martes, 26 de abril de 2016

¡Qué maravilloso es el cine! Pulp Fiction


Tarantino en estado puro. Cine de culto, cine salvaje, cine polémico, cine provocador, cine necesario, cine de ráfagas, cine de sombras, cine de luces, cine bestial, cine no apto para cardíacos.

Hace ya más de veinte de años, salí asombrado, aturdido y sorprendido de una sala de cine. La polémica sobrevoló el recinto durante las dos horas y media que duró la proyección. Algunos espectadores se salían de la sala, otros volvían a entrar, murmullos, risas, aplausos, pitos y división de opiniones al concluir la película. Un sueño para un director. Un amigo con el que asistía al estreno me preguntó mi opinión de lo visto en pantalla, mi respuesta fue la siguiente: aún no lo se, pero te aseguro que dentro de veinte años se seguirá hablando de esta producción, y vaya si se habló.

Tras su extraordinario debut con 'Reservoir Dogs', la consagración le llegó a Quentin Tarantino con este largometraje, ganador del merecido Oscar de la Academia al mejor guión original y la Palma de Oro del Festival de Cannes. Fue todo un golpe de efecto ante una parte de la pacata sociedad estadounidense, ya que en sus estados mas puritanos causó un fuerte revuelo por las más de doscientas cincuenta veces que se utilizó la palabra "fuck" a lo largo de la trama. 

Pero sin entrar en polémicas estériles, pues Tarantino no obligo con pistola en la mano a nadie a ver su película, el éxito del film es ya a todas luces indiscutible. El ritmo constante de la obra, los diálogos veloces e increíblemente bien escritos, las magistrales interpretaciones y el submundo que crea el director y guionista le valieron innumerables reconocimientos por la vanguardia del cine mundial.


La escena que pasó a la historia del mundo del cine, fue la del baile de Uma Thurman con John Travolta, que volvió a las pistas de baile muchos años después de la mítica película 'Fiebre del sábado noche' a petición del director y que hoy es recordada por todos nosotros. Pero contemos brevemente algo del argumento de 'Pulp Fiction'.

Dos peculiares sicarios a sueldo del jefe de un clan mafioso, trataran de recuperar un maletín en un encargo de su superior, a lo largo y ancho de una gran ciudad. En la búsqueda del misterioso maletín se dan las situaciones más disparatadas y surrealistas que pasaron por la mente del director. Además a Vince ( John Travolta) se le encomienda la misión de cuidar a la novia ( Uma Thurman) del mafioso en los momentos en los que no esta atareado con sus múltiples actividades mafiosas junto a su compañero de "trabajo" ( Samuel  L. Jackson) 

Otra de las particularidades de la cinta es que no está relatada en orden cronológico, sino que da saltos en el tiempo adelante y atrás, lo que en un principio puede descolocar al espectador, en un segundo visionado se comprende a la perfección. Es otra de las apuestas del creador de la obra, por la innovación en la manera de narrar una historia. Si bien es cierto que ya se había hecho otras veces, no es fenómeno demasiado común en la historia del cine. 

Las interpretaciones son sobresalientes en su mayoría, destacando a los tres actores ya mencionados antes, pero no sin olvidarnos de Tim Roth, Bruce Willis, Christopher Walken y la actuación magistral de Harvey Keitel en su papel de "Lobo" como maestro en buscar soluciones a problemas irresolubles. Quentin Tarantino también se reservó un papel secundario en el largometraje y no salio mal parado.


La película en si misma no es una sola, son varios relatos entremezclados que bien hubieran dado para el desarrollo de varios largometrajes por la brillantez de su guión, pero el director en un alarde de generosidad unifica al menos tres guiones en una sola película, haciendo de esta una perfecta trama circular que cierra por donde empieza la producción en un detalle del gusto de los más cinéfilos.

Pulp Fiction esta considerada por Film Affinity como una de las diez mejores películas de todos los tiempos, en IMDb suben la apuesta hasta el quinto puesto y esto no es opinión es información, lo que si es opinión es la del escritor Elvis Mitchell en New York Times: "Un triunfante y hábilmente desconcertante viaje a través de un submundo que surge enteramente de la imaginación madura de Tarantino, un paisaje de peligro, el choque, la hilaridad y el vibrante color local"

La película también tuvo criticas realmente despiadadas y a muchos espectadores les produjo rechazo las dosis de violencia y el lenguaje grosero utilizado en la misma. Yo desde mi lado mas ecuánime tengo y debo de comentarlo pues al final el cine, el teatro o incluso la literatura parte de una clara subjetividad del espectador, lector, crítico o curioso que se acerque a contemplar o leer alguna obra puesta a nuestra disposición. De necios seria creerse en posesión de la verdad.

La recaudación en taquilla y en posteriores distribuciones comerciales alcanzó la nada desdeñable cifra de doscientos catorce millones de dólares, no esta nada mal para una producción independiente que alcanzó repercusión a nivel mundial convirtiéndose en un icono de la cultura popular.

