciales, este excesivo consumo de grasas puede conllevar problemas médicos asociados a las mismas. Se citan el sobrepeso, la halitosis, o el peligro de problemas cardíacos o hipertensivos, sobre todo si el asado es conjugado con un exceso de alcohol durante su consumo. Esto último, más la defensa de los animales, quedan también reflejados en la versión de una vegetariana, que da su punto de vista y que evidencia también que en Argentina hay voces discordantes.

El papel de la mujer en este ritual del asado, es quizás lo menos desarrollado y el punto débil en la filmación. Se toca muy de pasada y no se reflejan demasiadas voces críticas del rol secundario y casi marginal, que parecen ocupar ellas en este asunto. De hecho, el papel protagonista es ocupado por el hombre, especialmente por el asador, que generalmente es premiado con un aplauso al finalizar o durante las reuniones de amigos o familiares que generalmente se celebran los domingos o en festividades.

Mientras tanto, podemos imaginar que mientas el hombre prepara el asado y se lleva los honores, es la mujer la que se sacrifica (como siempre) y engalana la casa, se encarga de la agenda social del evento, prepara postres y ensaladas, pone la mesa, quita la mesa, compra la carne y pone su mejor sonrisa para que el maestro asador (sea un boludo o un experto), haga algo y ponga la carne sobre la parrilla y reciba el aplauso (entiéndase la ironía de este último párrafo).

En cualquier caso, y por encima de todo, el asado argentino queda reflejado como un punto de encuentro en positivo que estrecha lazos familiares, amistosos y sociales. Es por eso que quizás, la carne sea una mera excusa para un reparto de afectos tan necesarios en una sociedad cada vez más individualista, y dominada por la virtualidad en las relaciones humanas. 

Para concluir y en el aspecto meramente cinéfilo las sensaciones que deja la película son bastante positivas. Mariano Cohn y Gaston Duprat revelan una radiografía precisa, astuta y siempre con sentido del humor de prácticamente todo lo que se puede filmar sobre el asado argentino. De nuevo, es el cine documental, especialmente el de habla hispana, el que sigue a la vanguardia de los diferentes temas sociales que parece que en el cine de ficción son marginales o no interesan al gran público. Por eso, desde España con cintas como 'La historia de Jan' o 'La gran ola', desde México con historias como la de 'El Remolino' o 'Los niños', desde Chile con 'El pacto de Adriana' o ahora desde Argentina con 'Todo sobre el asado', el cine documental está viviendo uno de los mejores momentos en la historia de la cinematografía mundial.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Argentina.
Dirección: Mariano Cohn y Gaston Duprat.
Guión: Mariano Cohn y Gaston Duprat.
Narración: Carlos Alberto Álvarez.
Música: Sergio Pángaro.
Fotografía: Joaquín Silvatici.
Duración: 86 minutos.
Estreno Argentina: 27 de abril de 2017.
Estreno España: 21 de julio de 2017.





lunes, 17 de julio de 2017

Su mejor historia (Their Finest)


La historia: En el Londres de la década de los años 40 y en plena segunda guerra mundial, Catrin (Gemma Arterton) es seleccionada por el gobierno británico para redactar el guión de una película que pueda levantar la moral de la población y servir de inspiración al pueblo inglés. El trabajo será en equipo junto a otros dos guionistas más experimentados que ella. Es entonces, cuando Catrin tendrá que abrirse paso en el mundo del cine aún dominado por los hombres; a la vez que empieza a surgir un romance con Buckley (San Clafin), que es uno de los coguionistas del film.


La crítica: La magnífica directora danesa Lone Scherfig (An Education), vuelve a las pantallas con este irregular filme británico, que no obstante deja unas pinceladas de cine dentro del cine, para el recuerdo. La película está basada en la pasable novela 'Their Finest hour and half' de la escritora y directora televisiva británica Lissa Evans.

El largometraje (y tan largo), cuenta de salida con uno de los problemas del cine actual y es el alargamiento innecesario e inexplicable de algunas tramas que no dan para tanto. De nuevo, nos encontramos con un metraje que se va hasta casi las dos horas, cortando de esta manera el posible ritmo que la historia pudiera tener. Y es que la primera parte de la película se siente plomiza e incluso sobrante. Es ya en la segunda parte, cuando encontramos toda la esencia e incluso muy buenos detalles de cine para no olvidar. Por lo tanto, es una cinta para ver con bastante tranquilidad o lo que ahora llaman una peli de mantita y buen café. Aunque pensándolo bien y a las gélidas temperaturas que ponen el aire acondicionado en las salas de cine, tampoco es mal plan llevarse la manta y el café a la sala de cine.

Volviendo un poco sobre la historia, hay que recordar que en aquellos tiempos existía en el gobierno británico un Ministerio de Información con una sección dedicada exclusivamente al cine. De hecho, en plena segunda guerra mundial, 30 millones de británicos iban al cine todas las semanas suponiendo esto, 120 millones de entradas vendidas al mes. El público buscaba en el cine, evasión, esperanza y olvidarse durante un par de horas de los horrores de la guerra. Y esto, en parte es lo que trata de reflejar 'Su mejor historia' con un resultado desigual.

Para ello, la cineasta lo que trata de mostrar a través del personaje de Catrin, es una versión femenina sobre la guerra, ya que la mayoría de la población masculina estaba llamada a filas. Por otra parte, también queda reflejada en la filmación, el sentido comunitario que se estableció entre la población asediada por los continuos bombardeos nazis. Pero sobre todo, la cinta nos habla de como el cine pudo ser un factor para animar a la población, levantar la moral de las tropas e incluso intentar convencer a los estadounidenses de que debían entrar en la guerra europea como única manera detener el totalitarismo de Hitler.

Toda esta lluvia de ideas se focaliza a un ritmo tremendamente pausado, en la que vemos como era la vida de los guionistas de la época, como estaban perplejos de como una mujer escritora era más inteligente que ellos y tenía mejores ideas para llevar la película encargada a la pantalla. Es en este entorno, donde surge el romance entre Catrin y Buckley con consecuencias imprevisibles para ambos.


En el reparto, nos encontramos cargando con todo el peso de la película, a una poderosa y excelente Gemma Arterton (Melanie. The girl with the all gifts), que además es una de la mejores actrices británicas de la actualidad. Su compañero guionista, es interpretado por un gris Sam Clafin (Blancanieves y la leyenda del cazador), que está muy por debajo de su compañera de reparto. Por el contrario, el tercer personaje a destacar, es el gran y veterano actor británico Bill Nighy que despues de una larga carrera, quizás se hizo conocido para el gran público por su interpretación en 'Hotel Marigold' y su secuela. En esta ocasión, tiene un papel con cierta comicidad, interpretando a un viejo actor que no asume su edad y que es contratado para hacer la película propuesta por el Ministerio de Información inglés.