Música y cine: Aquí no hay demasiada discusión posible, pues nos encontramos ante una banda sonora realmente espectacular. Esta vez no me refiero a música sinfónica, sino más bien a una gran recopilación de canciones para el recuerdo.

Y para concluir, os dejo un enlace a un vídeo con la escena musical que es una referencia inolvidable para la cultura pop de nuestro tiempo. Quizás uno de los bailes mas conocidos de la historia del cine mundial. Una coreografía que nos regalan John Travolta y Uma Thurman. Bailemos.


viernes, 22 de abril de 2016

TORO


El cine español sigue en plena forma. Después de una década bastante irregular, en los últimos años, los estrenos españoles son tan esperados como algunas producciones de Hollywood y eso en si mismo es ya todo un éxito, esperamos que siga la buena racha.

Kike Maíllo nos presenta su segundo largometraje tras ganar el goya al mejor director novel en 2012 por la película de ciencia ficción 'Eva'. En esta ocasión, nos presenta un thriller de alta intensidad en el que nos cuenta la historia de dos hermanos que se reencuentran tras varios años del menor encerrado en una cárcel. Un mal robo hizo que el menor fuera detenido y el mayor escapara.

Lo primero que llama la atención en este largometraje, es la manera en la que la narrativa nos lleva por los caminos del cine negro, terreno no demasiado explorado en la cinematografía española y que en cualquier caso e independientemente de la calidad de la propuesta, cualquier camino que se abra en este u otro sentido siempre será bienvenido. Es de reconocer los riesgos que entraña para el éxito de la producción.

La trama de la historia, gira sobre el pasado delictivo de dos hermanos Luis Tosar y Mario Casas ('Toro') y las estrechas relaciones que mantuvieron y aún mantienen con el jefe de un clan mafioso (José Sacristán) dedicado al crimen organizado en la costa del sol malagueña. Intentar desembarazarse del pasado no les sera nada fácil, pues los lazos que los unían con el crimen aún les persiguen.

El mafioso aprovecha que el hermano mayor le debe dinero, para intentar convencer a "Toro" de que vuelva a ser su hombre de confianza como antes de caer preso. El está reinsertado con trabajo y a punto de cumplir su pena de prisión, además es feliz con la pareja que tiene y el mundo se le derrumbará. Los hermanos trataran de huir por todos los medios de caer otra vez en manos mafiosas.


 

La película y su idea central es hablar de lealtades y traiciones, esto es lo que sustenta la trama continuamente. Lo que nos llevaría a una cuestión que gira en toda la cinta y es ¿Cuando estás tan metido en una organización criminal y a pesar de haber rehecho tu vida, es posible salir de allí?

Este es el leitmotiv y realmente comprenderemos que el buen o el mal camino no depende de ti, exclusivamente de ti, hay muchísima gente de la familia y amigos susceptibles de ser amenazados, y a pesar de que Toro intenta lo imposible por conservar una vida normal junto a su pareja, al final no tendrá más remedio que pelear por defender a su hermano y a su sobrina secuestrada, luchará.

La representación del cártel mafioso está muy bien elaborado y quizás sea lo de mas enjundia de la película. José Sacristán en una especie de Vito Corleone cañí, con una presencia imponente en pantalla que inspira respeto y miedo por momentos. Es una excelente interpretación la que consigue y además no se limita a dar órdenes, sino que también se implica en los crímenes a cometer, brillante.

Luis Tosar es un actor en pleno crecimiento, aunque ya venía de cotas muy altas. No se divisa techo en su carrera y es ya alternativa a Javier Bardem si este baja su ritmo de trabajo. Ahora mismo los dos mejores actores que tenemos en España. La propuesta para Mario Casas sería fijarse mucho en el maestro José Sacristán y aprender de la evolución que tuvo este actor desde la época del "landismo" hasta nuestros días. Pasó de ser un actor mediocre y consiguió con paciencia, humildad y mucho trabajo ser una referencia entre los actores veteranos. Pues yo creo que Mario lo podría conseguir si se lo propone, ha mejorado en la expresión facial y aún tiene que trabajar la expresión oral, vocalización y las sobreactuaciones. De él dependerá. La vida por delante.



Técnicamente la película tanto en fotografía, música y dirección artística nos recuerda al cine de gangsters e incluso por momentos al cine negro más violento. Cinta de oscuridades bien planteadas con sentido lógico, con claroscuros tanto en la iluminación como en los personajes. Excesiva en la violencia e incluso cruel con el espectador, hay escenas sangrientas que podrían herir alguna sensibilidad.