Para concluir, diré que 'Su mejor historia' nos habla fundamentalmente del amor a una profesión como es el cine, en su distintas vertientes y visto desde un necesario punto de vista femenino. De hecho, son mujeres en la producción: la novelista, la guionista, la productora, la directora y la actriz principal entre otras muchas trabajadoras del film. Otra motivación de la cinta, es poder observar el trabajo de los guionistas, que no pocas veces tienen que improvisar su trabajo ya redactado. La lástima de la filmación, es que su forma narrativa arrítmica, no deja lucir el mensaje que trata de trasladar y que no es otro, que la visión de una mujer que amaba el cine, a su profesión y como llevar un guion y su trabajo a la gran pantalla en tiempos de guerra. Quizás lo mejor de la película y con esto no estoy desvelando nada fundamental, es que en las escenas finales, hay una secuencia en un cine de Londres, que hace entender el porqué es tan profundo el amor por el cine de todos lo que admiramos el séptimo arte. Esta si es la mejor historia de la película.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido.
Directora: Lone Scherfig.
Reparto: Gemma Arterton, Sam Clafin,
Bill Nighy, Jack Huston, Jake Lacy.
Guión: Gaby Chiappe.
Fotografía: Sebastian Blenkov.
Música: Rachel Portman.
Duración: 117 minutos.
Estreno EE UU: 07/04/2017.
Estreno Reino Unido: 21/04/2017.
Estreno España: 14/07/2017.


miércoles, 12 de julio de 2017

Entrevista al escritor, antropólogo y cinéfilo José Dueso, que nos presenta su libro: Las películas más polémicas de todos los tiempos


Es un placer y un orgullo recibir en Cine y críticas marcianas la visita del escritor y experto en mitología vasca José Dueso. Con más de 200 libros publicados en su haber, en esta entrevista nos hablará de su libro 'Las películas más polémicas de todos los tiempos', repasaremos su carrera como escritor y finalmente responderá a una ráfaga de preguntas cortas para conocer sus gustos más personales. La conversación se produjo durante una visita a Madrid en la que el antropólogo concedió una entrevista en radio, para hablar sobre mitología y brujería de la que es un consumado especialista. Personalmente, pude conocer a José Dueso en 2016, a través de las redes sociales y en el entorno de nuestra pasión común por el cine; de hecho los primeros asiduos al blog marciano le recordaran con cariño. Recibir su apoyo, estímulo y consejos durante el arranque de este blog de cine fue muy gratificante y con ello se demuestra que la función de los escritores más consagrados, no solo es promocionar o divulgar su obra, sino que también pueden aconsejar y orientar a las personas que estén empezando, en mi caso, a interpretar públicamente lo que sucede en las pantallas de cine. Sin más preámbulos os dejo ya con la entrevista.


El libro.

Hola José, ¿qué nos vamos a encontrar en tu libro dedicado al cine y a sus películas más polémicas?

En general, lo que su título indica. Calculo que puede haber unas 3000 películas que por diversas circunstancias, como generar controversias, haber estado prohibidas, o ser rompedoras en extremo, merecen ser calificadas como polémicas. Lo que yo he hecho en el libro, es seleccionar las aproximadamente 220 de entre esas 3000, que a nivel mundial son las más representativas de lo llamativo y rompedor. En realidad, la idea del libro hubiera sido hacer 10 volúmenes que iban por temas, pero de momento lo he dejado en uno. También pensé en hacer uno dedicado en exclusiva a la cinematografía española -en el libro está Viridiana- pero el mercado del libro está bastante complicado actualmente. Próximamente, también reeditaré este libro y añadiré las películas polémicas que van surgiendo en los últimos años hasta nuestros días.

¿Qué más criterios seguiste a la hora de seleccionar el porqué una película es más polémica que otra, entre las 3000 que has comentado antes?

Creo y los hechos han venido a demostrar que son las más representativas de la polémica en el cine. Pero mira, por lo que surge el libro, es porque yo viví en la época de la censura hasta el año 1977, que por aquel entonces tenía 21 años y muchas películas las pude ver, pero otras muchas no y me quedé con las ganas y cuando las vi tiempo después, fue la semilla quizás de este libro. Fue una época curiosa, pues se hablaba tanto de las películas censuradas que muchas veces sabíamos más de las películas que no habíamos visto, que incluso de las que si habíamos tenido la oportunidad de ver los de mi generación. El factor morbo, desde luego era una de las claves de este interés cinéfilo, pero no solo la parte de los besos, sino la parte que los curas cortaban (risas). Por cierto, tuve la suerte de tener un amigo que su padre era proyeccionista, antes se llamaba operador de cine, y este hombre también coleccionaba cortes como en la película italiana Cinema Paradiso y me sentía en cierta manera un privilegiado. Otras de las cosas que me acercó a las películas polémicas, fue cuando era estudiante y conseguíamos ver películas prohibidas que llegaban a través de las embajadas en valijas diplomáticas y se proyectaban clandestinamente en los cine clubs o cine fórum de las universidades y escuelas, pero todo a escondidas, oficialmente esto no existía claro. Godard, Buñuel y sobre todo el movimiento de la Nouvelle Vague eran las películas que más llegaban, con alguna incursión de cine del este de Europa que por razones políticas de la época franquista era prohibido.

¿El espíritu de tu libro es ser una guía de películas controvertidas o buscabas algo más?

Fundamentalmente es una guía y una miscelánea sentimental, un recordatorio de cosas curiosas, de anécdotas. En las películas que te gustan es inevitable que pongas un poco de tu corazón, de tu cariño y en las que no te gustan pues se nota, a pesar que algunas de ellas han obtenido un reconocimiento mundial. Yo tengo un escepticismo hacia varias películas, por ejemplo hacía la última de Kubrick con Nicole Kidaman y Tom Cruise titulada 'Eyes Whide Shut' que me pareció una porquería (risas), u otra que no me gustó nada fue El resplandor. Sin embargo, me gusta mucho 'La naranja mecánica' que es una de las mejores películas de la historia para mi gusto.

En el libro cuentas que la cinta estadounidense Baby Doll de Elia Kazan, fue calificada por la revista Time como "la película americana más sucia que jamás haya sido exhibida". ¿Cuéntanos el motivo de tanto escándalo?

Era una historia que tenía una sensualidad desmedida por su protagonista Carrol Baker y la peculiaridad que tenía, es que se trataba de una menor, con el añadido de encontrase ante una sociedad muy puritana. Ella se casaba con un señor mayor que podría ser su abuelo y con unas condiciones draconianas como que no se podía consumar el matrimonio hasta que la chica tuviera los 18 años. Además, otro hombre se interesa por ella y todo esto dirigido por Elia Kazan que es donde está la madre de todos los corderos, ya que este, en la industria de Hollywood era un traidor y estaba en la lista negra con el famoso tema de la caza de brujas; en definitiva era un director considerado maldito.

Puede sorprender a algunas personas que la dulce compañía de cine Disney sea una generadora de polémicas. En tu libro recuerdas la cinta Aladdin de 1992. ¿Qué es lo qué pasó con esta cinta de animación?

La película Aladinn fue muy protestada en los paises musulmanes y se le acusó de islamófoba, especialmente por la letra de alguna canción, que hubo de ser cambiada a última hora para acceder a aquellos mercados. Lo cierto es que las películas Disney, por un motivo u otro, siempre han estado rodeadas de escándalos, polémicas, controversias varias....
En realidad desde los tiempos de 'Blancanieves y los siete enanitos' hasta ahora mismo. Se ve que descubrieron que la polémica vende o puede vender. Y digo "puede", porque en el caso de 'Fantasía' el escándalo perjudicó su carrera comercial.

De las películas reseñadas en tu libro, ¿cuál te parece la más polémica? ¿Y cuál es la que personalmente más te ha gustado?

En mi opinión la más polémica y no es que me guste mucho, es la última de Pasolini titulada: 'Saló o los 120 días de Sodoma' que es una auténtica cirugía "virguera" sobre la perversión del poder. La cinta está basada en una novela del Marques de Sade y a su vez ambientada en la Italia de la segunda guerra mundial con el fascismo, los hijos de los partisanos, etc, etc, pero sería aplicable a cualquier otro momento histórico reflejando el despotismo del poder. Quizás, la que más gustó, es la que te he comentado antes de 'La naranja mecánica', que estaba tan prohibida que cuando llegó, la vimos como el que bebe agua tras un periodo de sequía. Hoy vista, ha perdido algo, pero sigue siendo una película muy inteligente que también es un juego sobre la perversión del poder.


Autor. 

¿A qué edad te empezó a llamar la atención la lectura y cuándo empezaste a escribir?


La lectura siempre, porque vivo en una familia que ha sido muy lectora. Mi padre era marino y trabajaba en un petrolero muchos meses fuera de casa, pero antes de que él llegara de nuevo a casa, le precedían un baúl o unas cajas de libros que nos mandaba, con esto te puedes hacer una idea de como era el ambiente de libros que había en nuestra casa. Todos los hermanos somos lectores, mi madre todavía sigue leyendo a pesar de ser mayor, en fin, que si lees mucho al final te aficionas a la lectura. Personalmente me gusta más el ensayo o el reportaje que la propia novela. Respecto a la segunda pregunta, de niño ya escribía cosas en la revista del colegio y con 11 años escribí un cuento y gané el primer premio literario, que además fue un lote de libros y 5000 pesetas de premio en efectivo. Hasta los 20 años, seguí presentándome a concursos literarios y gane otros premios, pero acabaron por no convencerme.

¿Cuál fue tu primer libro publicado?

Fue en año 1978 y se publicó en la editorial Ediciones Vascas que ya no existe. Se llama 'Cara de policía', que es el título de un cuento entre los 48 de los que se componían el libro. Este, está ambientado en el País Vasco de los últimos tiempos de Franco y primeros de la transición, en la que Euskadi era un polvorín.

¿Cuántos libros tienes publicados a fecha de hoy?

Huy.... unos 210 entre reediciones, traducciones y textos propios.

Una de tus temáticas preferidas en tu obra es la mitología y la brujería, ¿qué es lo que te llama tanto la atención de este tema?

Pues todo, ¿a quién no le va a llamar la atención este tema? Mira, para empezar hay un error cuando lo llamamos brujería, ya que el término correcto sería brujología, ya que brujería sería la sabiduría de las brujas (si yo fuera brujo, lo que haría es brujería). Entonces, cuando estudias la caza de brujas, la inquisición, los juicios y demás, eso es brujología, que por cierto es una palabra que no esta aceptada por la Real Academia. Todo esto, me viene de mi afición montañera juvenil, entonces todo el mundo iba al monte, pero a mi no me llenaba subir a una montaña sin más, me gustaba ir viendo las cosas que te encontrabas por el camino, es decir, las ermitas, cuevas, dólmenes, piedras y enterarme de las leyendas, e ibas indagando y caramba lo que había detrás y dentro de todo esto, me llamaba la atención la bujería, que en el fondo es un desenfoque del folklore tradicional.

¿Crees que las brujas o los brujos han existido o existen en realidad o son una leyenda por llamarlo de alguna forma?

En resumidas cuentas, todo lo que tiene nombre existe, pero como concepto, no como tu quieres que sea, es como decir, ¿existe Dios? pues tiene nombre, ahora otra cosa es como defines tu estos términos. Respecto a si las brujas pueden tener "poderes mágicos", no lo creo, otra cosa es el poder de sugestión que tengan o el poder de prestidigitación, que al fin y al cabo en la magia este concepto pueden llamarse igual. Quisiera aclarar que la mayoría de los crímenes o de las cosas de las que eran acusadas las brujas, al final eran delitos comunes, envenenamientos o cuestiones que no tienen nada que ver con la magia.

Cambiando de tema, tienes dos libros publicados con los curiosos nombres de 'Los mil y un nombres del pene' y 'Los mil y un nombres del coño', ya veo que te atreves con todo, pero ¿cómo hiciste tan amplia recopilación de términos?

En primer lugar leyendo mucho, entonces no había Internet y ese libro apareció en el año 1995 en Ediciones B, pero ya hacia tiempo que venía recopilando los nombres en fichas, a veces los oía por ahí, me hacia gracia y lo apuntaba. El primero fue 'Los mil y un nombres del coño' que más que éxito de ventas, tuvo una gran repercusión mediática y me llamaron de muchos sitios para su promoción.

Misterios en la carretera es un estupendo libro de relatos cortos que personalmente he leído y recomiendo, ¿qué consejos darías a los escritores nóveles a la hora de elaborar un relato corto o un microrrelato ?

Sobre todo que no se enrollen, como decía Baltasar Gracián "más vale quintaesencias que fárragos". Es mejor contar una historia cortita, pero que impacte. Y es que literatura hay mucha y a la gente, a lo mejor no le apetece algo demasiado largo y es preferible llamar la atención, por algo impactante, que recrearse en descripciones infinitas. Respecto al libro de 'Misterios en la carretera', la idea viene del año 1989 cuando estaba haciendo un programa de televisión en Antena 3 con Andres Aberasturi, llamado 'En los límites de la realidad' y de allí me gustaban especialmente las historias que tenían que ver con las carreteras y me enganchó el tema. Años después fue publicado finalmente el libro.

¿Cuál es tu libro más vendido, cuántos ejemplares vendió y cuántas ediciones se realizaron?

Mi libro más vendido ha venido siendo "Bujería en el País Vasco". Ha conocido diversas reimpresiones y ediciones distintas, 5 o 6, creo recordar, y dejé de contar los ejemplares vendidos cuando superó los 50.000, cosa que sucedió hace más de veinte años, tiempo en lo que, como es sabido, todavía se compraban libros...(risas).


Preguntas cortas. 

Tu película preferida española de todos los tiempos.


El verdugo de Luis García Berlanga, con mención especial a Bienvenido Mr Marshall también de Berlanga.

Tu película preferida internacional de todos los tiempos.

La huella de Joseph L. Mankievicz y El golpe de George Roy Hill.

Tu actriz favorita del cine clásico.

Natalie Wood, especialmente en su papel de María en West Side Story.

Tu actor favorito del cine clásico.

Max Von Sidow.

Tu actor preferido del cine actual.

Michael Caine.

Y tu actriz del cine de hoy.

Juliette Lewis.

El mejor director de cine de todos los tiempos.

Orson Welles e Igmar Bergman (se lo piensa y cita también a Pasolini y John Ford).

El mejor director de cine de la actualidad.

Clint Eastwood.

Tu festival de cine preferido.

El de Donosti.

La sala de cine preferida o más bonita que hayas visto.

Las salas Griffith de los años 70 en Madrid.

Tu libro favorito.

La piedra lunar de Wilkie Collins (cita muchos, pero hay que elegir uno).

Tu plato de comida preferido.

Las habitas tiernas con jamón.

Un lugar para vivir.

El Pirineo en general con la parte de Huesca y Cataluña a la cabeza, y en particular el pueblo de Torroella de Montgrí (Girona).

Una ciudad por conocer.

Bodo en Noruega.

Muchas gracias José por toda tu atención y por contestar a todas las preguntas, ¿quieres añadir algo para concluir la entrevista?

Saludos para todos los asiduos a este espacio de cine y decir que hay que ser marcianos en este mundo tan terrícola. Además es posible que los terrícolas también seamos marcianos -risas terrícolas y marcianas- y tu a persistir y a seguir siendo tu mismo a pesar de que es muy difícil de conseguir. Y que la gente siga viendo cine, ya sea en la sala o por los medios actuales tecnológicamente adecuados, pues hay lugares que ya no existen los cines, bueno pasa como con las librerías que cada vez hay menos, pero hay que seguir leyendo. Muchos saludos de nuevo para todos los lectores.