Con todas las cosas buenas que tiene la película, hay algo y eso es una percepción que se tiene al verla y es que no acaba de ser redonda. En mi opinión se pierde mucho tiempo en escenas de acción, de huidas y de peleas que no permiten ver los matices de los personajes. También destacar la relación que se establece entre los dos hermanos y la hija del mayor y sobrina de Toro, un triángUlo que queda sin desarrollar del todo, incluso los hermanos a pesar de una última reconciliación no acaban de perdonase del todo o al menos conservan la desconfianza.

Pero aún con todas las pegas que le queramos poner, la película es válida. Gustará más o gustará menos, pero el esfuerzo por adentrarse en terrenos desconocidos es de agradecer. No tendremos la sensación de haber perdido el tiempo ante un trabajo de tal seriedad.

¿Es divertida? Si, no te aburrirás. ¿Es violenta? Si y bastante ¿Es emocionante? La película no emociona demasiado por la bajeza moral de los protagonistas, en cambio si logra tensión emocional en las escenas de persecuciones y en la desgarradora violencia.

Pero entonces es un si o es un no, ¿Es buena la película? En mi opinión la cinta si es buena dentro de su género, no es magistral pero es interesante y arriesgada. No alcanza a los últimos éxitos del cine español como Cien años de perdón, El desconocido o El niño, pero incide un una linea muy interesante. Sin duda, lo mejor de la cinta son las primeras referencias a los personajes y sus contradicciones, que ante todo nos habla de perdón, de lealtad y sobre todo de la traición, esa es su génesis, la maldita traición.

 Nota: 7/10.


Dirección: Kike Maíllo.
Reparto: Luis Tosar, Mario Casas, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Vega.
Nacionalidad:España.
Estreno: 22 de abril 2016.
Guion:Rafael Cobos,Fernando Navarro.
Fotografía: Arnau Valls Colomer.

miércoles, 20 de abril de 2016

¡Qué maravilloso es el cine! La vida es bella


¡Qué maravilloso es el cine! Esta frase hace referencia y a su vez es un homenaje, al mítico programa de televisión española: ¡Qué grande es el cine! José Luis Garci fue su director y estuvo en antena durante diez años consiguiendo unos niveles de audiencia aceptables, a pesar de que fue emitido en un canal minoritario como es la segunda cadena.
Voy a modificar el nombre a esta sección del blog, cambiando grande por maravilloso, para darle mi sello personal, espero sea de interés.

Sera una sección fija en el blog, en la cual recordaremos las mejores películas de las últimas décadas. La idea no parte de mí, fue una sugerencia del autor de la colección 'Cinefilia' de Google+ (Alfredo García) después de comprobar lo mucho que gusto el recuerdo a 'Forrest Gump'. Creo que todos lo pasaremos bien.

¡Buongiorno princepessa! ¡Buenos días princesa! Con esta frase, repetida varias veces en el primer tramo de la cinta, nos presenta su director, esta fábula ambientada en la Italia de la segunda guerra mundial. Obra maestra de Roberto Begnini que también se reservó el papel principal como actor en esta aclamada película.

Breve argumento: Narra la historia de amor entre un jovial camarero y una maestra italiana en tiempos especialmente complicados.
Después de unos años de vida en pareja, conciben a su querido hijo Giosué, coincidiendo la trama con la invasión nazi de Italia. El padre es detenido por el ejército ocupante por ser de origen judío y es trasladado a un campo de concentración, junto a su hijo y esposa. Allí tratará por todos los medios de esconder y proteger a su hijo de las garras del ejército alemán en una lucha sin descanso por salvar su vida.


La belleza de la historia radica en cómo un padre hace todo lo posible (utilizando un juego de una enorme imaginación), para ocultar a su preciado hijo del horror de los campos de exterminio nazis.
Es en el fondo una gran historia de amor. Está narrada en forma de comedia dramática, en la que las risas se combinan con la profunda emoción que nos inspira la mirada inocente de un niño.

En su primera parte, también nos habla de la llegada del fascismo a Italia y como Guido mediante su irónica valentía hace frente a esta situación sin nunca perder el humor. La escena en la que hace una parodia del totalitarismo y se llega a bajar los pantalones mientras está aviado con una banda de la bandera italiana en el pecho me pareció completamente antológica.

La película fue ganadora de tres Oscars de la academia de Hollywood en 1998; mejor película extranjera, mejor actor (Roberto Benigni) y mejor banda sonora. Pasará a la historia la celebración que hizo el comediante, subiéndose por los sillones del fastuoso recinto de entrega de los premios. También fue galardonada con diversos premios internacionales.

¿Qué fue de Roberto Benigni? Pues poco para recordar destacable en el mundo del cine, quizás recordar su película 'El tigre y la nieve' en la que a través de la guerra de Irak trata de retomar el espíritu de 'La vida es bella' pero que ya resulta algo forzada. Lo que me lleva a reflexionar sobre la existencia de cineastas, cantantes o escritores de un solo éxito que dejaron tanto su alma en una gran obra que después no consiguieron nunca igualar su primer gran triunfo.