El libro que nos presenta hoy José Dueso se puede encontrar en Amazon en el siguiente enlace Las Películas Más Polémicas De Todos los Tiempos

Otros libros publicados del autor ya disponibles para dispositivos electrónicos, en el siguiente enlace: José Dueso Amazon



viernes, 7 de julio de 2017

Baby Driver


No hay fin, no hay comienzo. Solo hay pasión por la vida. -Federico Fellini.

La historia: Baby (Ansel Elgort), es un joven muy introvertido que perdió a sus padres en un accidente automovilístico y desde entonces no consigue levantar cabeza. Tras robar casualmente al mafioso Doc (Kevin Spacey), contrae una deuda con él y se ve obligado a pagarle mostrando sus dotes de brillante conductor en la huida de los atracos a bancos planeados por el "capo". Todo se complica aún más, cuando Baby se enamora de una joven camarera llamada Debora (Lily James) y pretende huir con ella para iniciar una nueva vida. ¿Les dejarán ser felices? ¿Resistirá Debora la presión?


La crítica: Pedazo de película que firma el cineasta británico Edgar Wright (Bienvenidos al fin del mundo), que va a marcar quizás el hito más alto en la narrativa británico estadounidense de este verano boreal 2017. Con un arranque de una primera vertiginosa hora de vértigo, música y conducción, es en la segunda parte de la cinta cuando aperece un cierto aire soft/post "tarantiniano" en pantalla, para completar una propuesta sorprendente y altamente divertida. Cuando relacionemos espectáculo en el cine con inteligencia, en nuestra cabeza aparecerá el recuerdo de Baby Driver.

¿Quién es realmente Baby? Independientemente de lo sucedido en el pasado,  Baby es ahora un excelente conductor que con su habilidad, es capaz de despistar hasta el último coche de policía que se le cruza en el camino. Tiene otra peculiaridad, y es que la música es la otra pasión de su vida, pasando el día pegado a su Ipod que le sirve como motivación personal. De hecho, es incapaz de conducir para su grupo de atracadores si la música no suena y está perfectamente seleccionada. Pero además, él repudia lo que está haciendo, pero tiene que pagar una deuda adquirida con el jefe del clan mafioso. De hecho, Baby es un buen chico y quiere salir de ese mundo de inmediato. En cuanto a la filmación en sí misma, el ritmo narrativo es completamente sobresaliente siendo un disfrute cinéfilo moderno y muy acertado, abriendo con ello nuevos caminos en la cinematografía actual.

Y si de espectáculo hablamos, no se puede quedar en el tintero una maravillosa secuencia que fue ensayada y coreografiada por el mismísimo Ryan Heffington, en el que vemos a Baby recorrer tres manzanas y son sincronizados: coches, peatones, camareros, niños e incluso perros que pasean por el lugar al ritmo de una música perfectamente seleccionada. Es por ello, que tanto esta escena como la primera hora de la película se convierten por méritos propios en una especie de musical modernista de auténtico lujo.

Por otra parte, la cinta rinde un cierto homenaje a Steve McQueen en la cinta Bullit de Peter Yates, en las que siempre se recordaran las espectaculares persecuciones de coches, aunque en Baby Driver las escenas están rodadas en la ciudad estadounidense de Atlanta. Y como curiosidad adicional, cabe destacar que el director de la cinta se apoyó en el asesoramiento del ex atracador de bancos Joe Loya, que escribió un libro con el curioso título de 'El hombre cuya prisión se le quedó pequeña: confesiones de un atracador de bancos'.

Pero no olvidemos que Baby Driver es algo más que una cinta de persecuciones y atracos a bancos, es más, yo me atrevería a decir que esa es la excusa para narrar la historia de un chaval de 20 años marcado por un terrible pasado, pero con un futuro por delante junto a la chica de sus sueños que podría ser su forma de redención. 

Cafetería americana perfectamente construida para Baby Driver, ¿han visto Pulp Fiction?

El reparto y de menor a mayor importancia protagónica está integrado por un estupendo Jamie Foxx (Django desencadenado), un acertado Jon Hamm (Mad Men), una explosiva Eiza González (serie adaptada de 'Abierto hasta el amanecer' -From dusk till dawn-) y el jefe del equipo interpretado por el genial Kevin Spacey (American beauty), que conforman un grupo que el mismísimo Tarantino hubiera firmado. Y como contraste y encabezando el reparto, nos encontramos con la dulce actriz británica Lily James (La Cenicienta) y con el ya actor revelación de 2017 Ansel Elgort (Bajo la misma estrella), que a sus 23 años se confirma como el interprete más talentoso de su añada.

Especial atención merece la banda sonora de la producción con una exquisita elección de las pistas musicales y en la que nos encontramos temas como Harlem Shuffle de Bob & Earl, Egyptian Reggae de Jonathan Richman & The Modern Lovers, B-A-B-Y de Carla Thomas, Intermission de Blur o Never, never gone give you up de Barry White.

En conclusión, Baby Driver es una apuesta elocuente, apabullante y lubricante entre otros sufijos ante, que dejo ya a la elección del imaginario del espectador; pero que también podría incluir el término cargante por poner una pequeña pega crítica, para volver a hablar a continuación de un espectáculo coagulante, golfante, incitante, refrescante, penetrante, amenazante o sencillamente vibrante.
The End.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: EE UU, Reino Unido.
Director: Edgar Wright.
Reparto: Ansel Elgort, Lily James,
Kevin Spacey, Jamie Foxx, Eiza González.
Guión: Edgar Wright.
Fotografía: Bill Pope.
Música: Steven Price.
Duración: 115 minutos.
Estreno EE UU: 28 de junio 2017.
Estreno España: 7 de Julio 2017.
Estreno Argentina (previsión): 27/07/17.

lunes, 3 de julio de 2017

Películas curiosas: Giro al infierno (U-Turn)


Antes de que Oliver Stone "perdiera la cabeza" de alguna manera o se fanatizara políticamente que viene a ser lo mismo (y me da igual el signo político), escribió grandes guiones como el de 'El expreso de medianoche' o el de 'Scarface'. También dirigió 'Platoon' o 'Wall Street' entre otras. Es después, cuando se dispuso a glosar a personajes como Fidel Castro o Hugo Chavez degradando su cinematografía a subproductos propagandísticos. En todo caso, en Cine y críticas marcianas ningún cineasta o actor va a ser vetado por cuestiones ideológicas.

Por casualidad, este Giro al infierno en mitad de la nada, ha vuelto a caer en mis manos y he vuelto ha quedar absorto y absolutamente maravillado ante una cinta completamente loca, asfixiante y con momentos de un cine con influencias de Tarantino y que a su vez siento que fue de alguna manera inspiración para la sobresaliente cinta argentina Relatos Salvajes.


Bobby (Sean Penn) es un tipo de mala reputación, que se gana la vida haciendo "trabajitos" para un mafioso. Durante un viaje y en una carretera que atraviesa el desierto de Arizona, sufre una avería en su automóvil, y esto le lleva a un recóndito pueblo perdido en mitad de la nada. Allí y tras dejar el coche en un siniestro taller mecánico, conoce a Grace (Jennifer Lopez) con la que conecta de una manera especial. El resto de los habitantes harán que Bobby nunca hubiera deseado llegar hasta allí.

La película es del año 1997 y está basada en la novela Stray Dogs (perros callejeros) del escritor y guionista estadounidense Jhon Ridley, ganador a posteriori del Oscar de la Academia por Doce años de esclavitud en el año 2013.