Ademas de la excelente interpretación de Roberto Begnini, hay que destacar el extraordinario trabajo del niño Giorgio Cantarini. Además Nicoletta Braschi esposa en la vida real del director, nos deja una aceptable actuación, teniendo en cuenta que es muy difícil igualar a su marido y al pequeño actor que nos deja unos momentos memorables con su tierna mirada.

Este largometraje se encuentra entre mis diez preferidos de todos los tiempos. Consigue una gran conjunción entre arte, sentimientos, mensaje y entretenimiento que es lo que todo cineasta debe aspirar a conseguir en sus obras. La historia está basada en algunos aspectos de la vida del padre del director, que fue detenido y enviado al campo de concentración de Bergen-Belsen.

La cinta obtuvo el beneplácito de crítica y público. La recaudación ascendió a casi doscientos treinta millones de dólares, con un presupuesto de poco más de veinte millones de dólares. Obtuvo calificaciones sobresalientes entre los críticos de medios como 'USA Today', 'El País' o 'New York Daily News' por destacar solo a algunos.

Música y cine: La banda sonora de la la cinta pasó a la historia del cine como una de las más bellas compuestas hasta el momento, y hoy en día es raro la semana que no escuchemos su melodía en alguna emisora de radio o en alguna cuña publicitaria. Para concluir os voy a dejar enlaces a dos vídeos para que podamos recordar juntos la música principal de esta maravillosa película. En el primero también observamos algunas escenas de la cinta.


Y por último el siguiente vídeo, para los amantes de la música de cine y melómanos en general. Una maravilla de interpretación de la orquesta de cine de la ciudad de Estambul. Apreciamos la enorme belleza de esta banda sonora y además me servirá para recomendaros si tenéis la oportunidad, la asistencia a uno de estos conciertos filarmónicos, si se produce en vuestra ciudad. Algo inolvidable y muy especial en el que recordaréis aquellas películas que en alguna ocasión marcaron vuestras vidas.


domingo, 17 de abril de 2016

El libro de la selva


¿Que pensaría Walt Disney de esta nueva versión animada de su clásica y aclamada película? ¿Aprobaría un cambio tan radical a su propuesta? ¿Se asustaría al verla? ¿Estaría orgulloso de este espectáculo visual generado por ordenador? Ofrezco más preguntas que respuestas al ver como Disney-Pixar quiere "rizar el rizo" al proponer un remake de la famosa cinta, que a su vez ya era una versión animada del largometraje homónimo de 1942 dirigido por Zoldan Corta.

Rudyard Kipling escritor británico de origen indio y premio nobel de literatura es el autor original de esta obra escrita en 1894. Rememorando el 150 aniversario de su nacimiento, la factoría de los sueños, se propuso dar una nueva visión a su clásica propuesta.

La archiconocida historia, cuenta como un niño (Mowgli) es acogido por una manada de lobos al quedarse huérfano y además profundiza en las relaciones que se establecen entre el niño y los diferentes animales que conviven con él.

El primer detalle a destacar, es que el protagonista central de la trama está interpretado por un actor real, el niño Neel Sethi, por lo tanto nos encontramos ante una propuesta en el que se intercala la animación con las imágenes reales del citado actor. A mi personalmente no me gusta, hubiera preferido que todos los personajes guardaran un mismo rol, siendo estos todos animados o todos reales, así se daría mayor unidad narrativa y visual. No obstante el joven actor nos regala una gran interpretación.


La película, va por un camino muy diferente de su versión clásica, nos encontramos ante una propuesta tenebrosa, oscura e inquietante que difícilmente gustara a los amantes de la jovial y alegre cinta de 1967.

A pesar de que a mi esta versión no me ha convencido, en su defensa diré que en el caso de hacer un remake, se agradece que no se limite a ser una copia de la anterior. Aunque en esta ocasión se pierda completamente el espíritu que inspiró a su creador, el legendario Walt Disney.

Paradójicamente, este largometraje es bastante más fiel al relato original de Kipling que su predecesora, profundizando en mayor medida en las características de los personajes y con un fuerte mensaje moral que por momentos es asfixiante y repetitivo.

Al verla, tenemos la sensación que nos están dando una continua lección de moralidad. Los clichés de los personajes están demasiado acentuados, abusando del maniqueísmo de tal manera que no da lugar al equilibrio entre las distintas personalidades que nos muestran a través de los animales.


El significado de los distintos protagonistas que aparecen en la película, a hecho correr ríos de tinta sobre el verdadero mensaje que cada uno conlleva. Nos encontramos con la pantera Bagheera como la protectora y maestra del huérfano. Akela, el líder de la manada de lobos, representando el tótem protector y sabio. Baloo como el oso bonachón y personificando la amistad. Ka la serpiente sibilina y astuta. Shere -Kan el tigre que quiere acabar con Mowgli representa la maldad y la traición. Louie el rey mono nos muestra el interés personalista y la anarquía en la cadena de mando.