En cualquier caso, la fuerza de esta película descansa en la fuerte personalidad de su director tanto para bien como para mal. En el año de su estreno, fue un zarpazo de ferocidad para la pacata sociedad sureña estadounidense. Allí se conservan aún unos valores anticuados y obsoletos que tristemente han aupado a un sujeto tan violento, machista y retrogrado como es el nuevo inquilino de la Casa Blanca.

Pelicula de giros, comenzando por el inicial desvío de la carretera del protagonista, que sirve como metáfora para los continuos y cada más sorprendentes giros que sustentan el argumento de la historia. Casualidades inesperadas, que el refranero de nuestra querida lengua común reflejaría con "hacer de la necesidad virtud", que es lo que hacen los maquiavélicos personajes de este sórdido lugar.

Historia de un perdedor que resulta entrañable ante el cúmulo de desdichas y desgracias variopintas, que hacen al espectador identificarse con él, a pesar de su bajeza moral. Es tan asfixiante el clima creado por Stone, que deseas que este desgraciado encuentre la formula para salir de ese entorno tan violento y enfermizo cuanto antes.

La clave de la producción está en el explosivo romance que se establece entre Bobby y Grace. La confluencia en los deseos de Grace de escaparse del pueblo y de romper con su marido, encuentran en Bobby una oportunidad única. Entre los dos planean el asesinato del marido de ella, ante la imposibilidad por una cosa o por otra de poder huir. Pero antes de llegar a ese punto, Bobby conoce al marido y se establece una perturbadora relación a tres bandas. Cabe destacar también la fuerte carga erótica en este triangulo amoroso en un escenario de sexo, sudor y lágrimas en medio del ardiente desierto.

Los personajes que van desfilando por la pantalla son realmente unos antihéroes anónimos con una visión del mundo que no va más allá de lo poco que tienen o anhelan. También nos encontramos con secuencias apoteósicas de extremos que beben de la serie Cuentos Asombrosos y que a la vez luego fueron bebidas por Relatos Salvajes como comenté anteriormente.


El elenco artístico es extraordinario, comenzando por Sean Penn que por fin dio el salto de calidad que se esperaba de él. Jennifer Lopez tiene el mejor papel de su carrera y sabe sacarle partido al personaje de Grace, luciendo carismática, ardiente, y envolvente en cada escena, siendo realmente puro fuego en el desierto. Nick Nolte aparece como marido de Grace demostrando que es un actor soberbio, con una fuerte personalidad y bastante talento. Por otra parte Joaquín Phoenix y Claire Denis interpretan con gracia y acierto a una joven pareja que están desquiciados por la rutina del pueblo. Pero quizás el mejor papel de la cinta lo hace un irreconocible Billy Bob Thornton que interpreta al surrealista mecánico del municipio. Sin embargo, el prestigioso actor John Voight (padre de Angelina Jolie), no tiene su mejor día haciendo de un vagabundo ciego. Que le vamos a hacer, como le dijeron a Jack Lemmon en la cinta 'Con faldas y a lo loco', nadie es perfecto.

En conclusión, Giro al infierno es una autentica orgía de cine salvaje y vanguardista que puede causar estupor a algunas personas por la extraña forma de estar rodada, por una fotografía muy distinta a la habitual y por llevarnos por una narrativa bastante inusual. Pero precisamente esto es lo que la hace una película curiosa y bajo mi punto de vista, una película absolutamente distinta.

Otras películas curiosas en Cine y críticas marcianas:

Bowling for Columbine

Nómadas del viento

jueves, 29 de junio de 2017

Entrevista a Macarena Sanz, actriz de Selfie


"A Santiago Alverú, le acompaña en el reparto Macarena Sanz con buena nota -muy buena nota- en el papel de una chica invidente que se enamora de Bosco. Una actriz que denota su calidad por su clara formación teatral".
-Cine y críticas marcianas, 23 de junio de 2016 (Reseña Selfie)


Hoy en Cine y críticas marcianas tenemos el honor de recibir a la joven y talentosa actriz española Macarena Sanz que cuenta con una gran formación teatral. Ahora, afronta en Selfie su segundo paso por la gran pantalla, tras su excelente actuación en Las Furias de Miguel del Arco, en la que compartía elenco con José Sacristán o Carmen Machi entre otros grandes actores. En Selfie, demuestra su talento interpretando con gran acierto al personaje de Macarena que es un chica ciega. Hoy hablaremos de su película, de su formación como actriz y nos contará algunos de sus gustos cinematográficos y parte de sus sueños y anhelos personales. 


Hola Macarena, ¿qué nos vamos a encontrar en Selfie cuando vayamos al cine a verla?

Selfie es una comedia muy ácida que habla sobre España, es decir, un retrato cómico de la España actual. Plantea dos mundos en los que se nos quieren hacer ver cómo se divide España, polarizando en ser de derechas o de izquierdas. En cierta manera nos recuerda a los esperpentos de Valle Inclán.

¿Os esperabais el equipo de la película el gran éxito obtenido en el reciente Festival de cine en Español de Málaga, con dos importantes galardones?

Había una parte en la que lo deseábamos mucho y nos apetecía mucho ya que había un gran esfuerzo detrás de la película, pero no nos lo esperábamos para nada, nos sorprendió mucho y nos hizo mucha ilusión. Si bien es verdad que como te decía, hubo mucho trabajo y esfuerzo y el hecho de no partir como película favorita fue una sorpresa mucho más agradable.

Selfie es comedia satírica sobre la situación política actual en España. ¿Cómo encuentras tú actualmente nuestro país en este aspecto?

La situación política actual española se ha convertido en una especie de show con tertulias al estilo del Sálvame de Telecinco, pero llevado a las tertulias de políticos. Lo bueno de todo esto es que la política está mucho más presente en nuestras vidas. Creo que por ejemplo el 15-M fue un antes y un después en la política de España y cómo la gente también se involucró. Lo que pasa que algo tan honesto al final también se ha politizado de alguna manera y ha perdido algo de su esencia. Lo que es muy llamativo es que todos los días salen en los periódicos casos de corrupción y te sorprende las pocas consecuencias que esto conlleva. Por otra parte, hay algo esperanzador en todo esto y es que la gente se está tomando la política como algo importante en su vida a través de los nuevos movimientos sociales y eso me da esperanza.

¿Habéis tenido algún problema con los políticos, especialmente con los del Partido Popular o Podemos?

La verdad es que ninguno, se lo han tomado bien. Y me gusta además que en la película queden reflejados los mitines políticos del PP y Podemos para hacernos una idea de cómo era la España del 2015 y 2016.

Hablando ya de tu actuación, ¿qué papel representas en la película?

Pues hago de Macarena que se llama igual que yo porque lo decidimos entre el director y yo. Ella es ciega, es de Podemos, es una tía muy maja, muy simpática, pero a mi también me da la sensación de que también hay un punto extraño en Macarena....cómo que se siente muy bien ayudando a los demás y en eso hay algo también algo egoísta, porque si te das cuenta, siempre está tratando de ayudar a la gente pero de una manera egoísta, porque le hace sentir bien, de hecho, por eso se enamora de Bosco, ya que lo encuentra tan absolutamente desamparado que eso es lo que le gusta de él.

Yo personalmente en mi crítica o en mi manera de ver la película, pienso que Bosco busca enamorar a Macarena para tratar de sacar provecho de ella. ¿Cómo lo ves tú?

Si, hay un punto extraño y egoísta por parte de los dos. Bosco necesita a Macarena para tener un sitio donde dormir y ella le necesita a él para sentirse bien. Pero pienso que al final si se enamoran de verdad.

¿Cuál fue tu preparación para interpretar a una chica invidente?

Pues tuve poco tiempo de preparación, una semana aproximadamente. Tuve la ayuda de una mujer invidente que se llama María y es de Toledo y que es la que me prestó las gafas y el bastón. Recuerdo una anécdota que relataba María en plan gracioso y era eso que sale en las películas de tocar la cara de las personas y con ello saber cómo es la cara visualmente de la persona y me decía que eso era un mito. También hablamos de la corporalidad y de los obstáculos que te puedes encontrar por la calle y de la tensión que ello produce. Por lo tanto, yo seguí los consejos de la tensión corporal, hice toda la película con los ojos cerrados, en alerta y con mucha concentración en escena. La película se rodó intermitente a lo largo de un año en Madrid y estoy muy agradecida a Víctor García León por su confianza en mí.


¿Cuál fue tu primer trabajo profesional en el mundo de la interpretación?

Mi primer trabajo profesional en el teatro fue en el año 2011 con una obra que se llamaba Münchhausen, en el Centro Dramático Nacional, en la sala Francisco Nieva. Yo en ese momento estaba estudiando en la Resad (Escuela Superior de Arte Dramático) y me escogieron con 21 años y yo flipaba claro -risas-.

Entonces tu formación como actriz se completó en la Resad, ¿pero cómo empiezas desde pequeña a interesarte por este mundo?

Pues cuando estaba en el colegio me apunté a la escuela municipal de arte dramático, la Emad, escuela que recomiendo muchísimo porque es una escuela muy económica al ser municipal y donde hay muy buen rollo. El teatro se lleva mediante el juego que es como a mi me gusta, y cuando acabé en la Emad, hice unas pruebas de selección para la Escuela Superior de Arte Dramático, me admitieron y completé mis cuatro años de formación.

Cuéntanos tu paso por el teatro y que significa para ti.

Para mí el teatro es la vida -se emociona-, es mi pasión, haciendo teatro es uno de los momentos donde más disfruto de la vida. Me encanta ensayar, que en cine o una serie igual se hace menos. Y luego las funciones teatrales me encantan, pues a pesar de estar haciendo el mismo texto, para mí son nuevas cada vez. Me encanta el teatro.

¿Qué obras has realizado?

Münchhausen, después hice El Inspector dirigida por Miguel del Arco, y fue en el teatro Valle Inclán. Después estuve un año haciendo Maribel y la extraña familia de Miguel Mihura en el teatro Infanta Isabel, también El laberinto mágico en el Teatro Valle Inclán. Después de esto, grabé la película Las Furias y varias obras más, hasta llegar a la más reciente llamada Refugio que hemos terminado hace dos semanas.

Aunque tú, por el talento demostrado no paras de trabajar en el teatro o en el cine, ¿Cómo llevas o llevarías, los tiempos de espera cuando el teléfono no suena para nuevos trabajos?

Lo que haces es apuntarte a muchos cursos para entrenar o a los llamados grupos de entrenamiento para actores que por suerte en Madrid los puedes encontrar. Es decir, estar muy preparada para cuando suene el teléfono.

¿Cuales son tus próximos proyectos profesionales?

Es la gira de la obra teatral El laberinto mágico, que trata sobre la guerra civil y es una adaptación de las novelas de Max Aub y vamos a Valencia, Alicante, Barcelona, y Moscú. Y después me gustaría tomarme un año de preparación y formación.

Macarena siempre sonriente. Texto y fotos: Miguel Pina


Vamos con unas preguntas cortas Macarena.


¿Cuál es tu película preferida española?

Amanece que no es poco, de José Luis Cuerda.

¿Y la internacional?

Sentido y sensibilidad, de Ang Lee.

Dime tu actriz favorita del cine clásico.

Katherine Hepburn.

Dime ahora tu actor favorito del cine clásico.

Fernando Fernán Gómez. 

¿Cuál es tu actor preferido actualmente?

Abel Vitón y José Sacristán  

¿Y tu actriz española preferida?

Tengo que decir varias, son Teresa Lozano, Alicia Hermida, Sonsoles Benedicto y todas las actrices en general.

Tu director preferido de todos los tiempos.

Sergio Leone.

Tu director o directora de cine preferido en la actualidad.

Nelly Reguera, directora de María y los demás.

Tu festival de cine predilecto.

El Festival de Ópera Prima de Tudela,

¿Cuál es la sala de cine más bonita que has conocido o tu preferida?

La sede de la Filmoteca Nacional (Cine Doré) y también los Cines Avenida y el Palacio de la Música que ya desaparecieron.

Tu libro favorito a día de hoy.

Lobas de Tesalia, de Pilar Pedraza. 

Tu plato preferido de comida.

La ensaladilla rusa.

Una ciudad para vivir.

Madrid.

Una ciudad por conocer.

Buenos Aires.

Una ilusión por cumplir.

Crear mi propia compañía de teatro. 

Muchísimas gracias Macarena por tu atención, por tu humildad, por tu encantadora sonrisa, y darte la enhorabuena por la pasión puesta en tu profesión y por el talento demostrado. ¿Quieres añadir algo para concluir la entrevista?

Muchísimas gracias por la entrevista y también dar las gracias a los marcianos y marcianas que nos van a leer.

Representación artística, currículum y videobook de Macarena Sanz en Kaudiovisual

Para concluir, en el siguiente vídeo veremos algunas imágenes de Macarena Sanz en la interpretación que realizó en la exitosa serie Isabel de Televisión española.

viernes, 23 de junio de 2017

Selfie


Selfie: Autofoto o autoretrato solo o en grupo y generalmente tomada desde un teléfono móvil, una tableta o una cámara web.  -Fundación BBVA.

La vida es eso que pasa mientras te haces cientos de selfies. -Anónimo.

La historia: Bosco (Santiago Alverú), es un joven de la alta sociedad española que se queda en la calle y sin nada, tras ser encarcelado su padre que es un ministro del gobierno y que está acusado de más de veinte delitos económicos. Para recomponer su vida, primero acude a su novia y amigos que le rechazan y desprecian por culpa de su padre. Es entonces, cuando se le ocurre pedir ayuda a los grupos más a la izquierda política del país para que le acojan como una especie de desahuciado pijo en una insólita situación, que le llevará a conocer la otra cara de su propia moneda.



La crítica: El cineasta español Víctor García León ha dado la sorpresa en el pasado Festival de Cine en Español de Málaga y se ha llevado el Premio de la Crítica, además de la Mención Especial del Jurado por esta gamberrada cínica que se convierte en una acertada sátira de una parte muy importante de la sociedad española.

Y es que Selfie es una comedia con un ácido tono burlón hacia dos maneras tan distintas de entender la vida y la política como representan el Partido Popular en el gobierno y Podemos en la oposición. Pero lejos de tomar partido por nadie, García León carga contra todos en un lenguaje valiente y políticamente muy incorrecto.

La película es una ficción convencional, pero está rodada a modo de falso documental. Es decir, Bosco el protagonista de la historia, se dirige en muchos momentos a la cámara para ir explicando su situación personal, lo que hace aún mas divertida la situación aunque podría desconcertar al espectador más clásico.

Esta manera de hacer cine no es nueva y sin embargo se antoja completamente vanguardista en un panorama cinéfilo acostumbrado a tirar de remakes o de guiones adaptados de las novelas supuestamente más exitosas. Por eso, cualquier apuesta que se salga del guión establecido tiene todas las de ganar y Selfie es un claro ejemplo de ello. En su debe, habría que decir que el abuso de los tópicos puede resultar exagerado llegando a caricaturizar en exceso a los jóvenes españoles.