La profundización moral en los personajes es demasiado densa en esta ocasión. Sobre todo si tenemos en cuenta el tipo de cinta que es. El mensaje es abrumador y resulta reiterativo. Se aproximaría más a una tesis doctoral sobre la condición humana, trasladando a los animales nuestros defectos y virtudes, que a una película destinada a un público infantil. Desde luego difícil de comprender para los menores de diez años.

Técnicamente la propuesta es sobresaliente, las innovaciones desarrolladas mediante la informática hacen que la animación sea impresionante en pantalla. El hiperrealismo de los animales es verdaderamente asombroso. La banda sonora es obra del compositor y director de orquesta John Debney, lo mejor de la película en mi opinión. Asistimos a un verdadero concierto de música sinfónica. Sin embargo, la reinterpretación de las mágicas canciones de la versión clásica, deja bastante que desear, añoraremos con fuerza al viejo Baloo.


De valorar también es la inmensa cantidad de profesionales que han trabajado para llevar a cabo esta superproducción. En los títulos de crédito del final de la cinta, se da buena cuenta de ello, mientras escuchamos a Scarlett Johansson interpretar el famoso tema de la serpiente Ka, "Confía en mí".

Habría que preguntarse, si en las últimas dos décadas, se ha pasado de hacer un cine de animación para los niños y difícil de soportar para los padres, a un cine animado hecho para los padres y de complicada asimilación para los niños.

Película de luces y sombras, por momentos demasiado introspectiva y de difícil encaje para los aficionados a los clásicos al cine de Disney. Habría que estar dispuestos a olvidarnos de la versión clásica para poder darle una oportunidad a esta producción.

Destinada a una nueva generación de niños y jóvenes acostumbrados a las nuevas tecnologías y a los cuales la versión de 1967 seguramente les parecería del pleistoceno; cabe decir sin embargo que es meritorio el cuidado con el que está tratado el argumento.

Otro asunto sería, si no han desnaturalizado el espíritu original del creador de la compañía, el inigualable genio de la animación Walt Disney, de ahí mis preguntas iniciales.

Nota: 6/10.

Titulo original: The Jungle Book
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Jon Favreau.
Genero: Aventuras.
Reparto: Nell Sethi.
Voces versión original: Bill Murray, Ben Kingsley, Scarlett Johansson, Idris Elba, Christopher Walken, Lupita Nyong'o, Giancarlo Exposito.
Estreno: 15 de Abril de 2016. 
 

miércoles, 13 de abril de 2016

¡Qué maravilloso es el cine! Forrest Gump












La enorme belleza de algunas escenas en grandes películas, es lo que a los amantes del séptimo arte nos enamora del mismo. Hace ya algo mas de dos décadas del estreno de Forrest Gump, y para hacer un descanso en la vorágine de estrenos, hoy os traigo mis impresiones de esta gran obra que repasó la historia contemporánea de Estados Unidos, a través de los ojos de este entrañable personaje.

Y para ello, os voy a dejar un enlace a un vídeo en el que veréis a que me refiero.
En mi opinión, nos encontramos ante la mejor introducción de la historia moderna de cine. Los títulos de crédito en una cinta a algunas personas les pueden resultar molestos, por eso siempre deberían estar acompañados de algo que los haga más digeribles al espectador. Este inicio de la película es prodigioso, en el vemos la época, la ciudad y el contexto a través del vuelo de una pluma.


La pluma: Atención al virtuosismo del citado vuelo, es un verdadero poema visual.
Me causa una profunda emoción cada vez que vuelvo a ver esta introducción. Mi padre siempre me recalcó la importancia de esta escena por la maravilla sentimental y técnica que supuso para el cine moderno. La filmación se produjo con una grúa sobrevolando la calle y la pluma fue añadida después utilizando un croma, pero la pluma es real, algo sencillo pero muy imaginativo.

Música y cine: La belleza de la música en el cine es incuestionable y en Forrest Gump alcanza uno de sus hitos, con una de las bandas sonoras más recordadas de todos los tiempos, quien tenga la posibilidad de conseguir la misma, será feliz escuchando tal maravilla. Espero que os haya gustado esta entrada en el blog y que os haya servido para conocerme un poquito mejor, pronto volveré con nuevos estrenos de cine.

Muchas gracias a todas las personas que me acompañan, en este camino de divulgar mis opiniones sobre el mundo del cine.

viernes, 8 de abril de 2016

Julieta



Pedro Almodóvar más Almodóvar que nunca y tan particular como siempre. Una vez más, su virtud es no provocar indiferencia en el espectador. Odiado por algunos, amado por muchos, ese es su destino. En mi opinión un cineasta brillante.