Volviendo un poco al argumento, Bosco representa al típico pijo (aburguesado), acostumbrado a una vida a todo lujo y a no dar un palo al agua. Todos los que antes le adulaban, le dan la espalda en un ejercicio muy típico de la hipocresía hispana. A partir de ese momento, Bosco se "infiltra" en el mundo de las Ong's, se hace participe de las causas más solidarias e incluso se aprovecha de una joven ciega enamorándola para poder seguir viviendo del cuento. Esta situación, retrata la picaresca latina e incluso nos lleva a recordar el clásico de El Lazarillo de Tormes adaptado al siglo XXI.


En el reparto hay que destacar el brillante debut de Santiago Alverú (Bosco), que además de actor, es cómico y periodista. Carga con todo el peso del cuerpo actoral en la pelicula y sería de justicia una nominación al mejor actor revelación en los próximos Premios Goya. Desde luego la transmutación que hace de ese niñato pijo y a la vez entrañable es asombrosa y verdaramente nos hace reir. Le acompaña con buena nota, - muy buena nota-, Macarena Sanz (Las Furias), en el papel tragicómico de Macarena que es la chica ciega que es perversamente enamorada por el "pieza" de Bosco. Una actriz que denota su calidad por su clara formación teatral. Y por último mencionar a Javier Carramiñana actor también con formación teatral, que hace el papel de enamorado de Macarena y que es la víctima perfecta para Bosco.

En conclusión, Selfie es la historia de un caradura abandonado a su suerte por todos los que antes le adoraban por su dinero y su posición social. Pero ante todo, la película es una buena comedia satírica que refleja de una manera bastante original, la polarización de la sociedad española expresada a través de los más jóvenes representados en los nuevos movimientos sociales. El cineasta Víctor García León no ceja en su empeño durante todo el metraje, de repartir ostias a izquierda y derecha en un trabajo valiente pero sobre todo divertido para el espectador. Le ha quedado un Selfie la mar de aprovechado que generará debate a la salida de los cines.

Nota: 7/10.

P.D.  Inspirado por mi amiga Elda, hoy voy a dejar cerrados los comentarios para dar un respiro a mis marcianos y marcianas preferidas que con tanto cariño comentan las reseñas. Es una iniciativa que quizás repita con otras críticas marcianas, pues comprendo que a veces puede resultar cansando comentar todas mis marcianadas. Eso si, ¡Os espero en la próxima! Muchas gracias.

Nacionalidad: España.
Dirección y guión:
Víctor García León.
Reparto: Santiago Alverú.
Macarena Sanz, Javier Carramiñana,
Pepe Ocio, Alicia Rubio.
Fotografía: Eva Diaz.
Duración: 85 minutos.
Estreno España: 23 de junio 2017.

martes, 20 de junio de 2017

Mientras ellas duermen (While the women are sleeping)


Todo lo que nos sucede, todo lo que hablamos, y nos es relatado, o entra por nuestros oídos o sale por nuestra lengua, ha de tener un destinatario fuera de nosotros mismos y a ese destinatario lo vamos seleccionando en función de lo que acontece, o nos dicen o bien decimos nosotros mismos.
-Javier Marías, extracto de la novela Todas las almas.

La historia: Kenji (Hidetoshi Nishijima) es un escritor en crisis que pasa unos días de vacaciones en la costa japonesa junto a su mujer Aya (Sayuri Oyamada). Es allí, cuando se fijan en una extraña pareja compuesta por un hombre bastante maduro y su jovencísima acompañante. Una noche en la que el escritor no puede dormir, se encuentra en la piscina del hotel con el misterioso señor mayor y le pregunta casi sin quererlo por la chica que le acompaña. Este sin dudarlo, le confiesa que es su novia y que la graba todas las noches en vídeo mientras ella duerme. Es entonces, cuando Kenji se obsesiona con la pareja y comienza a investigar el fondo de este desnaturalizado romance que le está llevando a recuperar su inspiración.


La crítica: El escritor español Javier Marías escribió en el año 1990 un impactante y poderoso relato en forma de cuento urbano con el mismo título de la película japonesa reseñada hoy. En el, nos narraba la historia de un matrimonio madrileño que coincidía con una desigual pareja de Barcelona en un complejo hotelero de la isla de Menorca. Pues bien, más de veinticinco años después ha sido el cineasta hongkonés Wayne Wang (Blue in the face), el que lo ha adaptado libremente consiguiendo hacer una obra de arte con elementos que el mismísimo Akira Kurosawa hubiera firmado.

Cinco días y cinco texturas diferentes, soportan el orden cronológico sobre el que descansa una narrativa limpia, lúcida y absolutamente perturbadora. La mirada masculina sobre la belleza de la mujer en su lado más sutil, pero también más retorcido, es de lo que nos habla Wang en un discurso sugerente, irreal por momentos, pero de una capacidad insólita para conectar con un lenguaje cinematográfico de un nivel superior a lo que habitualmente vemos en las pantallas mundiales.

Cinta de un metraje perfecto con 100 minutos que son más que suficientes para mostrarnos los extraños comportamientos del ser humano cuando se deja llevar por los instintos más primarios pero a la vez más sinceros. Todo pasa en la historia por la adoración idealizada, obsesiva y a veces disonante de un hombre egoísta al que no le importa su muy pronunciada diferencia de edad -más de 30 años- con su pareja, que no es más que una niña de poco más de 18 años que en principio se siente bien siendo objeto de adoración, hasta que se da cuenta de la toxicidad de esta relación.

La cinta nos habla de un vouyerismo limpio pero insano. Y es que el matrimonio compuesto por Kenji y Aya son los primeros que ejercen esta labor de mirones sobre la extraña pareja. Primero es la mujer del escritor la que fija su objetivo y después es Kenji el que se obsesiona de tal manera que incluso llega a entrar en la intimidad de la habitación de los desconocidos. La situación empieza a descontrolarse y cada personaje se enfrenta a sus vectores más ocultos con unas consecuencias imprevisibles para todos ellos pero sobre toda la joven. La historia evoluciona desde una situación inicial cotidiana de unas simples vacaciones, hasta convertirse en una narración de suspense con algunos tintes de buen cine negro.


El reparto está compuesto por los ya mencionados Hidetoshi Nishijima y Sayuri Oyamada con unas actuaciones convincentes y metódicas que van dando su personal forma a un matrimonio deshilachado, con el cual el director quiere mostrarnos su mirada sobre el porqué a veces (¿o siempre?) en el amor uno de los miembros quiere e idealiza más al otro, mientras la otra parte se limita a poseer y a dejarse querer. Por otra parte, está el hombre maduro interpretado con extraña gracia por el gran Takeshi Kitano (Ghost in the sell) y la brillante Shiori Kutsuna (Unforgiven) que es la fuente del pecado en una alegoría profana a la Eva bíblica.