La historia: Nos cuenta la vida de Julieta durante los últimos treinta años de su vida, desde la década de los ochenta, hasta la actualidad y lo hace utilizando a dos actrices. Adriana Ugarte en su etapa juvenil y Emma Suárez en un momento de mayor madurez, quizás el único error de la cinta. Pienso que una sola actriz hubiera sido mejor para la situación de la historia, aportaría mayor unidad narrativa.

Julieta es una joven inquieta, que durante un viaje en tren, conoce a su futura pareja y allí sucederán unos hechos que la marcarán para siempre; además se ahondarán en los conflictos de esta relación marcada por la tragedia.

El melodrama es el género que usa el director para recrear esta historia, quizás su forma de expresión preferida a lo largo de su ya dilatada carrera en el mundo del cine.

La belleza de lo amargo, así resumo yo lo que expresa Almodóvar con esta película. Este titular esta inspirado en parte de la forma de ver la vida del escritor Mane Lander y es que en las cosas amargas o oscuras también hay una belleza sutil.

Película muy dura, de las más duras de toda su carrera, ningún detalle de cara a la galería, todo es profundo, muy profundo, sin tiempo para tomar aliento entre escena y escena, atmósfera dramática e incluso cruel en algunos momentos. Universo mágico.

La trama nos habla fundamentalmente de la pérdida, del dolor por recuperar lo imposible, de trágicas casualidades del destino, de la pérdida de la inocencia, de nuestros traumas internos, de empezar nuevos caminos y nos habla, nos habla de tantas cosas, de nuestro patíbulo interior; hasta que acabamos casi exhaustos de tanto dolor y tanta belleza a la vez. Esta vez el cineasta no da tregua para alguna nota de humor, es una borrachera de profundidad hacia nuestro yo interior.


El cineasta dirige con mano de hierro al elenco de actores, no les permite que sobreactuen en ningún momento y da una lección en la dirección de los mismos, ejemplar para las escuelas de cine.

Adriana Ugarte interpreta a la joven Julieta y demuestra que no sólo es una cara bonita, actriz confirmada. Enma Suárez se encarga de Julieta en otra etapa más madura y nos deja también una gran actuación. Otras actrices a destacar son Inma Cuesta, soberbia y Rossy de Palma magnífica. Darío Grandinetti novio de Julieta en la segunda etapa, esta muy acertado.

En los aspectos técnicos de 'Julieta' hablamos directamente de obra maestra: la música de Alberto Palacios es sublime y acompaña, que no opaca, durante todo el largometraje. La fotografía, especialmente en alguna toma nocturna, con una perfecta iluminación es sobresaliente. Por fin alguien que sabe iluminar. La dirección artística como siempre en Almodóvar, genial e incluso en las localizaciones muy acertado pues la belleza de los paisajes esta vez sí están en consonancia con lo que nos están contando, son contenido, nunca continente.


Obra para paladares exquisitos, no obstante he de decir que el film no es fácil de ver, incluso por momentos puede resultar demasiado incisivo en la búsqueda de los traumas de las protagonistas, pero a veces la vida no es fácil como vosotros bien sabéis. Desde luego no es un cine destinado a ver con una bolsa de palomitas y que conste que a mi me gusta también el cine sólo para divertirse. Pero este no es el caso, aquí Almodóvar se ha vaciado para explorar los aspectos más oscuros y más escondidos de la condición humana.

Otra vuelta de tuerca del cineasta que deja la sensación de querer ver su próxima película y eso ya es todo un éxito. No me extenderé más, no es necesario. La escena que cierra la película magistral.

Nota:9/10.

P.D: Este texto está dedicado a un amigo y a su vez mi mentor, se trata del profesor de genética Emilio Valadé. Por dos razones, la primera por ser fiel seguidor de Pedro Almodovar y la segunda por estar rodada parte de la película en su querida y bellísima Galicia.

Dirección: Pedro Almodóvar.
Reparto: Adriana Ugarte, Enma Suárez, Inma Cuesta, Rossy de Palma, Daniel Grao, Michelle Jenner, Darío Grandinetti.
Musica: Alberto Iglesias.
Fotografía: Jean Claude Larrieu.
Nacionalidad: España.
Estreno: 8 de Abril en España, Sony Pictures ha adquirido los derechos para el estreno internacional.


lunes, 4 de abril de 2016

Altamira


Cuando salía de la sala de cine, no pude evitar escuchar la conversación que mantenía una pareja y que resumo en una sola frase: "Por lo menos los paisajes eran bonitos". Pues eso, película sentenciada. Esta mención a una cinta es toda una declaración de intenciones y nos hace ver que lo que hemos presenciado es algo tan soporífero (otro espectador se durmió, sin somnífero de por medio supongo) que solo nos quedan los paisajes, pero para eso esta National Geographic digo yo.....