En resumen, Mientras ellas duermen es una preciosidad de filmación que solo cuenta en su debe con un final abierto en el que los sueños, la realidad y los deseos se funden de una manera desigual impidiendo a la cinta convertirse en una obra maestra. Pero esto sin embargo, no impide que la historia este llena de una belleza hipnótica donde se mezclan con acierto, un sutil erotismo y un mensaje que nos habla de que los acuerdos en el amor a veces son inestables e inexistentes y otras en cambio son reforzados por factores externos inesperados y sorprendentes. En definitiva, un cine independiente de alto calado, que lastimosamente para el gran público solo se exhibe en el circuito de festivales o de las pocas salas de cine independiente que quedan en las grandes ciudades. Aún así, merece la pena esperar, buscar y tener paciencia infinita para volver a enamorarse del cine una vez más.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Japón.
Dirección: Wayne Wang.
Reparto: Hidetoshi Nishijima, Sayuri Oyamada,
Takeshi Kitano, Shiori Kutsuna.
Guión: Mami Sunada, Michael Ray,
Shinno Lee (historia Javier Marías).
Fotografía: Atsuhiro Nabeshijima.
Música: Youki Yamamoto.
Duración: 103 minutos.
Estreno Japón: 27/02/16.
Estreno España: 16/06/17.
Festivales: Sitges y Berlín.

miércoles, 14 de junio de 2017

El sueño de Gabrielle (Mal de pierres)


La historia: Gabrielle (Marion Cotillard), es una joven con las hormonas en plena ebullición y que además está afectada por una desestabilización emocional, que le está causando problemas con los hombres de la población en la que vive y por consiguiente con su familia. Cuando la situación empieza a ser insostenible en opinión de su madre, esta le propone un matrimonio de conveniencia para estabilizar su situación emocional o bien ingresarla en un centro psiquiátrico para que deje de ocasionar problemas. Ante la dramática situación propuesta por su madre, Gabrielle acepta casarse sin estar enamorada, pero advirtiendo a su futuro esposo que no piensa mantener relaciones sexuales con él en ningún momento de su convivencia.


La crítica: El sueño de Gabrielle es una preciosista cinta francesa que tiene como principal problema un halo de artificialidad impostada, que hace muy difícil integrarse en la historia sin pensar que estamos viendo una película en todo momento. Podríamos decir que solo se sostiene en pie por una actuación muy importante de Marión Cotillard y que sin ella, el largometraje se caería de un soplido como un castillo de naipes. De hecho, es un souflé galo que aún desinflándose, deja momentos de una belleza indudable pero que se siente como una lastimosa oportunidad perdida.

La cinta está basada en la novela del año 2008, 'Mal de piedras' de la autora italiana Milena Agus que se saldó con un moderado éxito en el país transalpino. El título hace referencia a la enfermedad renal que padece Gabrielle y que le impide engendrar descendencia. En el lenguaje coloquial, a esta enfermedad de cálculos renales se la conoce como piedras en el riñón. Por cierto, no se que puede pasar por la cabeza de un autor, para titular una novela con el horrendo título de Mal de piedras -en francés Mal de pierres- cuando además no es la clave de la historia ni de cerca. Por una vez y sin que sirva de precedente, comprendo a los traductores en España. Evidentemente, si traducen este título literalmente por 'Piedras en el riñón' no hubiera ido al cine ni el dueño de la sala. Sin embargo, cómo cambia la cosa si la cinta es titulada de una forma tan bella como 'El sueño de Gabrielle'; la verdad no hay color. Y dicho esto y para contradecirme marcianamente, este título es una estafa porque no se corresponde con la realidad ni de la autora italiana, ni con la de la cineasta francésa Nicole Garcia que quiso respetar la opción del título que libremente eligió Milena Agus por mala que esta fuera en mi opinión.

Volviendo a la película en sí, la historia está desarrollada temporalmente a finales de la segunda guerra mundial y geográficamente situada en la espectacular campiña francesa. En este contexto, es donde nos encontramos a Gabrielle con una sexualidad desbordada y en la búsqueda a su vez de un amor romántico al que no consigue ponerle cara. Tras contraer matrimonio, ciertamente se estabiliza pero no es feliz. El marido además es un hombre sombrío, callado y que no le aporta calidez. En un momento de la trama, Gabrielle se da cuenta que su marido está frecuentando a prostitutas y pagando 200 francos por cada encuentro. Desesperada por las infidelidades -en principio consentidas- le propone la extravagante formula a su marido, de que le pague a ella los 200 francos en vez de a las prostitutas y llegan a un acuerdo para sostener la economía familiar. Aunque Gabrielle está empezando a sentir algo por su marido, esta manera tóxica de relacionarse está empezando a desestabilizarla de nuevo.

A partir de ahí, sufre un aborto por sus cálculos renales y decide, o deciden por ella, ingresarla en un balneario para curar su enfermedad. Es allí, en soledad, donde conoce a un atractivo soldado herido y cuando se enamora realmente por primera vez. Es entoces, cuando arranca el verdadero conflicto sentimental narrativo de la película del que no haré spoiler y cuando conocemos la verdadera historia de Gabrielle......

Y la pregunta es, ¿cómo es posible que con una buena historia, una excelente ambientación y una actriz en su mejor momento, la película se aproxime a ser un naufragio triste y desolador?

Pues así es el cine y hay un buen puñado de razones para argumentar el porqué este sueño de Gabrielle se convierte en solo un sueño de lo que pudo haber sido y nunca fue. Uno de los errores es el parsimonioso, lento y desesperante desarrollo que convierten sus 126 minutos de metraje en algo que parecen ser 226 minutos inacabables y profundamente extensos. Otro de los problemas surge cuando la identidad de la cinta se aproxima más a la factura técnica de un telefilme o directamente se entronca con la manera de narrar de las telenovelas más simples. Por último y entre otros problemas, cabe destacar la mala utilización del recurso narrativo de los sueños o de la locura, para contar historias que nunca sucedieron en la realidad.


Aún con todo lo expuesto anteriormente, es una brillantísima y seductora Marion Cotillard (Aliados), la que sostiene toda la película y la salva por los pelos del naufragio total. Su actuación es sutil, contenida, suave y con una excelente vocalización de su lengua madre, que hace imprescindible el visionado de la película en versión original francesa, ya que cualquier otra opción es una pérdida de tiempo y de dinero. La acompaña en el reparto Àlex Brendemühl (Truman) en un papel tan frío y seco como su personaje, lo cual no se ciertamente si es bueno o todo lo contrario. El que no deja dudas es el actor galo Louis Garrel (The Dreamers), en el convincente papel del soldado herido del que se enamora Gabrielle en su estancia en el balneario. Cabe destacar la fuerte química que se establece en pantalla entre Cotillard y Garrel, con alguna escena subida de tono en las que ambos saben explotar su magnetismo físico.

En la parte técnica de la cinta, sobresale además de su buena música y fotografía, un privilegiado diseño de vestuario, que hacen que Marion Cotillard este perfectamente "mal" vestida o bien vestida desde la primera, hasta la última toma de la cinta. El vestuario diseñado para los campesinos o el personal del balneario es también de una elección inmejorable.

Por toda esta parte técnica reseñada, la gran actuación de la actriz francesa y la buena premisa de salida de la historia, es una verdadera lástima que la película se convierta en un sucedáneo de cine, que se aproxima más al cartón-piedra que a una producción profesional y con una narrativa medianamente aceptable. Por lo tanto, El sueño de Gabrielle es una profunda decepción, si hablamos de pureza en el cine, aunque tiene tantos aspectos positivos que extrañamente la convierten en una bonita mala película.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Francia.
Dirección: Nicole Garcia.
Reparto: Marion Cotillard, Louis Garrel,
Àlex Brendemühl, Victoire Du Bois.
Guión: Jacques Fieschi, Nicole Garcia.
Música: Daniel Perbenton.
Fotografía: Christophe Beaucarne.
Duración: 126 minutos.
Estreno Francia: 19/10/16.
Estreno España: 9/6/17.