Biopic de Marcelino Sanz de Sautola, abogado e investigador en los campos de la arqueología y prehistoria, que se centra en el descubrimiento de la cueva de Altamira y su posterior investigación y difusión internacional. Decisivo paso en la divulgación del arte rupestre en el paleolítico. Estamos hablando de la cuna de nuestra civilización, hasta ahí la historia real,  ahora pasaremos a describir como su director Hugh Hudson ejecuta esta película (por llamarle de alguna manera....)

Y hablando de ejecuciones, me viene a la cabeza una historia humorística: Un padre empeñado en que su hijo pequeño aprendiera a tocar el piano, cuando al niño no tenia ningún interés, bueno pues después de un año de múltiples clases particulares, el orgulloso padre invita al salón de su casa a un grupo de amigos y a un reputado director de orquesta amigo suyo. Bueno pues el niño toca una pieza al piano en la citada reunión y al acabar se escuchan unos tímidos aplausos. El padre se dirige al músico y le comenta ¿Que tal la ejecución? A lo que el director de orquesta con sorna respondió "hombre tanto como la ejecución no, pero un buen par de ostias el niño si se ha ganado....."
Pues eso, no se el castigo que daría yo al director de la cinta, Hugh Hudson, pero desde luego no estaría mal que estuviera otros 15 años sin dirigir, que es lo que ha tardado en volver al cine desde su ultima película.  Incluso estaría bien que diera clases de pintura, de pilates o que se dedicara a largos viajes por el mundo que es muy bonito......

Pinturas de Altamira,esto si es arte

Volviendo al largometraje (y tan largo...) gracias a la niña pequeña del investigador, que jugaba en un recoveco de la cueva, el protagonista descubre las pinturas rupestres. Lástima que esta prometedora historia esta narrada sin la menor emoción posible, es más yo creo que resulta más emocionante elegir la leche en el supermercado (semi, entera, desnatada, con calcio, sin lactosa, enriquecida,etc) que ver como está contado este descubrimiento universal para la humanidad. Esto y el resto de la trama está tratado de una manera tan aséptica que no parece una filmación artística. Esto es lo que suele suceder cuando un director recibe un encargo y lo toma como un trabajo, más que como un proyecto propio.

Durante el desarrollo de la historia se intenta enfrentar fe y razón. Pues se produjo un debate sobre si el descubrimiento databa del paleolítico, enfrentado a quienes opinaban que las pinturas o bien eran una falsificación o en todo caso eran muchos mas recientes. La iglesia y parte de la población, consideraban que los paleolíticos no tenían la capacidad para el arte al no estar convertidos aún en la fe de la religión. Sin comentarios.

Aún así, el film no tiene unos mínimos de tensión narrativa por lo que no consigue implicarnos con la parte científica y además casi nos da igual. Para arreglar el asunto, nos encontramos que la niña tiene unos continuos sueños oníricos, donde los búfalos representados en las pinturas cobran vida y se presentan continuamente en escena, ¡que castigo madre! Todo esto, acompañado de dos visitas familiares a donde descansan los que ya no nos acompañan en vida, hace que cada vez deseemos ver el final de este duro castigo para la tarde de un Domingo. Con lo bien que hubiera estado yo dando un paseo primaveral, ¡ay que pena!



Antonio Banderas que en su interpretación está bien, está empezando a dar peligrosos tumbos en su carrera, no tomando un rumbo fijo y dando saltos desde la dirección, pasando por cintas para público infantil hasta proyectos mas o menos estrambóticos. Actor con demasiados altibajos y que no acaba de dar el salto de calidad que muchos esperábamos. Su esposa en la ficción es la actriz Golshifteh Farahani que tampoco convence. Quizás el mas convincente es Rupert Everett interpretando a un cura con mas mala leche que un gato en una perrera. La niña Allegra Allen si que nos regala una importante interpretación, sin duda lo mejor de la cinta.

Para concluir, diría, que más que ante una producción cinematográfica, nos encontramos en una especie de episodio piloto de telenovela de sobremesa, ideal para conciliar un sueñecito mientras hacemos la digestión. Que le vamos a hacer......

Nota:2/10

Información adicional: La cueva de Altamira es uno de los orgullos más universales que tiene Españaesta considerada patrimonio de la humanidad por la UNESCO desde 1985.
La belleza de la zona hace muy recomendable su visita, aunque su acceso al público esta muy limitado para su mejor conservación. Está situada junto a uno de los pueblos mas bellos de España, Santillana del Mar del que os dejo una fotografía a continuación.




Titulo original:Altamira.
Nacionalidad: España, Francia, Estados Unidos.
Rodada en idioma Inglés.
Dirección:Hugh Hudson.
Reparto:Antonio Banderas, Golshifteh Farahani, Rupert Everett, Alegra Allen.
Estreno:En España el 1 de Abril, pendiente del estreno internacional, si es que se produce.

viernes, 1 de abril de 2016

Kiki,el amor se hace


Comedia erótico-festiva es como el viral actor y director español Paco León (con mas de un millón de seguidores en su cuenta de Twitter), nos define su tercer trabajo como cineasta que se estrena hoy 1 de Abril en España y que llega con bastante expectación a los cines. En esta ocasión el cineasta nos obsequia con un gran remake de la producción australiana 'The little death'.

Cinco historias y cinco curiosos comportamientos sexuales es de lo que trata esta historia. A saber: Elefilia que es la excitación sexual por los tejidos, dacrifilia con el llanto, herbofilia por las plantas, somnofilia con relación al sueño y harpaxofilia en el contexto de un robo.

Buena y original carta de presentación en el inicio de la película y que aprovechando los títulos de crédito, se intercalan imágenes de animales con personas haciendo una original referencia a nuestros instintos mas primarios .Comenzamos bien, pues no hay nada como un buen entrante que nos predisponga a favor de obra. La cinta no sigue el método de 'Relatos Salvajes' en el aspecto que las cinco historias que cuenta no son independientes entre sí.  Al contrario, aquí las historias están entrelazadas y van saltando de unas a otras con una interrelación común y que desembocan todas juntas en la maravillosa escena final, recordándonos al maestro Alejandro G Iñárritu especialista en estas lides de resolver el puzzle en la parte final de la historia.


Esta fotografía pertenece a la primera y genial escena del largometraje, probablemente lo mejor del mismo, junto con su final. Nos encontramos a los dos primeros personajes, que abren "fuego" en una hilarante parodia de como enfrentarse a una terapia de pareja. Todas las historias tienen en común las filias sexuales de alguno de los miembros de la pareja y que tratadas de una manera cómica, nos acercan a comprender un poco más la naturaleza de las mismas por extrañas que nos puedan parecer en la exposición inicial.

En realidad, nos encontramos ante un complejo mecanismo de egoísmo individual, poniendo en primer plano el placer sexual propio de unos personajes y anteponiéndolos a los de sus respectivas parejas. Lo cierto, es que ambos miembros tratan de conjugar sus deseos para beneficio mutuo, pero al final prima el egoísmo del placer personalista a costa del sufrimiento del otro miembro de la pareja.

En una de las historias, uno de los miembros de la pareja (Candela Peña, magnífica actuación) disfruta sexualmente cuando ve a su pareja llorar (Luis Callejo, magnífico también) y le hace todas las jugarretas posibles (incluso fingir graves enfermedades), con tal de satisfacer sus deseos, dando lugar a geniales y divertidas escenas cómicas para el espectador. Lo que nos lleva a reflexionar, sobre el difícil control de los impulsos incluso con las personas que más quieres.


Al ser una película coral, en cuanto a las interpretaciones mencionaré brevemente algunos de sus protagonistas. Paco León es cada vez mejor actor. Su pareja en la ficción, la actriz argentina Ana Katz le da buena réplica. Natalia de Molina se confirma como un actriz de éxito y tras su merecido premio Goya, hace otro estupendo trabajo. Belén Cuesta y Alexandra Jiménez se lucen en sus papeles respectivamente con una gran vis cómica muy de agradecer.

Sorprendentemente en los aspectos técnicos la filmación sobresale y está magníficamente tratada, cosa que en otras comedias no suele pasar. La fotografía dirigida por Kiko de la Rica es un auténtico lujo que no pasa desapercibida. El sonido directo sencillamente espectacular, lo medimos cuando Alexandra Jiménez abre un caramelo y escuchamos cada detalle con una claridad meridiana. La dirección de arte también es excelente, con un aire totalmente almodovariano que también se ve reflejado en muchos diálogos de la cinta.

Quizás el mayor defecto de la filmación, lo encontramos en la utilización de un lenguaje en demasiadas ocasiones soez e innecesario que no encaja con el virtuosismo que se ofrece en el plano técnico de la película. Algunas escenas pueden resultar algo escabrosas, aunque en ningún caso hablamos de pornografía, en todo caso erotismo subido de tono.

Para concluir, diría que nos encontramos ante una cinta bastante fresca, ágil y novedosa en la que se intenta mostrar con naturalidad la diversidad sexual del individuo, así como las distintas opciones que puedan manejarse por las personalidades que se ofrecen a través de la pantalla.

Mi impresión ha sido muy positiva y destacaría también la manera conceptual de dirigirse a todo tipo de público, desde el que solo busca reírse y que se reirá, pasando por el espectador más exigente que verá cierto matiz intelectual. Paco León se supera en su nueva y flamante obra, que tiene todos los visos para ser un nuevo taquillazo en las salas de cine.

Nota: 9/10

Estreno:España 1 de Abril de 2016, a la espera de estreno internacional.
Nacionalidad: España.
Director: Paco León.
Reparto: Paco León, Ana Katz, Candela Peña, Luis Callejo, Álex García, Natalia de Molina.
Fotografía: Kiko de la Rica.